Guardia Lombardi on the Art

Guardia Lombardi alle ore 18.30 del 01/02/2012

2012-02-01T18:36:00.002+01:00

Guardia Lombardi (Avellino)

Foto in tempo reale

ore 18,30 del 01/02/2012

Guardia Lombardi alle ore 15.15 del 01/02/2012

2012-02-01T15:19:00.002+01:00

Guardia Lombardi (Avellino)

Foto in tempo reale

ore 15,15 del 01/02/2012

Guardia Lombardi alle ore 12.00 del 01/02/2012

2012-02-01T12:33:00.004+01:00

Guardia Lombardi (Avellino)

Foto in tempo reale

ore 12,00 del 01/02/2012

Incontri ravvicinati della Terra con due asteroidi

2012-01-31T17:15:00.003+01:00

Il prossimo, Eros 433, il primo Neo visitato da una sonda spaziale

Incontro ravvicinato della Terra con due asteroidi, di cui uno è già passato il 27 gennaio 2012 (venerdì) e il prossimo è atteso per domani 31 gennaio. Il primo, l’asteroide 2012 BX34 ha sfiorato a soli 59.000 Km il nostro pianeta,distanza da comparare a quella con la Luna, che si trova 380.00 Km da noi ed è quindi sei volte più lontana. Gianluca Masi, responsabile del Virtual Telescope e curatore scientifico del Planetario di Roma, ha potuto osservare il fenomeno e dichiara che l’asteroide è “delle dimensioni di un autobus”.

Per domani, invece, è atteso il passaggio del secondo, Eros 433, il primo ad essere individuato nel 1898 fra i Neo (Near Earth Objects), corpi di piccole dimensioni che orbitano nel Sistema Solare a distanze ridotte dalla Terra. Eros 433 fu, inoltre, il primo ad esser visitato dalla sonda Near (Near Earth Asteroid Rendezvouz) Shoemaker nel 2000. Si prevede che questo secondo corpo celeste verrà a trovarsi a circa 30 milioni di chilometri dal nostro pianeta, senza pericoli d’impatto.

La massima luminosità sarà raggiunta il prossimo 3 febbraio e sarà visibile anche dall’Italia, con un telescopio o addirittura con un binocolo dalle 22.30, in direzione sud est nella costellazione del Sestante, sotto quella del Leone. Tali dati sono confermati da Masi, il quale aggiunge che la visibilità raggiungerà una magnitudo di 8,1, inferiore, dunque, rispetto a quella delle stelle visibili a occhio nudo (magnitudo 6 e magnitudo 2 per la stella polare), ma la sua luminosità sarà accentuata dalla vicinanza alla Terra, la maggiore sin dal suo ultimo passaggio nel 1975. Al prossimo, che avverrà nel 2056, sarà ancor più vicino e quindi luminoso.

Il nudo nell'Arte - David Hamilton

2012-01-30T19:35:00.003+01:00

“Cacciatore dì sogni, l’uomo dagli occhi chiari insegue farfalle adolescenti con ali tenui, appena uscite dalla crisalide. Con delicatezza, per non sciuparle, le imprigiona immediatamente in una grande casa perduta, la sua casa, dove le osserva a lungo… Il fantomatico cacciatore di camera in camera, silenzioso come le sue farfalle.

È alla ricerca di qui cosa, di cui ignora completamente la natura. Spinge, dolcemente, il battente di una porta. Si ferma. Osserva e, finalmente, vede. Il suo nome è David Hamilton…”.

Con queste parole, undici anni fa, Alain Robbe-Grillet presentava il primo volume di David Hamilton “Reves de Jeunes Filles” (Sogni di fanciulle).
È l’inizio di una straordinaria carriera e, al tempo stesso, culmine di una ricerca d oltre dieci anni, ricerca di una realtà diversa, indefinibile cui erano con tutte le caratteristiche che, ancora oggi, fanno di David Hamilton qualcosa di più di un fotografo, di un personaggio alla moda, di un maestro dell’erotismo tenero.

Lo scatto iniziale si verificò nel 1969, quando la rivista testimoniò, nelle sue pagine, un incontro fondamentale: quello dell’uomo con la poesia. L’incontro cioè di David Hamilton con la canzone di Léonard Cohen, Suzanne, che lo colpì profondamente e intensamente, consentendo esprimere pienamente il suo talento artistico.

Le immagini di Suzanne, pubblicate da “Twen” nel 1969, racchiudevano per la prima volta tutte le qualità che, nel loro armonico complesso, costituiscono la sua peculiare sensibilità artistica: la luce sfumata e incerta del crepuscolo, la penombra segreta dei tendaggi socchiusi, l’intimità, il riserbo, il pudore e, in apparente contrasto, l’abbandono totale, senza riserve, della modella rivelarono al pubblico il giardino segreto di David Hamilton.

Giardino rimasto, poi, sostanzialmente inalterato nel tempo, ma incessantemente arricchito a ogni incontro con una donna-fiore, o con una sfumatura un armonico accostamento di colori in grado di affascinarlo. Dopo l’esordio su “Twen”, Hamilton è divenuto un personaggio pubblico: in una decina di opere ha dischiuso il suo giardino magico allo sguardo di artisti, critici, dilettanti e appassionati che ne sono rimasti immediatamente affascinati. E l’incanto continua, perché nell’arco degli anni, in ogni sua opera, Hamilton non ha rivelato che un angolo del giardino. Non perché l’artista abbia deliberatamente voluto celarne alcune zone, ma semplicemente perché non gli è ancora venuta l’idea di esplorarle.

David Hamilton in realtà è un figlio del suo tempo, che vive intensamente e che approfitta senza falsi pudori della fama e della gloria per viaggiare, per raggiungere il sole che ama profondamente, per esplorare il mondo alla ricerca di nuove modelle e fonti di ispirazione, per vivere una vita da divo. Egli sfrutta il suo talento senza problemi, ma sempre in senso positivo, senza mai fare concessioni o cercare facili consensi. Ha sempre saputo rifiutare le occasioni che non trovavano rispondenza nella sua sensibilità artistica. Non è mai caduto, per esempio, nell’erotismo banale e di facile effetto che gli proponevano coloro che non lo avevano evidentemente capito. E poiché il fulcro della sua ossessione artistica, della sua sensibilità è sempre la fanciulla, nel momento in cui si apre ancora inconsapevole alla sua vita di donna, David Hamilton ama troppo intensamente questa sua fonte d’ispirazione per non circondarla di una purezza, di un’essenzialità, fino a dare quasi l’impressione di voler cancellare il suo intervento di artista; e queste caratteristiche sono costanti e si ripropongono con evidenza in tutte le sue opere.

Il primo libro, “Réves de Jeunes Filles” consacrò la sua fama dopo il successo di Twen. Diede la prima occasione di penetrare nel giardino segreto, compiendo una scoperta, in qualche modo ambigua. Erotismo o ambiguità compiaciuta? Questo è il primo dubbio che l’opera di Hamilton suscita, dubbio che non sarà mai risolto e lascerà intatta l’ambiguità sottile delle visioni del fotografo “sonnambulo errante in lande sconosciute, alla ricerca della casa perduta”, come scrive Robbe Grillet. A quel tempo, colpiti dalla bellezza e dalla straordinaria intensità dell’espressione, alcuni pensarono che Hamilton sarebbe inevitabilmente rimasto prigioniero e vittima della sua stessa originalità e non sarebbe mai riuscito a rinnovarsi e a evolversi.

Nessun segno premonitore sembrava predestinare al successoDavid Hamilton, nato a Londra il 15 aprile 1933: i suoi genitori non avevano alcun legame con il mondo dell’arte ed egli stesso, nel corso degli studi, non si sentì mai attratto né dalla pittura, né dalla musica né, tanto meno, dalla fotografia.

Unici indizi della sua sensibilità furono gli studi di architettura seguiti “senza particolare successo” - come egli stesso ammette - un gusto spiccato per la decorazione e l’arredamento e, soprattutto, un carattere assolutamente indipendente, anticonformista, che fu alla base della sua giovinezza instabile, durante la quale tentò almeno duemila diverse professioni.

La prima tappa importante della sua vita fu il trasferimento a Parigi, nel 1957, all’età di 24 anni. Si dedicò, a quell’epoca, alla decorazione di negozi, introducendosi nel mondo della moda e della pubblicità e diventando, nel 1959, uno dei due direttori artistici della rivista Elle.

Come egli stesso racconta, imparò per la prima volta, in tale occasione, una vera professione, assimilando in una settimana la tecnica dell’impaginazione: assorbiva e tratteneva “come una spugna” ogni nozione che suscitasse il suo interesse.

In capo a un anno, però, tornò a Londra, dove divenne direttore artistico della rivistaQueen. In tale veste visse intensamente questa sua prima fase di creatività. In un giorno del 1962, il suo assistente Max Maxell gli suggerì di acquistare un apparecchio fotografico, una Minolta con obiettivo di 50 mm.

A quell’epoca la scelta della fotografia, come professione e come mezzo espressivo, era ancora lontana. Hamilton tornò in Francia nel 1963 e divenne consulente artistico della catena di magazzini Printemps, mansione che svolse per cinque anni. Proprio in questo periodo i suoi contatti cori il mondo della fotografia divennero più frequenti.
Il primo lavoro, in qualità di fotografo di moda, gli fu commissionato dalla rivista Elle: una ventina di pagine di presentazione, in occasione dell’apertura del villaggio del Club Méditerranée di Agadir, in Marocco.

L’anticonformismo del suo carattere e l’esigenza di assoluta autonomia lo costrinsero ad abbandonare l’incarico ai grandi magazzini: la qualità del suo lavoro era infatti riconosciuta e apprezzata, ma gli si rimproverava un’eccessiva disinvoltura e la sua spiccata predilezione per il sole e per la sua casa di Ramatuelle, che aveva da poco acquistata. Ma proprio questo amore per la sua casa in Provenza favorì la sua decisione di dedicarsi completamente e unicamente alla fotografia.

Ormai libero da qualsiasi impegno che lo costringesse a Parigi, egli trascorreva la maggior parte del suo tempo a Ramatuelle dove, nel 1967, fotografò per la prima volta una delle sue fanciulle. Le sue fotografie furono pubblicate da Jasmin e, poi, da Twen, in Germania.

L’incontro con Willy Fleckhaus, direttore di questa rivista, si rivelò fondamentale per l’evoluzione della sua carriera. “Per lui ho pubblicato le mie prime vere fotografie” racconta oggi (*) Hamilton rievocando il 1969, l’anno in cui creò le immagini che illustrano Suzanne, la canzone di Cohen.
(* l’intervista è degli anni ‘80)

Proprio a quell’epoca egli è divenuto il David Hamilton oggi famoso in tutto il mondo. Celebre, completamente indipendente, egli trascorre la sua esistenza in alcuni luoghi privilegiati che ama e che stimolano la sua creatività: Francia, Stati Uniti e il resto del mondo, che egli scopre con amore, compiendo lunghi viaggi.

Nonostante la sua intensa attività (dieci libri pubblicati, quattro album, tre film e cinque cortometraggi, mostre e pubblicità) egli riesce infatti a viaggiare instancabilmente per tutto il
pianeta. Nel 1981, come negli anni precedenti, ha inaugurato personalmente almeno dodici importanti mostre dedicate alla sua opera, in Giappone, in Italia, in Germania e negli Stati Uniti.

Una vita da divo che egli ama intensamente, anche se lo costringe, almeno in parte, a rinunciare ai suoi rifugi prediletti: la casa di Ramatuelle, l’atmosfera di New York, la dolcezza dei Tropici e gli inverni a Palm Beach, in Florida.

Studio la Città presenta alla Howard Greenberg Gallery di New York quattro fra i più importanti fotografi italiani

2012-01-30T12:40:00.002+01:00

Inaugura il 2 febbraio presso la Howard Greenberg Gallery di New York, la mostra An Italian perspective/Una prospettiva italiana, voluta e organizzata da Studio la Città di Verona

La rassegna, curata dalla storica e critica italiana Angela Madesani, presenta il lavoro di quattro fra i più importanti fotografi italiani: Gabriele Basilico (1944), Vincenzo Castella (1952), Luigi Ghirri (1943-1992) e Massimo Vitali (1944). La volontà è quella di riuscire a stimolare un pensiero su una possibile identità italiana di fotografia.

Saranno in mostra alcune immagini vintage di Luigi Ghirri, realizzate tra gli anni Settanta e l'inizio dei Novanta. Immagini che propongono diversi soggetti immortalati nell'arco di vent’anni e che pongono in evidenza l'approccio concettuale dell'autore.

Di Gabriele Basilico, tra i più noti protagonisti della fotografia italiana, sono in mostra fotografie appartenenti a diversi cicli di lavori da Bord de Mer, le immagini che ha realizzato per la Mission Photographique de la DATAR, nel 1984, alle immagini delle città da Mosca a San Francisco.

Di Massimo Vitali, figura di spicco nel panorama internazionale, sarà in mostra una delle recenti opere, tratta dalla famosa serie sulle spiagge, in cui sono raccontati spazi collettivi dove le masse si aggregano.

Vincenzo Castella, tra i più interessanti autori dello scenario fotografico italiano, presenta qui alcune immagini inedite di Istanbul, Malta e la prima del 2012: Venezia, prodotta appositamente per questa mostra.

GABRIELE BASILICO
è nato a Milano nel 1944, dove vive e lavora.
Il lavoro di Gabriele Basilico è stato esposto in musei e istituzioni come il San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), lo Stedelijk Museum di Amsterdam, la Biennale di Venezia, il Musée Européen de la Photographie a Parigi, e Ivam a Valencia. Le sue opere sono presenti nelle collezioni della maggior parte delle principali istituzioni pubbliche e private.

VINCENZO CASTELLA
è nato a Napoli nel 1952. Vive e lavora a Milano.
Dal 1980 espone i suoi lavori in Europa e negli Stati Uniti.
Le sue opere sono conservate nei maggiori archivi e collezioni pubbliche e private. Recentemente ha partecipato alla mostra Layers of Malta, organizzata presso il Centro per la Creatività - La Valletta - e ha presentato le sue opere durante la Biennale di Tirana. Il video “Cronache da Milano” è stato proposto nel 2009 da Studio la Città ad Art Unlimited - Basel nel 2009.

LUIGI GHIRRI
è nato a Scandiano nel 1943 ed è morto a Roncocesi il 14 Febbraio 1992.
Tra le sue più importanti esposizioni si annoverano: la partecipazione alla Biennale di Venezia nel 1979, "Iconicittà" a Ferrara nel 1980, "Viaggio in Italia", organizzata a Bari nel 1984 insieme a Gianni Leone ed Enzo Velati, ed "Esplorazioni sulla via Emilia. Vedute nel paesaggio", realizzata a Bologna nel 1986 e allestita in numerose altre sedi italiane e straniere.

MASSIMO VITALI
è nato a Como nel 1944. Vive e lavora a Lucca.
Vitali ha esposto in musei e gallerie a livello internazionale, e il suo lavoro è incluso nelle collezioni del Reina Sofia di Madrid, del Guggenheim Museum di New York dello Stedelijk Museum, di Amsterdam, del Centre Pompidou di Parigi della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, del Metropolitan Bank Photo Collection Trust di Chicago, del Museum of Contemporary Art di Denver, del MMK di Francoforte sul Meno, della Sammlung E-On di Duesseldorf, della Fondation Cartier di Parigi e della Collezione Arts Plastiques a Charleroi.

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An Italian perspective
Dal 2 febbraio al 13 marzo 2012
Opening reception: giovedì 2 febbraio 2012, dalle 17.30 alle 20.00
Howard Greenberg Gallery
41 E 57 Street, 14th Floor, NEW YORK
www.howardgreenberg.com
info@howardgreenberg.com

Immagini:
Gabriele Basilico
Roma (89B3-47-12), Stampa ai sali d’argento su carta baritata, 1989, 50 x 60 cm

Vincenzo Castella
Malta #11.3, Diasec – C-print da 11x14’ Color Negative, 2011, 85,3 x 110 cm

Luigi Ghirri
Engelberg 1972, Stampa cromogenica da internegativo 4,5 x 6 cm, Foto Vintage stampata nel 1985, 25,4 x 20,3 cm

Massimo Vitali
# 4236 Poesia1 – 2009, C-print diasec su Dibond, 180x225 cm

Esposizione Arte Contemporanea “Percorsi Intrecciati “ di Pasquale Petrucci

2012-01-30T08:14:00.002+01:00

www.pasqualepetrucci.it

Esposizione Arte Contemporanea “Percorsi Intrecciati “ di Pasquale Petrucci

TENUTA LUPO’

Via Laura, 201 - 84047, Paestum - Capaccio ( Campania, Salerno ) Italia

L’esposizione denominata “Percorsi Intrecciati” in esposizione presso l’hotel “ Tenuta Lupò “ in via Laura,201 / 84047 Paestum-Capaccio (SA) raccoglie diverse opere realizzate tra il 2004 e il 2011 che complessivamente rappresentano il risultato di diverse ricerche espressive che pur avendo completato un traguardo espressivo, continuano ad alimentare con lo stesso entusiasmo iniziale un percorso di ricerca che oggi sembra essere senza una fine, perché sistematicamente l’evoluzione espressiva si arricchisce di ulteriori e diversi risultati elaborativi.

La traccia espressiva nel suo evolversi s’intreccia con diverse spazialità – dalla staticità delle “Fotocomposizioni Metafisiche” e delle “Nuraghe Contemporanee” - si sviluppa il cromatismo delle “Composizioni Metafisiche” e la storicità visiva delle “Foto d’epoca” e di “CampaniArt “. Completa l’esposizione la “DigitalArt” e la “Grafica digitale”.Sono percorsi intrecciati formati da diversi traguardi che gradualmente completano un mosaico che insaziabile continua a progettare continue ricerche espressive.

P.Petrucci

Ester Negretti

2012-01-28T08:48:00.002+01:00

ENERGHEIA

GALERIE LISETTE ALIBERT PARIS

ENERGHEIA

En liaison avec la ville de Montrouge Lisette Alibert vous invite Le dimanche 5 février à partir de 16h Au vernissage, dans sa galerie de la Place des Vosges,
d’une exposition d’art contemporain placée sous le thème du textile et de l’énergie.
Vous pourrez y découvrir des oeuvres spécialment créées pour cet évènement par HAUSEY-LEPLAT, MAHE’ BOISSEL, KAKO NOEL H., ESTER MARIA NEGRETTI, SILUE, MIMMO TOTARO.
Cette ex position est une sélection “off” de la 8è édition de Miniartextil présentée dans les Salons de l’Hotel de Ville de Montrouge DU 4 AU 24 FEVRIER 2012 .

Arte&Arte

Via Pannilani, 23

I - 22100 Como +39.031.305621

www.miniartextil.it

artearte@miniartextil.it

GALERIE LISETTE ALIBERT
26, PLACE DES VOSGES 75003 Paris

Ester Negretti
Via Don Brusadelli (Ex-Ticosa)
22100 COMO

Sito: www.EsterNegretti.com
Mail: info@esternegretti.com

Pietro Lista - Nero di Marte 44

2012-01-26T08:15:00.003+01:00

Napoli - dal 26 gennaio al 5 marzo 2012
Pietro Lista - Nero di Marte 44

THE APARTMENT vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Vico Belledonne A Chiaia 6 (80121)
info@theartapartment.com
www.theartapartment.com
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Eventi in corso nei dintorni
Elogio del buio e del vuoto.Dopo aver attraversato tutti i volti del potere,dopo aver pittoricamente inciso masse di carne, volti, ombre e sembianze, Pietro Lista, ora, entra nel silenzio delle cose rintracciando segni, spiragli, guizzi di luce.
orario: Me/Ven 16.30-19.30, Sabato su appuntamento (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 26 gennaio 2012. ore 18.30
autori: Pietro Lista
genere: arte contemporanea, personale La galleria the Apartment è lieta di presentare a Napoli la personale del Maestro Pietro Lista dal titolo ”Nero di Marte 44” . La mostra , che sarà inaugurata il 26 gennaio 2012 alle 18.30, e durerà fino al 5 marzo 2012, prende il titolo dal colore usato dal Maestro in questi suoi nuovissimi lavori, che è appunto il Nero di Marte 44 . Curatrice della mostra è Alessandra Redaelli. La scelta di azzerare la tavolozza cromatica all’essenziale, attraverso l’utilizzo quasi unicamente del colore nero, rappresenta uno stravolgimento totale rispetto ai lavori del passato di Pietro Lista , il cui intento è quello di azzerare tutte le forme figurative che lo avevano rappresentato fino a questo momento. Dopo aver attraversato tutti i volti del potere, dopo aver pittoricamente inciso masse di carne, volti, ombre e sembianze, Pietro Lista, ora, entra nel silenzio delle cose – nel buio delle nuove opere - rintracciando segni, spiragli, guizzi di luce, fragili lingue d'esistenza, morbide, anzi morbidissime apparizioni nell'unicità composita delle trame del nero. Elogio del buio e del vuoto. Per il Maestro Lista “ i nuovi quadri rappresentano notte e schegge di luce e si guardano come la luna e le stelle, perché” -continua - “ sono lavori cui appartiene un profondo senso mistico e religioso”. Il buio spezzato da lampi di luce è uno dei motivi portanti nel lavoro di Lista. In qualche modo anche nella sua vita. Si ricorda ancora perso su una montagna, di notte, con la macchina in panne, più di quarant’anni fa. Ricorda il senso di smarrimento e poi il sollievo quando intravede, attraverso delle persiane chiuse, un lampo di luce che segnala una presenza. Non a caso l’anno dopo questo evento, nel 1968, Pietro Lista di notte realizza sulla spiaggia di Amalfi una delle sue performance più famose: La scoperta della luce. Centocinquanta metri di filo elettrico isolato e accuratamente seppellito gli permettono di scavare con le mani nel punto dove batte l’onda per rivelare al pubblico sbalordito lampi di luce che sembrano provenire dalle viscere della terra. “La tela nera è il silenzio, l’ inizio, l’assenza che precede la creazione, il nulla primordiale da cui la vita può scaturire rinnovata. Ed è quello che accade quando l’artista decide di accendervi una luce e dipingervi una macchia bianca: una piccola luna. Oggi le sue tele nere, scalfite da lampi di luce bianca, possiedono una compiutezza estetica sbalorditiva. Sono porzioni di spazio capaci di creare un luogo altro che cattura lo sguardo incantandolo. Ma sono soprattutto esperienze sensoriali che mettono lo spettatore nella condizione inevitabile di guardarsi dentro”, scrive la curatrice Alessandra Redaelli. Le opere di Pietro Lista , in esposizione negli spazi della galleria the Apartment, sono circa 14 , di diverso materiale e dimensioni, tra cui 8 olio su tela e 6 carte. La mostra sarà visitabile fino al 5 marzo 2012. Cenni biografici. Pietro Lista nasce nel 1941 a Castiglion del Lago (Perugia), frequenta l'Accademia di Belle Arti a Napoli. Nel 1964 inizia la sua attività espositiva in Italia e all'estero. Nel 1968 partecipa alla mostra curata da Germano Celant Arte povera + Azione Povera , (Amalfi 1968). Nello stesso anno costituisce il Gruppo Teatrale Artaud, e pubblica il manifesto "Il Verbo sorge dal sonno come un fiore". In questi stessi anni realizza numerosi films d'artista e happenings. Nel 1970 apre la galleria Taide a Salerno, e fonda la rivista Taide - Materiali minimi. Negli anni Ottanta inizia a dedicarsi alla scultura e alla ceramica. Nel 1983 fonda a Paestum il MMMAC Museo dei Materiali Minimi di Arte Contemporanea 'Marcello Rumma'. Nello stesso anno tiene un'esposizione personale alla galleria Trans-Forum a Parigi e partecipa alla mostra collettiva "Pole Position" alla Galerie K di Tokyo. Nel 1991 realizza la scultura "Mnemata", collocata all'ingresso dell'Università di Salerno . Per la grafica è stato segnalato in Bolaffi, nel 1969, da Filiberto Menna, nel 1976 da Achille Bonito Oliva. Ha realizzato numerose performances e girato tre film d'artista. Attualmente è presente al CAM, il museo di arte contemporanea di Casoria nella mostra collettiva curata da Vittorio Sgarbi dal titolo CAMPANIA SENSES . The Apartment Vico Belledonne a Chiaia 6, Napoli Me/Ven 16.30-19.30, Sabato su appuntamento Tel.081/412350 www.theartapartment.com info@theartapartment.com Ufficio stampa e comunicazione Barbara Migliardi barbaramigliardi@hotmail.com

Simona Stivaletta - Adagio

2012-01-21T07:36:00.003+01:00

Vasto (CH) - dal 21 gennaio al 2 marzo 2012
Simona Stivaletta - Adagio

GALLERIA ARTIBUS vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Messina 2 (66054)
info@laboratorioartibus.it
www.laboratorioartibus.it
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Eventi in corso nei dintorni
I quadri di Simona Stivaletta trasportano l’osservatore in un’atmosfera sospesa, di difficile collocazione spazio-temporale, volutamente scissa da un’unica lettura identificativa.
orario: da lunedì a venerdì ore 17-20 Chiuso Mer/Sab/Dom (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 21 gennaio 2012. ore 19.00
curatori: Daniela Madonna
autori: Simona Stivaletta
genere: arte contemporanea, personale Adagio… con brio I quadri di Simona Stivaletta trasportano l’osservatore in un’atmosfera sospesa, di difficile collocazione spazio-temporale, volutamente scissa da un’unica lettura identificativa. Solo rapidi dettagli agganciano le immagini ad un dato arco di anni piuttosto che ad altri, mentre gli sfondi neutri o nebulosi assorbono lo sguardo in una dimensione musicale, riflessiva, che invita a non dare mai nulla per scontato nella percezione di figure e architetture. Il ritmo di queste note visive è, come dice l’autrice stessa titolando l’esposizione in programma presso la Galleria ArtiBus di Vasto, un Adagio. La lentezza, la calma, la ieraticità caratterizzano persone e animali che si proiettano curiosi verso il mondo di chi li vede per la prima volta ma sembra conoscerli da sempre. Occhi grandi, spalancati, in cerca di dialogo con chi si affaccia oltre i confini della tela, conferiscono all’apparente immobilismo una vivacità capillare ed ingenua. All’adagio, dunque, si fonde un malcelato brio che trasforma narrazioni enigmatiche in possibili stralci di vita. Su tutto campeggia l’attenzione rivolta ad una femminilità fragile ma granitica, pronta a difendersi e a difendere ciò che ama con determinazione.

Carlo Improta - Gli artigiani

2012-01-21T07:31:00.003+01:00

Napoli - dal 21 al 31 gennaio 2012
Carlo Improta - Gli artigiani

FORUM UNIVERSALE DELLE CULTURE - EX ASILO FILANGIERI vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Vico Giuseppe Maffei 4 (80138)
www.forumdelleculturenapoli2013.com
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Eventi in corso nei dintorni
Mostra personale
orario: dalle 9,00 alla 17,00 dal lunedi al sabato (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 21 gennaio 2012. ore 17
catalogo: in galleria.
curatori: Filomena Pagnani
autori: Carlo Improta
telefono evento: +39 0815595300
genere: fotografia, personale
email: carlo.improta@tin.it In Mostra alla Fondazione del Forum Universale delle Culture 2013, ex Filangieri, sala del Refettorio via Maffei, 4 Napoli Dal 21-01– al 31-01-2012 Inaugurazione 21-01-2012, ore 17,00 tel 0815595300 Sito http://carloimprota.xoom.it Si ringrazia: il Presidente della Fondazione Dottore Sergio Marotta Presenta Il critico e storico dell’arte Dottore Stefano Taccone Curatrice della mostra Filomena Pagnani Presidente dell’Associazione non profit L’Essenzialista. La dottrina dell’ “essenzialismo”, stando all’accezione nella quale Carlo Improta lo intende e lo pratica, oltre a teorizzarlo in primis attraverso un romanzo, un “giallo poliziano” intitolato appunto L’essenzialista7, al suo insistere sul ritorno ad una essenzialità della vita in quanto totalità delle facoltà umane, ma anche assenza di orpelli, possiede senz’altro non superficiali caratteri di opposizione alle logiche quantitative ed accelerative che abbiamo considerato essere tipiche del ciclo della modernità inaugurata con le due grandi rivoluzioni del XVIII secolo. La circostanza per cui la sua attenzione, essendosi riproposto un confronto con la sfera sociale, fino ad ora probabilmente da lui mai affrontata così esplicitamente per mezzo degli strumenti visivi, non ricada su quelle che sono le figure più ricorrenti degli attuali scenari della crisi (vecchia, ma persistente, classe operaia, nuovi lavoratori atipici, migranti…), bensì su di una categoria di lavoratori che più di ogni altra, forse persino più di quella degli agricoltori e degli allevatori, appare dimenticata e ai limiti della percezione dell’inesistenza, quella degli artigiani, è particolarmente degna di nota. Personaggi che Improta, con una accuratezza, un tatto ed una dedizione che ricorda in maniera davvero assai prossima il giornalista Sergio Sentori protagonista de L’essenzialista, nonché uno dei suoi tanti alter ego, che indaga, mosso più da una esigenza spirituale individuale che dal dovere professionale, sulla vita del misterioso pittore Franco Rubi (e non è irrilevante a tal proposito osservare come la cittadina toscana di Montepulciano, ove peraltro lo stesso Improta trascorre da decenni parte della sua vita, sia tanto il luogo in cui,nel romanzo, Sentori ripercorre le tracce di Rubi, quanto il luogo in cui si trovano le botteghe artigiane immortalate da Improta ), ha pian piano avvicinato vincendone la paura e la diffidenza, sentimenti spiegabili con la condizione di clandestinità entro la quale sono stati forzatamente relegati, conseguenza dell’autentica «persecuzione sociale che negli ultimi trent’anni», come l’artista stesso tiene a sottolineare, «hanno subito gli artigiani da parte dello stato. Sono talmente tante le tasse che subiscono che l’utile è letteralmente scomparso». «Per loro, che sanno fare qualcosa con le proprie mani e non solo col cervello», continua Improta, «è impossibile cambiare mestiere. Non possono più avere collaboratori ma solo servirsi di se stessi».

Andreas Zampella

2012-01-21T07:23:00.003+01:00

Cava De' Tirreni (SA) - dal 21 gennaio al 4 febbraio 2012
Andreas Zampella

GALLERIA COBBLER - PIAZZA SAN FRANCESCO vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Piazza San Francesco 18 (84013)
info@cobblergallery.it
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Eventi in corso nei dintorni
La mostra del giovane artista Andreas Zampella reduce dell’esperienza della Biennale di Venezia, testimonia la sua recente ricerca con nuovi contenuti ed espressione artistica.
orario: da martedi a sabato ore 18,00-20,30 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 21 gennaio 2012. ore 16,00 Cobbler ore 20,00 Marte
curatori: Rosa Cuccurullo
autori: Andreas Zampella
genere: arte contemporanea, personale A Cava de’ Tirreni (SA) il giorno 21 gennaio alle ore 18,00 presso la Galleria Cobbler - Spazio per l’arte contemporanea, Piazza San Francesco n 18, sarà inaugurata la mostra di Opere su carta di Andreas Zampella dal titolo Andreas Zampella. In collaborazione con il MARTE - Mediateca , Arte - Eventi, alle ore 20,00 sarà inaugurata la mostra Opere su tela, Corso Umberto I ,137. Saranno in esposizione 5 opere olio su carta e 8 opere olio su tela A soli ventidue anni, Andreas Zampella viene chiamato ad esporre al Padiglione Italiano della Biennale di Venezia del 2011 con “La Cena di Golia”, un pastello ad olio su tela di quattro metri di lunghezza e due di altezza: la qual cosa non ha suscitato in noi sorpresa, confermando, anzi, la sua particolare capacità creativa, già rivelata nelle prime mostre collettive giovanili tenute a Cava de’ Tirreni. Nel mondo dei personaggi insoliti e a tratti inquietanti, ma sempre intriganti, di Zampella si muovono corpi di uomini-animali che potremmo definire eleganti mostri, forme antropomorfe, frammenti di corpo umano, ripetizioni, ossessioni, che affermano la loro presenza; vibrano ombre inconsce forti, che si impongono occupando lo spazio ora del foglio ora delle grandi tele: lati oscuri che si rendono visibili, partecipando ed integrandosi ad una rappresentazione reale, completa e vera. In un momento storico-culturale di caos senza idee, la galleria Cobbler propone il lavoro di questo giovane artista perché egli ha qualcosa di nuovo da dire e tanta strada davanti per continuare a farlo con impegno e serietà. Pietro Lista Rosa Cuccurullo

Antonio Nocera

2011-11-26T07:58:00.001+01:00

Napoli - dal 26 novembre 2011 al 15 gennaio 2012
Antonio Nocera

THE APARTMENT
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Vico Belledonne A Chiaia 6 (80121)

info@theartapartment.com

www.theartapartment.com

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Eventi in corso nei dintorni

Il Grande Viaggio comincia con il Primo Volo o con una barca vuota e passa sempre per la Solitudine.Perchè occorre staccarsi dal nido per volare lontano e compiere il proprio destino.Come fece Ulisse e come tutti gli eroi quotidiani.

orario: da mercoledì a venerdì ore 16.30-19.30 o su appuntamento
sabato su appuntamento
(possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance

vernissage: 26 novembre 2011. ore 19

curatori: the apartment

autori: Antonio Nocera

genere: arte contemporanea, personale

comunicato stampa

Le sculture, i dipinti e le installazioni esposti nella Mostra fanno parte del nuovo ciclo di opere dell' artista Oltre il mare e rimandano in modo poetico al tema mitico, e oggi più che mai attuale, dell'incontro dell'uomo con il mare alla ricerca di una nuova dimensione di vita e /o della terra promessa.
Una barca di carta arrugginita nel mare scuro della notte, un uccellino che giace in solitudine su un filo elettrico a pochi passi dal nido, mentre altri maestosi uccelli spiccano il volo e comincia il suo viaggio una barca di ferro......
“Occorre staccarsi dal nido per volare lontano e compiere il proprio destino” (Louis Godart)

Oltre il mare è anche il titolo dell'installazione di Antonio Nocera presente sull'Esplanade del Grimaldi Forum di Monaco: una grande barca, realizzata in ferro, vetro di murano e bronzo, “approdata” ad ottobre, su invito dell'ambasciatore italiano a Monaco al maestro Nocera , in occasione del mese della cultura italiana. L'esposizione dell'opera è stata inaugurata da S.A.R. Carolina di Hannover, che ha apprezzato con sincera cordialità il lavoro dell'artista italiano.

Tra le installazioni del Maestro esposte nella galleria The apartment: un'opera inedita realizzata in vetri di Murano, bianco azzurro e blu, che simboleggia il mare, su cui “navigherà” il trittico Solitudine , una tela di tre metri per due, sulla quale si staglia una barca di carta arrugginita, sola nel mare della notte, in contrasto con la trasparenza del supporto in vetro.

Tra le opere di scultura, saranno presenti Primo Volo e Sosta che hanno come soggetto uccellini, metafore della fragilità dell'essere umano, in materiale bronzo policromo, appoggiati su fili elettrici, vicini ad autentici isolatori di energia, in disuso dell'Enel.

Arricchiscono la mostra trentasei acquerelli dai colori delicati che rappresentano uccellini, da soli o in coppia, poggiati su carte, nelle quali si intravedono brandelli di antiche lettere d'amore.

Tra le tele realizzate con tecnica mista Il grande viaggio, una filiera di uccellini in volo sullo sfondo blu notte della grande tela.

Due splendidi libri, dipinti a mano dall'Artista su carte antiche di pregevole fattura, che contengono cinquantotto acquerelli sul tema degli uccelli declinato in varie modalità, potranno essere sfogliati e ammirati.

Roberto Sanchez - 4+4. Quattro opere e quattro poesie d’arte

2011-10-21T10:33:00.003+02:00

Napoli - dal 21 ottobre al 21 novembre 2011
Roberto Sanchez - 4+4. Quattro opere e quattro poesie d’arte

MUSEO MINIMO vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Detta San Vincenzo 3 (80125)
+39 081621170 , +39 081621170 (fax)
museominimo@virgilio.it
www.museominimo.it
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Eventi in corso nei dintorni
Personale di "sintesi" con solo quattro opere della recente produzione di Roberto Sanchez e quattro poesie sulla metafora del fare arte.
orario: lunedì, mercoledì ore 15-18 / martedì, giovedì e venerdì 9-12 / o appuntamento (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 21 ottobre 2011. ore 18
catalogo: in galleria.
curatori: Carolina Mantellini
autori: Roberto Sanchez
genere: arte contemporanea, personale

L’enigma numerico del titolo è presto svelato: quattro opere pittoriche e quattro poesie dello stesso autore, Roberto Sanchez. Un piccolo numero di tele di medie dimensioni ma che, come è successo altre volte, corrisponde alla vocazione del Museo Minimo di presentare poche o pochissime opere di un’artista selezionate sapientemente per dare al pubblico il meglio di una produzione. Le poesie, tutte nell’ambito della metafora arte-vita, sono state presentate al “Poesy Pavilion”, evento collaterale dell’ultima Biennale di Venezia e inserito nella “My Biennale Guide Art 2011”. Queste poesie sono state lette in pubblico dall’attore Gianni Moi il 4 e 5 giugno insieme a quelle di altri artisti internazionali e documentate in video al Vernissage della mostra al M.M.
Tornando alla produzione di Sanchez, come incisivamente ha scritto Ada Patrizia Fiorillo, anni fa, nella presentazione alla monografia dell’artista: “…Nel vortice ruotante di simultanee visioni scomposte nella riduzione analitica degli effetti cromatici, Roberto Sanchez dà libero sfogo ai sentimenti, ricalcando il campo, teatro del quotidiano, di pause temporali, frazioni di suoni, attimi di vita, E’ il profondo senso dell’esistere, segnale di una passionalità vibrante, di un’emotività accecante che egli stempera nella magia luministica di queste trame”.
Avere di fronte le opere e le poesie comunica certamente emozioni forti per l’effetto volano dei rimandi reciproci e una lettura intima di quello che è il lavoro, difficile ma appasionante, dell’artista.
Carolina Mantellini

Magma

2011-10-21T10:29:00.001+02:00

Bacoli (NA) - dal 21 ottobre al 19 novembre 2011

Magma

PARCO VANVITELLIANO DEL FUSARO
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(80070)
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Eventi in corso nei dintorni
Presso la Casina Vanvitelliana del Fusaro, la mostra inaugura Art Explosion

biglietti: free admittance
vernissage: 21 ottobre 2011. ore 18.30
curatori: Alessandro Mantovani
autori: Kayone, Borrelli, Flycat, Gattonero, Kase, Koso, Led,Leo, Maxgatto, Pogliaghi, Raffo, Slork, Tawa
genere: giovane arte, collettiva
email: comunicazione@artexplosion.it
web: www.artexplosion.it

La Regione Campania finanzia la Street Art _”Magma” inaugura Art Explosion: l’arte si
racconta nei Campi flegrei

La Street Art non ha nulla a che fare con il vandalismo. È piuttosto arte pura contemporanea.
Illuminati da questo concetto, i Sindaci dei Comuni di Monte di Procida, Bacoli e Pozzuoli hanno
inserito l’innovativa Street Art all’interno della rassegna “Art explosion: l’arte si racconta nei
Campi flegrei”, finanziata dalla Regione Campania con Fondi FESR 2007-2013.
Fondi europei, dunque, per dar vita d una poderosa manifestazione ch includesse, al suo interno, la
Street Art, ormai nell’Olimpo dell’arte riconosciuta e affermata.
Ad aprire la manifestazione, in programma dal 21 ottobre all’11 dicembre 2011, sarà proprio il
vernissage della mostra di street art “Magma” curata da Alessandro Mantovani, vernissage aperto a
tutti e previsto per le ore 18.30 di venerdì 21 ottobre presso la Casina Vanvitelliana del Fusaro, nel
Comune di Bacoli.
Borrelli, Flycat, Gattonero, KayOne, Kase, Koso, Led, Leo, Maxgatto, Pogliaghi, Raffo, Slork,
Tawa i 13 artisti selezionati per “Magma” da Stradedarts, associazione culturale che rappresenta
i migliori writers italiani che dalla strada hanno deciso di continuare il loro percorso artistico su
tela. Gli artisti coinvolti, 8 provenienti dalla Lombardia e 5 da Napoli, esporranno 30 tele atte a
rappresentare il fenomeno affascinante e al contempo distruttivo di un’eruzione vulcanica, elemento
che ben si combina alle caratteristiche geomorfiche della zona che ospiterà la mostra. I Campi
Flegrei, infatti, sono una vasta area di origine vulcanica, situata a nord-ovest di Napoli. Gli artisti
di Stradedarts si cimenteranno nel rappresentare tali scenari e miti, ciascuno attraverso il suo stile,
dando vita ad una serie di opere dedicate alle tematiche sin qui descritte.
La mostra sarà aperta fino al 19 Novembre ad ingresso libero.
Per promuovere i Campi flegrei, il progetto "Magma" prevede inoltre tre live performance,
nel corso delle quali 15 writers, 5 per ogni appuntamento, dipingeranno dal vivo in luoghi
archeologicamente significativi per i Campi Flegrei: il 22 ottobre, dalle 16.30 alle 18.30 presso
la Necropoli di Cappella di Monte di Procida, un mausoleo funerario di epoca tardo-repubblicana;
il 23 Ottobre, dalle ore 11.30 alle 13.30 presso il Macellum di Pozzuoli, il monumento più
straordinario di tutta la regione flegrea poiché per secoli è stato utilizzato per la misurazione del
fenomeno del bradisismo; il 20 Novembre, dalle 11.30 alle 13.30 presso il Tempio di Diana di
Bacoli, la più grande delle cupole baiane dall'architettura singolare.
Una sezione di Art Explosion è stata dedicata interamente alla Street Art, ormai affermata forma
d’arte a tutti gli effetti. In quest’ottica è nato il concorso “Yes We Street!”, destinato ai giovani
campani amanti del postgraffitismo, per offrire un’occasione agli aspiranti artisti del territorio. Art
Explosion, progetto gestito dalla T&C Company di Monte di Procida, ospiterà nei Campi flegrei
inoltre, dal 18 al 22 novembre, giovani amanti dell’arte provenienti da tutta Italia che andranno a
formare la giuria giovani del concorso e parteciperanno agli eventi in calendario.
Per info www.artexplosion.it.

Emanuele Barbagallo - Asfalti 2010-2011

2011-10-20T08:45:00.001+02:00

Benevento - dal 20 ottobre al 19 novembre 2011
Emanuele Barbagallo - Asfalti 2010-2011

PALAZZO PAOLO V vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Corso Giuseppe Garibaldi (82100)
+39 0824772516
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Eventi in corso nei dintorni
Le opere materiche di grandi dimensioni contengono il salto che porta, dalle stesure di peci e catrami dell’asfalto cittadino, al cielo che si stende come coltre infinita

biglietti: free admittance
vernissage: 20 ottobre 2011. ore 18
curatori: Giovanna dalla Chiesa
autori: Emanuele Barbagallo
genere: arte contemporanea, personale
email: emanuele.barbagallo@hotmail.it
web: www.emanuelebarbagallo.it

Asfalti 2010-2011

Mostra personale del maestro Emanuele Barbagallo

Palazzo Paolo V dal 20 ottobre al 19 Novembre 2011

Benevento C.so Giuseppe Garibaldi (82100)

Innaugurazione giovedì 20 ottobre ore 18:00

Nella Mostra viene presentato in anteprima il lavoro del giovane artista romano.

Le opere materiche di grandi dimensioni contengono il salto che porta, dalle stesure di peci e catrami dell’asfalto cittadino, al cielo che si stende come coltre infinita.

Questi asfalti di Emanuele Barbagallo giocano sulla doppia polarità , sgusciando fuori dalla frontalità tradizionale con cui si affronta la tela, sia nell’ attitudine che, per tradizione, ci pone in ascolto dinnanzi ad essa, attendendo che sia lei a fare il primo passo verso di noi, come, all’ opposto, in quella che ci suggerisce l’affondo in un “oltre”, un “aldilà” predisponendosi, invece, molto più umilmente, ad “una raccolta di dati” a incontri e “incidenti di percorso”, destinati a segnare il cammino sulla base di un attenzione che pone l’accento su una disposizione d’animo verso il “ricercare”, piuttosto che a una condizione prestabilita da secoli di tradizione.

Curatrice G. dalla Chiesa

Info sul sito www.emanuelebarbagallo.it

DINAMISMO 26 di PETRUCCI

2011-09-30T19:57:00.003+02:00

Giovedì 6 ottobre - ore 18.30

DINAMISMO 26 di PETRUCCI SELEZIONATA PER LA COLLETTIVA

www.pasqualepetrucci.it

Paolo Maggis

2011-09-29T19:19:00.003+02:00

Napoli - dal 29 settembre al 10 novembre 2011
Paolo Maggis

THE APARTMENT vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Vico Belledonne A Chiaia 6 (80121)
info@theartapartment.com
www.theartapartment.com
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Eventi in corso nei dintorni
La galleria the Apartment contemporary art è lieta di annunciare la prima personale a Napoli di Paolo Maggis, in concomitanza con la presentazione ufficiale del libro "Paolo Maggis" di Carlo Cambi Editore sui 10 anni di lavoro (2000-2010).
orario: Me/Ven 17.00-19.30, Sabato su appuntamento (possono variare, verificare sempre via telefono)

vernissage: 29 settembre 2011. ore 19
editore: CARLO CAMBI
ufficio stampa: Barbara Migliardi barbaramigliardi@hotmail.com Tel.3388445238
curatori: Claudia Cosmo
autori: Paolo Maggis
genere: arte contemporanea, personale

La galleria the Apartment contemporary art è lieta di annunciare la prima personale a Napoli di Paolo Maggis, in concomitanza con la presentazione ufficiale del libro "Paolo Maggis" di Carlo Cambi Editore sui 10 anni di lavoro (2000-2010).

La mostra è a cura di Claudia Cosmo, giovane curatrice indipendente tedesca, di origini napoletane, che conduce con successo il programma radiofonico di arte e cultura presso la radio 1 Live di Colonia, Germania.

I Testi critici in catalogo sono in lingua originale : spagnolo, tedesco, italiano, con traduzioni in inglese.
Autori dei testi: Claudia Cosmo, curatrice della mostra, Marco Meneguzzo, Critico, Curatore e Docente di Storia dell'Arte Contemporanea all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, Luca Doninelli , scrittore italiano, Aurelio Picca, scrittore e poeta italiano, e con un’intervista di Eleonor Solano, intervistatrice e giornalista del Barcelona Work Box-Barcelona.

Durante la presentazione del libro è prevista una lettura pubblica di Aurelio Picca: il noto romanziere, già vincitore del premio Alberto Moravia e Grinzane Cavour, attualmente in libreria con la “Fortuna è nostra” di Rizzoli, leggerà il Testo “Sarà Alì”, scritto per il catalogo di Paolo Maggis.

Alcune persone cambiano la vita delle persone, alcuni quadri rappresentano passaggi fondamentali nella vita di un artista: è la visione di Paolo Maggis, l’artista che con Small Town Boy è attualmente nel Padiglione Italiano della 54º Biennale di Venezia per la Regione Lombardia e che per la prima volta, da quando ha cominciato a dipingere, mette insieme i suoi lavori più “forti” degli ultimi 10 anni in un unico catalogo dal titolo "Paolo Maggis" e in un’unica mostra personale a Napoli, che inaugura il 29 settembre nella galleria the Apartment.
Opere “forti” perché rappresentano fasi di cambiamento e presa di coscienza, sia stilistica che umana; opere della lotta e dell’equilibrio, opere dove pittura e vita, immagine e linguaggio, vita e morte, si intersecano senza più distinzione.

“Sono i quadri che più di tutti mi hanno fatto fare dei passi in avanti, rappresentano dei passaggi, anche duri, che mi hanno cambiato la vita e il modo di fare arte”, spiega l’artista.

Milanese e poco più che trentenne, Paolo Maggis è già riconosciuto tra i maggiori talenti artistici europei. Ha esposto in diverse gallerie e musei di tutto il mondo, a partire da Berlino e Barcellona, due città diversissime in cui rispettivamente ha vissuto e vive attualmente. I suoi lavori sono stati in mostra in spazi pubblici e gallerie private in Italia, Spagna, Germania, Stati Uniti, China, Corea.

La personale di Paolo Maggis che passa in rassegna tutto il suo percorso stilistico e umano degli ultimi 10 anni sarà a Napoli, nella galleria the Apartment: tante le opere in esposizione che ritraggono i mille volti del genere umano, con le sue mille contraddizioni e sfaccettature, umanità tutta che l’artista dimostra di conoscere a fondo e di cui non poterne fare a meno.

In “Epilogue” il volto di un adulto è accarezzato da due mani paterne, quasi a voler compiere un atto di battesimo, di protezione, di un adulto verso un altro adulto; in “About a dream” vi è il desiderio incompiuto di un uomo che guarda il mare al di là di un cancello; in “Bath” vi sono due uomini in un bagno turco simile ad un altare sacrificale; nei ritratti e nelle tante opere in mostra luci ed ombre si accavallano in una sinfonia che è vita e morte allo stesso tempo. L’inquietudine, il lato oscuro del genere umano, è sfumato, spennellato, sovrapposto, energico, incontrastato. Netto. Il nero non cela più la sua malinconia, la tristezza e la fragilità escono allo scoperto, il disadattamento, la vergogna , sono visibili sotto la luce. Perché il tutto è tutto, anche il brutto.

Una particolare attenzione merita l’installazione “Birth”, una sequenza di nove quadri che rappresentano la nascita di una piccola vita, dove l’utero materno è in realtà un cosmo, un cielo. L’idea dell’artista, che potrebbe definirsi anti-abortiva, è che ogni nuovo essere può cambiare il mondo, renderci migliori, diventare una stella, sia che si tratti di grandi poeti o musicisti che hanno fatto la storia , che di persone comuni. Ogni vita nasce dall’universo e noi , così piccoli, non siamo nessuno per poter fermare la grandezza di una stella.
Per “Birth”, inoltre, lo scrittore Aurelio Picca ha scritto un testo che leggerà a Napoli in esclusiva, durante la presentazione del catalogo : “(…)E perfetti si crea quando ci si smemora che il mondo dipinto libererà il catrame delle tenebre in agguato attorno. Dunque, Lucifero non passerà se lo strappetto di colore fa mulinare il nero e esso stesso navigherà e sguazzerà nello spazio della pancia come la terra, le lancette degli orologi, le ruote delle supercar. Proprio identico il tracciare ellissi e mulinare degli astri che lo spermatozoo è quasi pulcino e poi coniglio che non c’è tempo per capire come il vomitarello di colore al centro è già uomo(…)”.

La tecnica utilizzata da Paolo Maggis é quasi sempre olio su tela, ad eccezione di “Birth” , che é olio e resina su tavola. A livellotecnico-pittorico i quadri non nascono piú dalla giustapposizione di colore , bensí dalla stratificazione di vari "livelli" che tendono ad una lettura orizzontale.

“Il mio tentativo é di sintetizzare immagine e linguaggio in una forma di equilibrio instabile dove nessuno dei due livelli prevalga e lo sguardo passi dal soggetto alla pittura costantemente. L'altro elemento checerco di evidenziare é la circolazione di energia e movimento in una sorta di indefinitezza dell'immagine. Questo tipo di sintassi è il prodotto di dieci anni di ricerca e di lotta continua tra questi due elementi, forma e contenuto”, spiega Paolo Maggis.

Per la curatrice della mostra, Claudia Cosmo: "L'avventura visiva inizia quando si riesce a separare la pelle del soggetto e dello stato d'animo dalla pelle della pittura e della materia. Paolo Maggis vuole spezzare la catena che ci vincola ad un approccio percettivo strettamente figurativo, per andare oltre e farci entrare nell'essenza della pittura”. “La realtà delle azioni quotidiane e delle certezze-continua- si dissolve nella luce scintillante della bellezza compositiva della pittura. Paolo Maggis rivela una realtà diversa dalla pura forma. La bellezza si mostra attraverso l'astrattezza della pittura superando così lo spettatore e sfuggendo i limiti della materia e del soggetto."

Alessandro Papari - Blessed

2011-09-29T09:01:00.003+02:00

Napoli - dal 29/09/2011 al 05/11/2011

CHANGING ROLE - MOVE OVER GALLERY

Via Chiatamone 26
+39 08119575958

Papari,è un artista che ha pienamente compreso il suo ruolo nella contemporaneità, sa incrociare le sensibilità collettive e le esigenze territoriali; il suo lavoro non è decontestualizzato e avulso dall’ambiente nel quale vive,ma in piena autonomia ne coglie le emergenze per elaborarle sul piano espressivo e offrire una risposta.

Giovedì 29 settembre 2011, dalle ore 18.30, presso la galleria CHANGING ROLE/Napoli, inaugura la mostra “Blessed”, prima personale di Alessandro Papari a cura di Guido Cabib.

La serie “Blessed”(Benedetti) ,nasce a seguito di un episodio accaduto a NAPOLI nel giugno 2009 in Piazza Garibaldi a cui l’artista è stato presente. Nel corso della notte un uomo di origine marocchina, si era arrampicato sulla statua di Garibaldi, a Napoli, e in più momenti ha minacciato di lanciarsi nel vuoto, allarmando la piazza. Un gesto motivato probabilmente dai disagi economici legati al suo lavoro, e che ha mandato in tilt uno dei luoghi più trafficati della città.

Partendo da quell’episodio ,l’artista ci mostra un mondo che ,pur essendo per lo più conosciuto, viene recepito dalla collettività come un problema,un rifiuto, una mancata accettazione; con le sue opere,ci restituisce un mondo di disadattati,figli del disagio sociale del disagio mentale- spesso tra loro correlati- ricavandone una materia prima per agire sulle contraddizioni e i conflitti del nostro tempo.

Con il suo “bestiario dell’umanità del terzo millennio”,immigrati,ladri,scippatori,grafitari ecc, restituisce all’arte la sua vocazione all’irrappresentabile,rovesciando la logica della rappresentazione,non la sua messa in scena o la sua rappresentazione,non rappresenta l’invisibile ma lo presenta. Tale presentazione si manifesta mediante “apparizioni”, che per loro natura sono fugaci e corrispondono a un’idea dell’opera d’arte come evento, come dispositivo di innesco di un processo o di un viaggio nell’invisibile.

Con “Blessed”,l’artista discosta il velo e ci mostra la verità che i nostri occhi ,civilizzati,educati,ma oscurati da tanto fragore mediatico,non ci fanno vedere. I dannati , diventano quello che realmente sono :eroi, nuovi ribelli, rivoluzionari per necessità , per bisogno . La nostra civiltà non ha ancora compreso realmente ,il grande dono che ci è stato dato: il corpo per vivere , la terra per nutrirsi. Guardiamo i nostri simili ,meno felici, al massimo con occhi ,vergognosamente ,lucidi di falsa ed a volte compiacente pena; non entriamo in empatia con i nostri simili,non guardiamo oltre , perché ci spaventa. I disperati che reagiscono all’indigenza,anche con atti illegittimi,lo fanno perché non hanno alternative,devono sopravvivere.

Gli occhi di Alessandro Papari si nutrono di verità e ce la restituiscono senza mezzi termini,diretta ,infallibile e sprezzante.

Alessandro Papari nasce a Napoli nel 1971.Dopo gli studi di pittura all’Accademia di Belle Arti della sua città, inizia a esporre nel 1991. Nel 1998 la prima personale alla Galleria Spazio Arte di Napoli.Successivamente espone in personali ed in collettive in Italia ed all’estero , in spazi pubblici e privati.Vince nel 2002 il Premio Morlotti .Vive e lavora a Napoli

Campania Senses

2011-09-28T07:04:00.003+02:00

Casoria - dal 28/09/2011 al 30/01/2012

CAM - CASORIA CONTEMPORARY ART MUSEUM

Via Duca D'aosta 63a
+39 0817576167
sito web
info@casoriacontemporaryartmuseum.comIl nome della manifestazione è da supporto alla scelta di distinzione delle espressioni artistiche presentate, la sensorialità è infatti alla base dell’evento del CAM che vede coinvolti gli artisti campani con performance, installazioni, video, sound art, danza e fotografia.

Vernissage:

28/09/2011 - ore 19

Genere:

fotografia, arte contemporanea, performance - happening, collettiva, musica

Autori:

Nicola Di Caprio, Antonello Matarazzo, Iabo, Afterall, Rosaria Iazzetta, Angela Barretta, Lello Lopez, Renato Barisani, Betty Bee, Giovanni Calemma, Antonio De Filippis, Giuseppe De Marco, Giuseppe Desiato, Superteste , Di Guida & Vargas, Peppe Esposito, Bruno Estevan, Eugenio Giliberti, Barbara La Ragione, Pietro Lista, Gianni Molaro, Giacomo Montanaro, Gloria Pastore, Ivan Piano, Walter Picardi, Sebastiano Deva, Oreste Pipolo, Raffo, Clara Rezzuti, Emilio Rizzo, Roxy in the Box, Antonio Serrapica, Franco Silvestro, Sound Barrier, Vincenzo Starnone, Tony Stefanucci,Paula Sunday, Enrico Tomaselli

Curatori:

Vittorio Sgarbi

Patrocini:

del Comune di Casoria Assessorato alla Cultura. Iniziativa promossa dal PADIGLIONE ITALIA

ALLA 54. BIENNALE DI VENEZIA

per il 150° dell’Unità d’Italia

Note:

con il coordinamento di Antonio Manfredi

Dal 28 settembre (dalle ore 19.00) Casoria ospita l’iniziativa speciale del Padiglione Italia CAMPANIA SENSES al CAM, il museo di arte contemporanea che per l’occasione presenta l’evento con un titolo, unico caso tra le regioni, Campania Senses, a cura di Vittorio Sgarbi con il coordinamento di Antonio Manfredi e il patrocinio del Comune di Casoria. Il nome della manifestazione è da supporto alla scelta di distinzione delle espressioni artistiche presentate, la sensorialità è infatti alla base dell’evento del CAM che vede coinvolti gli artisti campani con performance, installazioni, video, sound art, danza e fotografia. L’humus territoriale ha dato vita ad opere che affrontano tematiche incisive e taglienti come il fascismo, il nazismo, il ruolo della donna, il sesso, la religione, la politica, la camorra e l’immigrazione. Problematiche che il CAM ha preso in analisi in più di una mostra e che rendono questo museo fuori dai convenzionali circuiti dell’arte. Anche per questo motivo Campania Senses è l’alternativa. La presenza di innumerevoli installazioni rende Campania Senses un evento frizzante e coinvolgente. Il soggetto principale delle opere è il fruitore, tutta la mostra è costruita per sollecitare la percezione dello spettatore che diviene parte integrante del lavoro artistico: senza il fruitore, Campania Senses non esiste. Renato Barisani, uno dei maggiori maestri dell’arte napoletana, scomparso recentemente, aveva aderito a CAMPANIA SENSES. In mostra l’opera che l’artista aveva scelto per l’evento e un omaggio video di Tony Stefanucci e del figlio Fabio Barisani.
Il 30 settembre apre le porte all’iniziativa speciale del Padiglione Italia l’ex tabacchificio Centola di Pontecagnano Faiano con una ricca selezione di artisti visivi.

ELENCO ARTISTI BIENNALE CAMPANIA SENSES CAM CASORIAAfterall (Silvia Viola e Enzo Esposito), Renato Barisani, Betty Bee, Angela Barretta, Giovanni Calemma, Antonio De Filippis, Giuseppe De Marco, Giuseppe Desiato, Nicola Di Caprio/Superteste (special guest: Y Liver from Paris), Di Guida & Vargas, Peppe Esposito, Bruno Estevan, Eugenio Giliberti, Iabo, Rosaria Iazzetta, Barbara La Ragione, Pietro Lista, Lello Lopez, Antonello Matarazzo, Gianni Molaro, Giacomo Montanaro, Gloria Pastore, Ivan Piano, Walter Picardi/Sebastiano Deva, Oreste Pipolo, Raffo, Clara Rezzuti, Emilio Rizzo, Roxy in the Box, Antonio Serrapica, Franco Silvestro, Sound Barrier, Vincenzo Starnone, Tony Stefanucci, Paula Sunday, Enrico Tomaselli.

Michele Giocoli - De rebus quae manent

2011-09-19T14:50:00.003+02:00

Sarconi (PZ) - dal 19 al 25 settembre 2011

Michele Giocoli - De rebus quae manent

SALA CANONICA
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Eventi in corso nei dintorni
"D. R. Q. P.” nasce come un esperimento su parte del ciclo artistico di Michele Giocoli, quello più recente, che lo ha portato dalla semplice bidimensionalità pittorica ad una sorta di bassorilievo. Ricercatore di forme, macchie, luci e ombre l’artista ha nella sua attività dei punti, anzi degli oggetti che appaiono come simbolici o fondanti della sua quotidiana ricerca del bello, oggetti che permangono

vernissage: 19 settembre 2011. ore 18.30
autori: Michele Giocoli
genere: arte contemporanea, personale
email: lgiocoli@hotmail.it

De rebus quae manent di Michele Giocoli
19-25 Settembre 2011

C/o Sala Canonica di Sarconi

Vernissage: 19 Settembre 2011, Ore 18.30

Catalogo on-line

http://issuu.com/giocoli/docs/giocoli

La mostra “De rebus quae manent” dell’artista Michele Giocoli, partita con successo da Montemurro il 17 luglio 2011, si sposta domani 19 Settembre a Sarconi presso la sala Canonica.

L'orario di apertura é fissato alle 18.30 alla presenza dell'artista, rimarrà a Sarconi sino al 25 Settembre. L'evento rientra nel progetto “Un Caffè Letterario itinerante per la Val d’Agri”, inaugurato il 25 marzo 2011 a Spinoso.

“D. R. Q. P.” nasce come un esperimento su parte del ciclo artistico di Michele Giocoli, quello più recente, che lo ha portato dalla semplice bidimensionalità pittorica ad una sorta di bassorilievo. Ricercatore di forme, macchie, luci e ombre l’artista ha nella sua attività dei punti, anzi degli oggetti che appaiono come simbolici o fondanti della sua quotidiana ricerca del bello, oggetti che permangono. Attività questa sicuramente anacronistica, in fondo un esteta oggi ha più senso se applicato al mondo della moda e della comunicazione, che al mondo dell’arte contemporanea, però lo spirito di Michele Giocoli ha una soliditità e una voglia diversa, ma soprattutto una sua etica tutta classica. La sua attività artistica é fatta di azioni quotidiane, ripetute nel tempo che poco a poco portano alla luce nuove visioni che dalla pittura giungono alla scultura, per poi arrivare sino all’antica pratica dell’intarsio, che rivisitato nella tecnica contemporanea al posto del legno e dei suoi colori delicati, diventa in plexiglass con toni forti e contrastanti. “De rebus quae permanent” é per una parte un richiamo al fare arte di prima mano, fatta di sapienza quasi artigianale e per l’altra é un modo per rafforzare le idee quasi pure che Giocoli individua nelle forme concentriche e calcolate, come quello di un filo raggomitolato meccanicamente o di una pigna cosí precisa nelle sue armoniose geometrie. All’interno di questa ricerca artistica lo stesso titolo in latino della mostra é un obbligo, un modo per chiarire ancora una volta un gioco di formule sedimentate nella pratica artistica che nonostante il loro costante e lento variare, permangono sempre diversi, ma costantemente presenti.

Venite…venite!

2011-09-02T11:43:00.003+02:00

Napoli - dal 3 al 18 settembre 2011
Venite…venite!

CHIESA DI SANTA MARIA DELLE PERICLITANTI vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Salita Pontecorvo 39 (80135)
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Eventi in corso nei dintorni
Venite…venite!...a visitare le bellezze. Venite…venite!...a sentire il calore della gente. Venite…venite!...vi accoglieremo a braccia aperte. Venite…venite!...a vedere l’ arte. Il titolo della mostra vuole essere una riflessione sulla condizione attuale in cui versa la città di Napoli, con le sue strade sommerse dai rifiuti e violentata nell’ intimo dopo essere stata una delle mete del Grand Tour. Ma Napoli non è soltanto questo, c’ è un’ altra faccia della città che poco viene raccontata dai media, una città fatta di “gente” calorosa, di passione, di tradizione, di infinite bellezze paesaggistiche ed artistiche, di ottima cucina e quant’ altro possa essere ben gradito a chi cerca una commistione di cultura e magia. Nel senso più ampio questa mostra vuole anche essere un campanello per le istituzioni, affinché le terre, ovunque esse siano, non subiscano più tali violenze, siano rifiuti o scarichi di fabbriche. E proprio l’ arte in questo è un grande veicolo di comunicazione, in tutte le sue sfaccettature. Napoli accoglie, come sempre, gli artisti provenienti da qualsiasi parte del mondo e con qualsiasi espressione essi operino, perché cade, ma poi si rialza.
orario: 9.30 / 16.30 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 3 settembre 2011. h 17.00
catalogo: in galleria. a cura di Nicholas Tolosa
curatori: Roberto Esposito, Nicholas Tolosa
autori: Marika De Luca, Roberto Esposito, Beniamino Fabiano, Pasqualino Festa, Liuba Gabriele, Concetta Gioia,Davide Perella, Domenico Poggi, Andrea Sala, Nicholas Tolosa
telefono evento: +39 3338065981
genere: arte contemporanea, collettiva
email: accademiadeipartenopei@gmail.com

Stefania Salti - Sembianze Traverse. Sotto la corteccia c’è la pelle che ride

2011-05-28T09:00:00.002+02:00

Napoli - dal 27 maggio al 14 giugno 2011
Stefania Salti - Sembianze Traverse. Sotto la corteccia c’è la pelle che ride

STUDIO D'ARTE LE MUSE
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Via Toledo 272 (80134)
+39 0816583303 , +39 3408222584
studiolemuse@gmail.com
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Eventi in corso nei dintorni
Le opere di Stefania Salti sono frutto di un viaggio lungo una vita con passaggi temporali oltre che stilistici, attraverso una materia che da densa e corpulenta nei dipinti, si trasforma in elemento impalpabile e rarefatto negli acquerelli.
orario: da lunedì a venerdì dalle 17 alle 20
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 27 maggio 2011. ore 18.30
curatori: Maria Antonietta Roselli, Joanna Irena Wrobel
autori: Stefania Salti
note: presentazione: Lucia De Cristofaro
genere: arte contemporanea, personale

La prima personale dell’ artista ravennate Stefania Salti presso lo Studio d’ Arte LE MUSE di Napoli, si inaugurerà venerdì 27 maggio, ore 18.30, con la presentazione di Lucia De Cristofaro, giornalista e direttore del mensile Albatros Magazine. La mostra sarà visitabile fino al 14 giugno 2011.
Le opere di Stefania Salti, artista poliedrica e cittadina del mondo, sono frutto di un viaggio lungo una vita, alla continua ricerca di un’ arte incentrata sulle molteplici possibilità espressive dei mezzi adoperati, con passaggi temporali oltre che stilistici, attraverso una materia che da densa e corpulenta nei dipinti, si trasforma in elemento impalpabile e rarefatto negli acquerelli.
La Salti, da sempre attratta dal mutare della natura, instaura un saldo contatto / dialogo con l’ ambiente circostante, traducendo le proprie emozioni in paesaggi interiori dove addentrarsi poco alla volta, assaporando lentamente le sfumature straordinarie, le superfici tridimensionali e scabrose, la materia densa ed elaborata. Le opere dall’atmosfera rarefatta e sospesa, invitano alla riflessione e alla lettura approfondita. Inestricabili grovigli di segni pittorici, fanno scorgere ed intuire un universo magico e sconosciuto. Un mondo misterioso, nel quale perdersi, per ritrovare le nuove realtà e le nuove sensazioni. Un percorso di ricerca orientato a cogliere dietro all’ aspetto abituale e reale la sostanza poetica con risultati di autentica originalità.
Il critico Alessandro Sibilia scrive dell’artista: “Quella della Salti è una forma di semi-astrazione lirica, volendo sottolineare con questo la presenza nelle tele di ingredienti che pur nell’assenza della figura, riconducono inevitabilmente ad orizzonti e scenari a carattere naturale: sono paesaggi, frammenti di natura trattatati con una sostanza che a sua volta esalta ancora di più il carattere terroso od aereo delle immagini.
La visione paesaggistica dell’artista si sta spingendo a rintracciare dentro di sé, piuttosto che fuori, quegli ingredienti che vanno infine a comporre la veduta.
In un certo senso la sensibilità della Salti rintraccia nei propri dubbi ed emozioni lo scatenarsi di quegli elementi naturali da cui è sempre stata attratta, traducendoli così in paesaggi dell’animo o stati atmosferici interiori. L’opera è in questo modo il punto di incontro dell’osservazione sia fenomenica che psicologica della realtà.”
( CAJO )

Architetti in Arte edizione 2011

2011-05-14T11:41:00.003+02:00

Lecce - dal 14 al 19 maggio 2011
Architetti in Arte edizione 2011

CASTELLO CARLO V
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Viale Xxv Luglio (73100)
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Eventi in corso nei dintorni
L’Associazione “Architetti in Arte”, rivolta alla conoscenza del patrimonio individuale degli architetti che si applicano nelle arti visive, presenta all’attenzione del pubblico, per il secondo anno consecutivo dalla nascita, un nutrito gruppo di professionisti impegnato in pittura, fotografia e design
orario: mattina 9.00-13.00, pomeriggio 16,30-19,00
(possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 14 maggio 2011. h 19
catalogo: Editore Associazione Architetti in Arte, Direttore Antonio Pellegrino, Redazione “Architetti in Arte
autori: Romano Alcide Rizzo, Antonio Bramato, Nunzio Caricato, Paolo Casicci, Sergio Catalano, Pietro Centonze,Laura Cera, Luigi Chiriacò, Fabiana Cicirillo, Marcello Congedo, Salvatore Coroneo, Carpentieri e Architetti, Nicola Elia, Angelica Foscarini, Gianni Francia, Antonio Galati,Lorenzo Gemma, Fabrizio Ghio, Daniele Giordano, Antonio Giuppa, Paola Ianni, Silvana Inguscio, Stefano Leopizzi,Guido Lommi, Eugenia Minerva, Mauro Mogetti, Clorinda Pagano, Michele Pagano/Maria Forleo/Elena Rizzo, Antonio Pellegrino, Dario Russo, Gianluigi Russo, Alessio Sacquegna,Giovanni Scanderebech, Silvia Scoditti/Patrizia Marzo/Ada Mazzei, Luana Selmi, Gianna Spirito, Dedalo Studio, Piero Surdo, Toto Tommasi, Gianluca Vetrugno
telefono evento: +39 3477246249
note: Regione Puglia, Provincia di Lecce, Comune di Lecce, Ordine Architetti PP&C di Lecce, Accademia di BB AA di Lecce
genere: architettura, collettiva
email: anpelle@yahoo.it

Nicola Liberatore - Narrazioni

2011-05-14T11:33:00.003+02:00

Monopoli (BA) - dal 14 maggio all'undici giugno 2011
Nicola Liberatore - Narrazioni

GALLERIA SPAZIOSEI
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Via Sant'Anna 6 (70043)
+39 080802903 , +39 3396162515
spaziosei@alice.it
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Eventi in corso nei dintorni
Opere ricche di narrazione e sorprese metaforiche, che consentono la lettura del rapporto fra la soggettività, la storia, il tempo.
orario: da martedì a sabato ore 17.30- 21.00
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 14 maggio 2011. ore 19.30
catalogo: in galleria.
curatori: Mina Tarantino
autori: Nicola Liberatore
patrocini: Regione Puglia
Città di Monopoli
genere: arte contemporanea, personale

Sabato 14 maggio 2011, alle ore 19.30, negli spazi espositivi della Galleria SPAZIOSEI di Monopoli, sarà inaugurata la mostra personale “narrazioni” del Maestro Nicola LIBERATORE, a cura di Mina TARANTINO.
Nicola LIBERATORE, nato a S. Marco in Lamis, sul Gargano, vive e lavora a Foggia.
Negli anni ’70 frequenta l’Accademia di Belle Arti e si abilita all’insegnamento in Disegno e Storia dell’Arte; dal 1984 è tra gli artisti del Laboratorio Artivisive di Foggia e collabora alle iniziative di Spazio55 -arte contemporanea- di Foggia.
La sua attività espositiva, iniziata nel 1979 e sviluppatasi attraverso itinerari svolti da Nord a Sud, ha fatto sì che la sua arte fosse conosciuta in tutto il territorio nazionale, riscuotendo un costante e crescente apprezzamento da parte della critica più raffinata. Numerose sono le sue opere che figurano in musei e collezioni pubbliche e private.
La mostra “narrazioni” presenta opere che, come racconta lo stesso Liberatore, sono «ottenute per interazione, per stratificazione, per strappi di fragili reperti estratti dalla memoria che si articolano intorno alla riflessione sul tempo e sulla “ricerca di una spiritualità più ampia per il nostro lacerato presente”. Reperti che restituiscono altri significati al mio percorso espressivo come “arte della crisi/crisi dell’uomo”. “Confeziono” opere ricche di narrazione e sorprese metaforiche, che consentono la lettura del rapporto fra la soggettività, la storia, il tempo. Dalla stratificazione di stoffe, merletti, carte, dalla materia slabbrata e tra pastosità cromatiche di pigmenti, emergono segni, reperti, scritture, sindoni, “ sembianze di donne e madonne, sante e regine”, icone minimali avvolte da garze e veli, che rendono le opere enigmatiche, impalpabili e introspettive e che solo la memoria può custodire ben oltre lo scorrere del tempo».
Santa FIZZAROTTI SELVAGGI, critico d’arte, scrive di lui in catalogo: «Nicola Liberatore ritrova l’antica dignità della parola pittorica ponendo in scena il senso del mistero che accompagna la storia dell’umanità. La questione delle origini ritrova le sue radici nel percorso di questo sentiero.
Nella notte dei tempi forse l'emozione divenne gesto, il gesto si tramutò in suono, il suono si trasformò in parola e musica. Nacque il segno che generò la scrittura. I graffiti sulle pareti delle grotte di Altamira o Porto Badisco, come in altri luoghi del nostro pianeta, sono la rappresentazione del desiderio di lasciare traccia di sé nel mondo.
Noi pensiamo per immagini che volta per volta si fanno linguaggio condivisibile delle arti. Ritrovare la memoria, in questo caso, significa riscoprire quella terra lontana, tutto ciò che è stato, le prime sensazioni, le prime percezioni di una realtà Altra i cui confini sono sfuggenti e indefinibili.
Non a caso Nicola Liberatore afferma che ci restituisce attraverso le sue Opere: “fragili reperti estratti dalla memoria che si articolano intorno alla riflessione sul tempo e sulla “ricerca di una spiritualità più ampia per il nostro lacerato presente”.

Francesco Padovani - The soul of my soul

2011-04-30T09:17:00.002+02:00

Napoli - dal 29 aprile al 20 giugno 2011
Francesco Padovani - The soul of my soul

CHANGING ROLE - HOME GALLERY
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Via Foria 106 (80137)
+39 08119575958
infogallery@changingrole.com
www.changingrole.com
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Eventi in corso nei dintorni
L’artista presenta una nuova serie di immagini espressamente prodotte e pensate per gli spazi di Changing Role.
Attraverso un ingegno manuale, ossia una superficie riflettente di fogli di alluminio, Padovani ritrae le figure, prevalentemente femminili.
orario: Martedì-Venerdì 12.00/18.00
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 29 aprile 2011. ore 18.30
catalogo: in galleria.
autori: Francesco Padovani
genere: fotografia, arte contemporanea, personale

Venerdì 29 Aprile 2011, dalle ore 18.30, presso la galleria CHANGING ROLE/Napoli, inaugura la mostra “The soul of my soul”, personale di Francesco Padovani, a cura di Guido Cabib.

L’artista presenta una nuova serie di immagini espressamente prodotte e pensate per gli spazi di Changing Role.
Attraverso un ingegno manuale, ossia una superficie riflettente di fogli di alluminio, Padovani ritrae le figure, prevalentemente femminili.
Gli scatti di Francesco Padovani, con grande raffinatezza, scavano e mostrano le pulsioni dell’inconscio dell’essere femminile con occhio maschile, ma con una sensibilità del tutto femminile, e questo è già inusuale. Egli mostra l’anima femminile nel suo profondo, nella parte più amata dall’uomo, quella a cui da sempre esso anela, quel misto di grazia, erotismo e protezione.

Nella storia dell’arte è quasi impossibile trovare -nella ritrattistica- donne, nobili o popolane, che occultano la loro essenza, il loro spirito. Oggi,dopo l’emancipazione e nella realtà quotidiana, la loro anima è forzatamente occultata, come se la loro identità femminile fosse di fatto celata agli occhi dei più. Nell’era contemporanea le donne soffrono ancora delle privazioni; in tantissimi luoghi esse sono ancora schiave oppresse che hanno rinunciato alla propria essenza, al “daimon” femminile. Francesco, con la sua maturità di uomo adulto, le ritrae alla ricerca della via di risoluzione: la conciliazione tra i ruoli che la società civile in qualche modo gli impone e il loro spirito essenziale ed unico. L’essenza femminile, negli scatti di Padovani, accetta quest’occultamento, ma, allo stesso modo, lo allontana per mostrare e mostrarsi, lo accetta per difendersi. Noi percepiamo i sospiri e le pene che quest’occultamento procura alla loro meravigliosa spiritualità e grandezza. L’occhio dell‘artista ci restituisce un sentimento che si ribella alla bellezza moderna, artificiosa e decadente, riconquistando alla vista ed al cuore il diritto di immergersi nella bellezza originaria ed incorrotta della natura, con un senso di nostalgia melanconica del “buon selvaggio” per la fanciulla spontanea, che è propria della donna.

Francesco Padovani (1952) vive e lavora a Lugano (CH).
SELEZIONE MOSTRE PERSONALI: 2011 Napoli, The soul of my soul, a cura di/curated by Guido Cabib Changing Role; Napoli, Le parenti di San Gennaro, Museo del Tesoro di San Gennaro; Milano, Women’s Virtues, Spazio Guicciardini; New York, Dancing Angels, Broadway Ballroom Gallery; 2009 Lugano, 1.0 Project, a cura di/curated by Igor Zanti, Galleria Barbara Mahler.

Giancarlo Brugnano - Come la gallina nella stoppa

2011-04-30T09:13:00.003+02:00

San Giorgio A Cremano (NA) - dal 30 aprile al 14 maggio 2011
Giancarlo Brugnano - Come la gallina nella stoppa

BIBLIOTECA COMUNALE - BIBLIOTECA DI CULTURA VESUVIANA
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Via Cavalli Di Bronzo 20 (80046)
+39 0815654354
bibliotecasangiorgio@live.it
www.bibliotecasangiorgio.it
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Eventi in corso nei dintorni
icone affiorano appena sotto la superficie delle paste; quasi indistinte nella forma, sotto il ductus intricato delle spatole, che complica la struttura dei dipinti (dal testo critico di L. Gaeta e M. Guastella)
orario: dal martedì al venerdì dalle 9.30 alle13.30 e dalle 14.30 alle 18.00
il sabato dalle 9.30 alle 13.30

(possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 30 aprile 2011. ore 17.00
curatori: Oriana Russo
autori: Giancarlo Brugnano
patrocini: Città di San Giorgio a Cremano
genere: arte contemporanea, personale

“come la gallina nella stoppa” in mostra le opere di Giancarlo Brugnano
presso la Biblioteca Comunale della Città di San Giorgio a Cremano

San Giorgio a Cremano, sabato 30 aprile 2011, ore 17.30 - presso la Biblioteca Comunale in Villa Bruno sarà inaugurata la mostra “come la gallina nella stoppa”, un percorso pittorico di Giancarlo Brugnano, in mostra fino al 14 maggio.

L'evento rientra nell’ambito del programma di animazione bibliotecaria promosso dall’Amministrazione Comunale di San Giorgio a Cremano attraverso l'Assessorato alla Biblioteca guidato da Luigi Velotta con l'ausilio dell’Ass. Lineadarco che ne supporta l’organizzazione dei servizi bibliotecari.

“icone affiorano appena sotto la superficie delle paste; quasi indistinte nella forma, sotto il ductus intricato delle spatole, che complica la struttura dei dipinti. Rappresentazioni ridotte all'essenziale, scarne, ai limiti dell'astrazione. Una atmosfera inclemente asfissia corpi, volti, maschere, oggetti immagini nei viraggi delle tonalità più cupe e tenebrose” (dal testo critico di L. Gaeta e M. Guastella)

Contaminazioni a Levante

2011-04-30T09:11:00.003+02:00

Ostuni (BR) - dal 30 aprile al 10 luglio 2011

Contaminazioni a Levante

GALLERIA ORIZZONTI ARTE
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Largo Giovanni Lanza 24 (72017)
+39 3488032506
info@orizzontiarte.it
www.orizzontiarte.it
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Eventi in corso nei dintorni
La mostra sottende un lungimirante e significativo excursus attraverso una selezione di opere di arte LATINO AMERICANA circoscritta ad una generazione di nuovi pittori in simbiosi con ARTISTI ITALIANI ED EUROPEI, fino alle tendenze più innovative di sviluppo pittorico e concettuale.
orario: Palazzo Beltrani - Trani
giorni feriali 11-13 / 18-20
giorni festivi e prefestivi chiusura 20.30 chiuso il lunedì
Ingresso gratuito

(possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 30 aprile 2011. ore 18.00
curatori: Gabriella Damiani, Antonino Di Carlo
autori: Aguedo Alonso, Luca Bellandi, Lara Bobbio, Corrado Bove, Renato Buttazzo, Alejandro Casanova, Barbara Di Domizio, Humberto Diaz, Reynier Ferrer, Gianmaria Giannetti, Eduardo Gonzales, Tommaso Lacalamita, Julio Larramendi, Carlos Llanes, Alessandro Loglisci, Roberto Martinez, Noel Morera, Cosme Proenza, Ximo Sanchez,Kender Santiago, Jorge Santos, Max Solinas, Armando Tejuca, Julia Valdes, Antonio Vidal, Alberto Zamboni
genere: arte contemporanea, collettiva

CONTAMINAZIONI A LEVANTE

La prima rassegna itinerante “OLTRE IL MEDITERRANEO 2011”, vive una straordinaria fase di apertura stagionale nel Palazzo delle Arti Beltrani di Trani, segnando un creativo e originale itinerario, costruito da esperienze ed evoluzioni dinamiche con i linguaggi della pittura, scultura, video ed installazioni.

La mostra tesa a richiamare l’attualità dei contenuti, parallelamente nel confronto culturale, sottende un lungimirante e significativo excursus attraverso una selezione di opere di arte LATINO AMERICANA circoscritta ad una generazione di nuovi pittori in simbiosi con ARTISTI ITALIANI ED EUROPEI, fino alle tendenze più innovative di sviluppo pittorico e concettuale.

Dunque un percorso parallelo a quelle Tendenze che dagli anni ottanta propongono opere volte a rappresentare con un chiaro interesse al recupero della figurazione , la creatività astratto-informale e concettuale insieme.

Si scorgono così tratti di espressionismo, astrattismo e materismo informale, fino a raggiungere la pop-art, la video-art, ma anche aspetti di originalità circoscritta al lavoro di una generazione di giovani artisti, svincolati da logiche accademiche nella pertinenza occidentale, naturalmente sulla scia della tradizione/innovazione, aperta alla globalizzazione/integrazione.

Rachel Howard - Repetition is Truth. Via Dolorosa

2011-04-15T07:24:00.003+02:00

Rachel Howard
Study

Napoli - dal 16 aprile al 4 luglio 2011
Rachel Howard - Repetition is Truth. Via Dolorosa

MADRE - MUSEO D'ARTE DONNA REGINA
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Via Luigi Settembrini 79 (80139)
+39 08119313016
www.museomadre.it
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Eventi in corso nei dintorni
E' questa idea di illimitato che l'artista cerca di indurre nello spettatore: la credenza che la sofferenza umana non
avrà mai fine. Da qui, il titolo del lavoro: Repetition is Truth (la ripetizione è verità).

vernissage: 16 aprile 2011.
catalogo: in galleria.
ufficio stampa: pressroom@museomadre.it
curatori: Mario Codognato
autori: Rachel Howard
note: La mostra è stata realizzata interamente grazie alla generosità e al supporto di Blain|Southern.
genere: arte contemporanea, personale

Via Dolorosa, dal latino “via crucis”, è il nome di una strada all'interno della Città Vecchia di Gerusalemme che si crede sia stata percorsa da Gesù, caricato della croce, lungo il tragitto verso il Golgota. E' altresì il nome delle 14 stazioni della Via Crucis che ricostruiscono le sue ultime ore di vita. Se il referimento dei 14 dipinti della Howard a La Passione è chiaro, la creazione della serie è stata originariamente influenzata da una delle fotografie più scioccanti scattate nel campo di prigionia a Abu Ghraib in Irak, dove i prigionieri subuivano regolamente torture e umiliazioni da parte dell'esercito Americano, così come riportato dai media. L'immagine in questione riproduce un prigioniero in piedi in una cassa, col capo coperto, legato con elettrodi. Pertanto, la cassa diviene l'equivalente moderno della Croce – strumento di umiliazione e tortura. I dipinti di Rachel Howard si presentano come fluidi, dando vita a un viaggio metafisico tra astrazione e figurazione; si offrono come strumento di riflessione dei reati contro l'universalità dei diritti umani e la capacità insita negli essere umani di infliggere crudeltà gli uni agli altri. Il critico e curatore Joachim Pissarro ha definito la serie “sublime”, in linea con la Critica del Giudizio kantiana: “Sublime è ciò in cui l'immaginazione viene dall'oggetto a tal punto estesa, che la misura usuale non è più sufficiente a comprenderlo”, eppure, come tale - è parte di una totalità . E' questa idea di illimitato che l'artista cerca di indurre nello spettatore: la credenza che la sofferenza umana non avrà mai fine. Da qui, il titolo del lavoro: Repetition is Truth (la ripetizione è verità). La mostra è stata realizzata interamente grazie alla generosità e al supporto di Blain|Southern. Note: Rachel Howard è nata nella Contea di Durham nel 1969 e si è diplomata al Goldsmiths College di Londra nel 1992. Mostre Personali: Still Life / Still Here, Rachel Howard, New Paintings, Sala Pelaires, Palma de Mallorca, Spagna, 2011; Human Shrapnel – oil drawings on paper, Other Criteria, Londra, 2010; Der Wald, Haunch of Venison, Zurigo, 2009; Portraits, Museum van Loon, Amsterdam; How to Disappear Completely, Haunch of Venison, Londra, 2008; Rachel Howard, New Paintings, Gagosian Gallery, Los Angeles; Fiction/Fear/Fact, Bohen Foundation, New York, 2007. I lavori di Rachel Howard sono stati acquisiti da numerosi collezioni publiche e private. Tra queste: Ackland Art Museum, Carolina del Nord; Museum van Loon, Amsterdam; Goss-Michael Foundation, Dallas; CCA Andratx, Spagna, La Collezione Murderme e la Collezione Hiscox.

Alessandro Narciso - Napoli...segni particolari

2011-04-15T07:19:00.003+02:00

O' Vesuvio

Napoli - dal 15 aprile al 13 maggio 2011
Alessandro Narciso - Napoli...segni particolari

EIDOSTUDIO
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Via Giuseppe Ferrigni 20 (80121)
+39 0817641370
eidostudio.aef@gmail.com
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Eventi in corso nei dintorni
Alessandro Narciso mette su tela quelli che ritiene essere i particolari che caratterizzano la sua città, Napoli: sono segni che nei secoli sono stati prodotti dagli uomini o dalla natura e che da sempre identificano nel mondo e nella memoria della gente la città di Napoli.
vernissage: 15 aprile 2011. ore 19-21
ufficio stampa: MFL COMUNICAZIONE
autori: Alessandro Narciso
genere: arte contemporanea, personale
web: www.arteritivo.it

NAPOLI…SEGNI PARTICOLARI
di ALESSANDRO NARCISO
per l’appuntamento di aprile con
L’ARTERITIVO di Francesca Maione
negli spazi dell’EIDOSTUDIO di Napoli

“Visioni, colori e nuove forme per raccontare la cultura dei napoletani…”

NAPOLI…SEGNI PARTICOLARI è il titolo della nuova mostra protagonista de L’ARTERITIVO di Francesca Maione! Torna puntuale l’appuntamento curato dall’architetto e designer di interni Francesca Maione, ospitato negli spazi del suo EIDOSTUDIO di Napoli. Come ogni terzo venerdì del mese, lo space della Maione [in Via Ferrigni, nel quartiere Chiaja] ospita una mostra personale e una degustazione di aperitivi d’autore.
Il nuovo appuntamento è per VENERDÌ 15 APRILE 2011 (DALLE ORE 19.00 ALLE ORE 21.00) con il vernissage di apertura della mostra NAPOLI…SEGNI PARTICOLARI di ALESSANDRO NARCISO.

Alessandro Narciso nasce a Napoli nel 1966: esperto di comunicazione digitale, Narciso realizza la rivista nP Magazine, un magazine che racconta di moda, lifestyle, arte e design e che gli ha permesso – nel corso degli anni – di incontrare diversi artisti e designer italiani e stranieri, di conoscerli e farsi conoscere.
La sua passione per l’arte contemporanea e per il design lo ha spinto ad avvicinarsi da autodidatta al mondo della pittura, realtà in cui sperimenta un gusto personale del tutto originale.
Con NAPOLI…SEGNI PARTICOLARI, Alessandro Narciso mette su tela quelli che ritiene essere i particolari che caratterizzano la sua città, Napoli: sono segni che nei secoli sono stati prodotti dagli uomini o dalla natura e che da sempre identificano nel mondo e nella memoria della gente la città di Napoli. Il risultato sulla tela è una visione astratta – sia nei colori che nelle forme – di un percorso fatto di particolari del folklore e della superstizione popolare, e di punti-chiave della città.

Il vernissage di venerdì 15 aprile 2011 sarà accompagnato dalle note del cantautore Marco Francini (chitarra e voce) e Edo Puccini (chitarra e mandolino): un live-set interamente dedicato alle canzoni che sono entrate nella leggenda della musica napoletana, dal XIX secolo ad oggi.

Pizzicori | Sorge | Vannozzi - In Fabula

2011-04-15T07:14:00.003+02:00

Marinella Sorge

Avellino - dal 15 aprile al 31 maggio 2011
Pizzicori | Sorge | Vannozzi - In Fabula

BANCA SELLA SUD ARDITI GALATI
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Corso Europa 8g (83100)
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Eventi in corso nei dintorni
Le opere di tre illustratori, con provenienza geografica, età e percorso artistico differente, saranno protagoniste della edizione campana “In Fabula”, la collettiva di pittura che propone come fil rouge la favola.
orario: Lunedì al venerdì 8:30/13:30; 14:45/15:30
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 15 aprile 2011.
curatori: MonnaLisa Salvati
autori: Enrica Pizzicori, Marinella Sorge, Luca Vannozzi
telefono evento: +39 3204571690
genere: arte contemporanea, collettiva
email: monnalisa.salvati@tiscali.it
web: www.associazionestudio7.it

Le opere di tre illustratori, con provenienza geografica, età e percorso artistico differente, saranno protagoniste della edizione campana “In Fabula”, la collettiva di pittura che propone come fil rouge la favola.
Enrica Pizzicori, illustratrice toscana, già conosciuta nel territorio campano, presenta per questo progetto una nuova produzione fatta di personaggi inventati e creati dalla sua fantasia.
Le opere, tecnica mista su tela, sono il risultato della contaminazione con la narrazione, sono immagini che attingono dal ricordo delle letture infantili, e sprigionano la magia tipica dei libri dell’infanzia in quanto per l’Artista l’immagine è subordinata al racconto.

Prima esposizione in Campania per Marinella Sorge le cui opere si caratterizzano per la schiettezza e la nitidezza dello stile e per la capacità descrittiva dei personaggi raccontati. Protagonisti delle sue tele sono quasi sempre personaggi femminili dall’aria dolce e malinconica con un caratterizzante lato oscuro. Prendendo spunto e ispirazione dall'immaginario iconografico delle fiabe e della letteratura, dalla corrente pop-surrealista degli anni '90, dalla passione per la cultura Rock'n'Roll dagli anni '60 ad oggi, Marinella Sorge crea immagini ricche di simbolismi, di delicatezza estrema e ugualmente di forte impatto, in cui malinconia, contrasto e sogno si scontrano e si fondano, metafore di emozioni, paure e sentimenti che si agitano nel nostro animo.

L’inconfondibile stile di Luca Vannozzi, geniale illustratore reatino, continua a destare stupore e meraviglia nello spettatore che si avvicina con curiosità per addentrarsi nel ginepraio dei suoi racconti, dipinti su carta con la tecnica dell’acquerello.
Ci si tuffa in un mondo popoloso e popolato da buffi personaggi in continuo movimento, dal volto sorridente e/o invitante al sorriso, in un turbinio di comuni azioni quotidiane vissute come una grande avventura perché in fondo il messaggio che vuole infondere Vannozzi è proprio quello di vivere la vita con la giusta leggerezza e recuperare nella profondità del cuore il disincanto.

Le Meraviglie del Tesoro di San Gennaro i gioielli

2011-04-09T09:52:00.001+02:00

Napoli - dall'otto aprile al 12 giugno 2011
Le Meraviglie del Tesoro di San Gennaro i gioielli

MUSEO DEL TESORO DI SAN GENNARO
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Via Duomo 149 (80138)
+39 081294980 , +39 081294980 (fax)
info@museosangennaro.com
www.museosangennaro.com
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Eventi in corso nei dintorni
Per la prima volta nella storia, infatti, le opere più prestigiose del leggendario Tesoro di San Gennaro verranno esposte al pubblico contemporaneamente nella splendida cornice di sei differenti siti museali di Napoli.
orario: Orario di apertura dei siti: 9,00 -18,30
(possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: Integrato intero: 15 euro Integrato ridotto, per i gruppi con minimo 15 persone: 12 euro Intero solo gioielli Museo del Tesoro di San Gennaro: 10 euro;
Ridotto solo gioielli Museo del Tesoro di San Gennaro, per i gruppi con minimo 15 persone: 8 euro
Guide itinerario completo: 50 euro
Guide solo Museo del Tesoro di San Gennaro: 25 euro
vernissage: 8 aprile 2011. ore 17.30
ufficio stampa: CIVITA
patrocini: con l’alto Patronato del Presidente della Repubblica e della Presidenza del Senato
telefono evento: +39 081294980
note: organizzata dal Museo del Tesoro di San Gennaro con la collaborazione della Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico, Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Napoli
genere: documentaria

La Mostra del tesoro di San Gennaro
Presentata nella sala Zuccari di Palazzo Giustiniani del Senato della Repubblica, la Mostra “Le Meraviglie del Tesoro di San Gennaro, i gioielli”, avrà luogo a Napoli, in sei differenti strutture museali nel centro storico della città, dal 9 aprile al 12 giugno. Per la prima volta nella storia, infatti, le opere più prestigiose del leggendario Tesoro di San Gennaro verranno esposte al pubblico contemporaneamente nella splendida cornice di sei differenti siti museali di Napoli.
Nel corso della presentazione sono stati resi noti anche i risultati di una minuziosa indagine compiuta da un’équipe di gemmologi e storici sui gioielli più preziosi fra tutti quelli donati al Patrono di Napoli nell’arco di sette secoli: il Tesoro di San Gennaro, è stata la clamorosa certificazione dei sette ricercatori che hanno indagato per quasi tre anni sulle opere e le singole pietre (oltre duemila fra diamanti, rubini, smeraldi, zaffiri, perle), è tra i più importanti al mondo per valore artistico ed economico, superiore al Tesoro della Corona d’Inghilterra e a quello dello Zar di Russia.
La Mostra, organizzata dal Museo del Tesoro di San Gennaro con la collaborazione della Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico, Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Napoli e con l’alto Patronato del Presidente della Repubblica e della Presidenza del Senato, vuol essere anche un’occasione di riscatto per la città di Napoli, promuovendo e valorizzando il più importante patrimonio artistico e culturale del mondo e allo stesso tempo “facendo sistema” sul territorio.
La Mostra si svilupperà infatti - caso unico nelle esposizioni urbane - in sei siti
museali diversi compresi nell’area del centro storico cittadino. Con un biglietto unico integrato, quindi, il visitatore potrà ammirare non solo le oltre 150 opere delle 21.610 appartenenti al Tesoro (tra cui i dieci favolosi gioielli, esposti nelle sale del Museo del Tesoro di San Gennaro) o le preziose tele di Luca Giordano (Museo Diocesano) e luoghi dall’immenso valore artistico che riapriranno per l’occasione, come il Complesso Monumentale dei Girolamini o l’antica Porta del Duomo.

Per lo spostamento delle opere verranno adottate straordinarie misure di sicurezza: mezzi blindati, guardie armate, sistemi d’allarme sofisticati. Il Centro di Napoli sarà protetto da elicotteri dei Carabinieri.

Il Museo del Tesoro di San Gennaro
25.000.000 di devoti nel mondo (stima Vaticano anno 2007)
21.720 capolavori in argento, legno, oro, madreperla tessuti preziosi e quadri
La collana del seicento più ricca e preziosa del mondo: 13 maglie in oro massiccio, 700 diamanti, 276 rubini, 92 smeraldi.
L’oggetto più prezioso 3964 pietre preziose (diamanti, rubini e smeraldi)
54 statue d’argento massiccio
La più importante e intatta collezione d’argento al mondo dal 1305 ad oggi
Un milione di visitatori dall’apertura del museo del tesoro di San Gennaro.
Questo è il tesoro di San Gennaro.Il tesoro più importante al mondo, e di gran lunga superiore per valore e per numero di capolavori a quello della Corona e a quello dello Zar, è da oltre 7 secoli, a Napoli.

San Gennaro
San Gennaro: venticinquemilioni di devoti sparsi in tutto il mondo, una lunghissima storia punteggiata di avvenimenti e vicende spesso in bilico tra devozione e pregiudizio, fede e incredulità, passione e scetticismo. In ogni momento, però, legata a filo doppio alla storia di Napoli fino a una fortissima identificazione tra il Santo protettore e le pulsioni psicologiche di un popolo periodicamente minacciato da catastrofi naturali ed eventi storici. Oggi, come si evince da una ricerca del 2006, San Gennaro è il santo della Chiesa cattolica più famoso e conosciuto nel mondo e non solo per il miracolo della liquefazione del sangue, ma anche e soprattutto perché milioni e milioni di persone dalla fine dell’800 sino agli anni ’60, si sono imbarcate nel porto di Napoli per “terre assaie luntane” in cerca di fortuna nella tragedia della grande emigrazione italiana. E l’ultima immagine, che questa povera gente aveva negli occhi prima di affrontare il mare aperto, era la statua di San Gennaro alla punta del molo che con la mano si rivolge al Vesuvio per fermare la

lava e che invece sembrava benedicesse quella moltitudine di disperati. La stragrande maggioranza di loro non è mai più tornata in patria, tanti hanno sognato da lontano la propria terra, ma ovunque questa gente si sia stabilita nel mondo ha invocato la protezione di quella benedizione, consolidando il culto del Santo protettore di Napoli e trasferendo quella devozione anche ai propri figli, di generazione in generazione. Ancora oggi come allora a New York, Toronto, Rosario, Melbourne, San Paolo, e in altre città del mondo dove si sia stabilita e consolidata una comunità di origine italiana meridionale, ogni anno il 19 settembre, giorno di San Gennaro, si celebra e si festeggia il miracolo che avviene nel Duomo di Napoli con l’antica processione e le strade illuminate a festa. Resta ancora oggi una tenace scia di religiosità popolare a tener vivo il discorso sull'antico patrono, tra fede e religione. Quella scia che lungo un cammino sotterraneo e impalpabile nel lento giro d'un millennio e mezzo ha collocato San Gennaro al centro di un grandioso fenomeno di religiosità popolare e di un radicatissimo culto, tali da non avere uguali al mondo.

Il Tesoro di San Gennaro
Sette secoli di donazioni di papi, imperatori, re, sovrani, uomini illustri e persone comuni, ecco uno dei più importanti e ricchi tesori universali dell’arte: il leggendario tesoro di San Gennaro.
Per merito dell’antichissima istituzione della Deputazione della Real Cappella di San Gennaro, nata per un voto della città nel 1527, il tesoro è intatto non avendo mai subito spoliazioni, né finanziato guerre, né subito furti e quindi le collezioni sono uniche al mondo. Lo stesso Napoleone, che ovunque sia andato ha depredato, quando approdò a Napoli non solo non prelevò nulla, ma dovette regalare a San Gennaro un ostensorio in oro, argento e pietre preziose di superba bellezza e raffinatezza. Tutte le opere donate, per avere il privilegio di essere considerate meritevoli di far parte del Tesoro di San Gennaro dovevano, però, corrispondere a elevatissime qualità di valore artistico e culturale e dunque essere realizzate dai grandi artigiani del tempo. Il risultato è stato che si è così costituito un tesoro composto da straordinari e autentici capolavori firmati dai più noti e importanti artisti della storia universale dell’arte, superiore per vastità e importanza a quello della corona d’Inghilterra.
Ufficio Comunicazione

I sei siti Museali che esporranno il Tesoro di San Gennaro

Museo del Tesoro di San Gennaro:
In esposizione i Gioielli cioè le dieci meraviglie più il busto tempestato di pietre preziose del 1305 regalo di Carlo d’Angiò e il reliquario del sangue del 1305

Real Cappella di San Gennaro
Tra i capolavori per la prima volta verrà esposto senza il crsitallo di protezione il paliotto d’argento dell’argentiere Vinaccia

Duomo di Napoli con l’apertura dopo oltre 100 anni della porta antica della Cattedrale

Complesso dei Girolamini: è una tra le tante novità per il tesoro verrà esposto nell’oratorio dell’Assunta con l’apertura ai visitatori della Chiesa chiusa da più di 50 anni

Archivio storico del Banco di Napoli: tutti i documenti che testimoniano i pagamenti agli artisti dei capolavori commissionati sono custoditi in questo antico archivio

Museo diocesano. Nella splendida e antica navata verrà ricostruita la processione con l’esposizione dei busti d’argento.

Giuseppe Pautiero - Squarci meccanici

2011-04-09T09:49:00.002+02:00

Basso suono inarticolato

Napoli - dall'otto aprile al 7 maggio 2011
Giuseppe Pautiero - Squarci meccanici

MUSEO MINIMO
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Via Detta San Vincenzo 3 (80125)
+39 081621170 , +39 081621170 (fax)
museominimo@virgilio.it
www.museominimo.it
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Eventi in corso nei dintorni
"...L’artista sembra voler strappare il “tessuto d’inganno” nel quale i media ci avvolgono, non per urlare la sua verità, ma solo per distruggere una menzogna.”
orario: lunedì, mercoledì ore 15-18/
martedì, giovedì e venerdì 9-12 / o appuntamento

(possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 8 aprile 2011. ore 18
curatori: Roberto Sanchez
autori: Giuseppe Pautiero
genere: arte contemporanea, personale

”L’arte, dall’intuizione della prospettiva fino ai giorni nostri, sembra essere attraversata dalla necessità di confrontarsi con la realtà, o per mimesis (modello e imitazione) o per poiesis (fare artistico).
Nella serie squarci meccanici, iniziata nel 1996, alla realtà che prescinde da ogni estetica, morale, religione, Pautiero unisce un desiderio di verità e una buona dose d’ironia: la tela, superficie pronta ad accogliere forme e colori, si anima di tagli, squarci, dai quali fuoriescono asettici circuiti elettrici che sembrano voler evidenziare la natura ormai standardizzata della realtà."

Desiderata Exquisita

2011-04-05T14:44:00.003+02:00

DESIDERATA EXQUISITA

L'Aquila - dal 5 al 27 aprile 2011
Desiderata Exquisita

ACCADEMIA DI BELLE ARTI
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Via Leonardo Da Vinci (67100)
+36 0862317360-80 , +39 0862317360 (fax)
info@accademiabellearti.laquila.it
www.accademiabellearti.laquila.it
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Eventi in corso nei dintorni
Questo progetto espositivo, cui partecipano studenti e professori dell’Università CES Felipe II di Aranjuez è ispirato dalla logica di montaggio dei Cadavres Exquis surrealisti.
orario: Tutti i mercoledì dalle 12 alle 18 oppure su appuntamento
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 5 aprile 2011. ore 12,30
catalogo: in galleria. a cura di Maria Jesús Abad, Anna Maiorano , Cristina Reggio
curatori: Maria Jesús Abad, Anna Maiorano, Cristina Reggio
patrocini: Ministero dell’Istruzione, dell’Università e della Ricerca Alta Formazione Artistica e Musicale, CEE, progetto Erasmus
genere: arte contemporanea, collettiva

Questo progetto espositivo, cui partecipano studenti e professori dell’Università CES Felipe II di Aranjuez è ispirato dalla logica di montaggio dei Cadavres Exquis surrealisti. Si vuole sperimentare una modalità produttiva in cui il risultato del lavoro di un gruppo superi le singole attribuzioni di ruolo, di gerarchia e di genere dei diversi autori, privilegiando piuttosto la connessione e la proliferazione delle forme e dei segni nella creazione di un pensiero e di un desiderio collettivo.

Furti in case rurali a Guardia Lombardi

2011-04-04T18:28:00.005+02:00

Guardia Lombardi (AV)

Il centro del paese è abitato da 770 anime, a circa 1000 mt. di altitudine.

Un paese tranquillo, dove lasci aperta la porta di casa e l'auto in strada.

Un paese accogliente, fraterno, dove vivi con tranquillità.

Un oasi felice.

Lontano dai frastuoni della grande città.

Dove tutti sanno di tutto, dove non esiste l'omertà.

____________________________________________________________________________

Da un periodo si stanno verificando strani e straordinari furti, cose che in Guardia non accadevano mai.

L'attuale Amministrazione Comunale in data 05/10/2010 ha inoltrato richiesta di controllo sul territorio per quanto riguarda la permanenza degli stranieri a Guardia, tanto, per i numerosi furti ed atti vandalici verificatosi sul territorio comunale.

Tale richiesta inoltrata alle seguenti autorità:

1) Forze dell'ordine competenti sul territorio.

2) Prefetto di Avellino.

A tutt'oggi, da tale richiesta, nessun riscontro documentato ed accertato;

tranne che i furti e gli atti vandalici continuano, maggiormente a danno delle case rurali.

Attendiamo riscontro a sei mesi di silenzio.

Roberto Coda Zabetta - Lavori Recenti

2011-04-03T10:04:00.002+02:00

Napoli - dal 2 al 25 aprile 2011
Roberto Coda Zabetta - Lavori Recenti

PAN - PALAZZO DELLE ARTI NAPOLI - PALAZZO ROCCELLA
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Via Dei Mille 60 (80121)
+39 0817958605 , +39 0817958608 (fax)
info@palazzoartinapoli.net
www.palazzoartinapoli.net
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Eventi in corso nei dintorni
L’idea di questa mostra nasce proprio mentre l’artista si trovava in Indonesia, nei giorni in cui il vulcano Merapi esplodeva, liberando in cielo una nube densa. Ed è stato in quel momento che lui ha legato idealmente l’immagine dell’energia del Merapi a quella del Vesuvio, foriero di morte ed al contempo di tensione vitale.
orario: feriali: 9.30 - 19.30 | festivi: 9.30 - 14.00 |chiuso il martedì
(possono variare, verificare sempre via telefono)

vernissage: 2 aprile 2011. ore 18
catalogo: in galleria.
editore: PAPARO
ufficio stampa: DELOS
curatori: Claudio Composti, Maria Savarese, Igor Zanti
autori: Roberto Coda Zabetta
note: in collaborazione con:
Galleria Poggiali e Forconi e mc2gallery
genere: arte contemporanea, personale
email: adelaide.auriemma@palazzoartinapoli.com

Dopo lo straordinario successo di Nuvole Sacre nello scorso luglio al Palazzo Reale di Milano, Roberto Coda Zabetta espone al PAN | Palazzo delle Arti Napoli Lavori Recenti, mostra a cura di Maria Savarese, Igor Zanti e Claudio Composti. Pittore e scultore, l’artista biellese, sin dal suo esordio sulla scena espositiva nazionale con un ciclo di lavori sui bambini morti nel genocidio in Ruanda, e con un altro sulla discriminazione razziale subita dagli albini africani, ha come oggetto della sua riflessione artistica il tema della sofferenza umana. Nei primi anni del Duemila inizia a produrre opere pittoriche di grandi dimensioni, in cui il volto umano diviene protagonista della sua ricerca, attraverso pennellate dense e materiche. Nei lavori esposti lo scorso luglio a Milano, Coda Zabetta si confronta, invece, con la tremenda catastrofe provocata dall’esplosione della bomba atomica di Hiroshima: una riflessione sul destino degli uomini quando, attraverso l’uso ed abuso della scienza e della tecnica, tentano di valicare i limiti della propria coscienza, generando tragedie. I Lavori Recenti di Coda Zabetta presentati al PAN sono la naturale evoluzione creativa del progetto milanese. L’artista, infatti, andando oltre la riflessione sulla tragicità dell’esplosione portatrice di morte, ora si sofferma su ciò che avviene immediatamente dopo, racconta l’ immagine che resta in seguito alla scomparsa di ogni segno vitale, concentrandosi sulla visione ultima di qualsiasi racconto esistito prima della completa sparizione. Il fumo, così, si trasforma in un intenso momento meditativo, traccia visiva dell’assenza: tra il fisico e l’incorporeo, ponte energetico tra cielo e terra, ciò che è visibile dell’intangibile, immagine del trascendente. L’idea di questa mostra nasce proprio mentre l’artista si trovava in Indonesia, nei giorni in cui il vulcano Merapi esplodeva, liberando in cielo una nube densa. Ed è stato in quel momento che lui ha legato idealmente l’immagine dell’energia del Merapi a quella del Vesuvio, foriero di morte ed al contempo di tensione vitale. Al Palazzo delle Arti di Napoli saranno esposti quindici dipinti, smalti su tela e per la prima volta la scultura, sia di medie che di grandi dimensioni, realizzata mischiando materiali poveri, ad altri tecnologicamente più evoluti: dalla gommapiuma, all’acciaio, fino alla resina.
Completerà il percorso espositivo un video inedito girato da Ferdinando Vicentini Orgnani e Alessandra Minini sulla vita dell’ artista. In occasione dell’anteprima stampa sarà presentato il catalogo pubblicato da PAPARO Edizioni, con testi critici di Claudio Composti, Maria Savarese, Igor Zanti.
Nota Biografica: Roberto Coda Zabetta nasce a Biella nel 1975. Dopo aver frequentato per diversi anni lo studio dell’artista Aldo Mondino, inizia a partecipare a mostre e ad alcuni concorsi per giovani artisti sia in Italia che all’estero. IDENTITÀ ANONIME (2000) è il suo primo catalogo, dedicato ai bambini morti nel genocidio in Ruanda. Nello stesso anno vince il Premio Passaggi a Nord-Ovest organizzato dalla Fondazione Pistoletto e dal Comune di Biella. Nel 2001 si stabilisce a Milano e inizia una serie di lavori: fondamentale sarà la sua amicizia con Alberto Fiz, Marina Mojana e Luca Beatrice. Vengono pubblicati: IN CODA (2003), PPP e COLORS (entrambi 2004). Segnalato dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo per la pubblicazione biografica sul dizionario Zanichelli, Roberto Coda Zabetta e' stato insignito, inoltre, di prestigiosi premi italiani: premio Arte-Fiera di Bologna, premio Giovani Artisti Miart 2003 e 2004, finalista del Premio Cairo Communications; selezionato, inoltre, per la Dena Foundation al Centre International d'Accueil et d'Echanges des Récollets di Parigi e per il BP Portrait Award 2006 di Londra. Tra il 2005 e il 2006 due importanti mostre: Palazzo Venezia e Teatro India, entrambe a Roma ed invitato alla Quadriennale a Palazzo Reale; viene pubblicato il catalogo curato da Robert C.Morgan, PSICHIC PERSONA edito da Charta. Nell'aprile 2008 la Indonesian National Gallery gli dedica una personale, che verrà seguita da esposizioni a Singapore, Honk Kong e Beijing. Nel 2009 inaugura a Palazzo Racani Arroni durante il Festival dei Due Mondi di Spoleto; è del luglio 2010 la mostra Nuvole Sacre ospitata a Palazzo Reale di Milano con il catalogo edito dal Sole 24 Ore Cultura. Vive e lavora tra Milano, Palazzo d’Arcevia (Ancona), Singapore, Bali.

Ennio Calabria - Nel farsi del presente

2011-04-03T10:01:00.002+02:00

E. Calabria- Chiaro di luna

Matera - dal 2 al 30 aprile 2011
Ennio Calabria - Nel farsi del presente

MEDIATECA PROVINCIALE - PALAZZO DELL’ANNUNZIATA
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Piazza Vittorio Veneto (75100)
+39 0835240481 , +39 0835240481 (fax)
info@mediatecamatera.it
www.mediatecamatera.it
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Eventi in corso nei dintorni
La mostra è composta da un’ articolata selezione di oltre 40 opere tra tele, disegni e pastelli, degli ultimi anni.
orario: Dal lunedì al giovedì dalle 9.00 alle 18.30 – Venerdì e sabato dalle 9.00 alle 13.30
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 2 aprile 2011. ore 19.30. Alla presenza del maestro
autori: Ennio Calabria
patrocini: della Regione Basilicata, della Provincia e del Comune di Matera
genere: arte contemporanea, personale
email: ritapedonesi@alice.it

Sabato 2 aprile 2011 alle ore 19.30 sarà inaugurata presso la Mediateca Provinciale, Palazzo dell’Annunziata a Matera, la mostra Nel farsi del presente del Maestro Ennio Calabria.

L’esposizione, con il patrocinio della Regione Basilicata, della Provincia e del Comune di Matera è composta da un’ articolata selezione di oltre 40 opere tra tele, disegni e pastelli, degli ultimi anni. Fra queste tele, alcune di grande formato, spiccano Il sogno del pescatore, la lava devia, Cade la spiaggia, il famoso ritratto “cristologico” di Pantani e alcuni ritratti appartenenti ad un ciclo più ampio dal titolo Un volto e il tempo. Ultimo fra questi, quello dedicato ad Elton John.
L’opera dell’Artista è da sempre caratterizzata da una ricerca fondata sulla necessità del rinnovamento del linguaggio pittorico in rapporto alle problematiche che riguardano la condizione mentale ed esistenziale dell’uomo contemporaneo. Calabria, ritenuto ormai uno dei più significativi artisti della pittura d’immagine europea compresa fra gli anni Sessanta e oggi, si distingue nel panorama artistico anche per la sua inscindibile relazione tra pensiero e pittura. È questo un aspetto centrale del suo processo creativo, che lo rende continuamente un attento e singolare testimone del suo tempo.
In riferimento alla sua attuale ricerca indicata dal titolo della mostra, l’artista dice: “Mi faccio carico della fase in cui la forma sta accadendo, considerando tale processo come il contenuto visivo di un immanente presente dell’intuizione.”

In catalogo, Pino Nicoletti scrive: “Fascinose stratificazioni di storia interiore con variazioni sempre nuove, genio inventivo, trasporto per il meraviglioso e le metamorfosi più imprevedibili, infaticabile lavoro di meditazione e selezione, di concentrazione e continuità. Profonda inquietudine, misterioso sentimento negli abissi dell’ignoto, romanticismo onirico e metafisico, confronto con la psicanalisi, ebbrezza cosmica, grande talento pittorici, infinita malinconia in un bisogno di raccontare e di comunicare. Sono questi gli aspetti più rilevanti di Ennio Calabria, uno dei più originali e seducenti artisti degli ultimi trent’anni.”
Rino Cardone aggiunge: “ In breve, possiamo dire che la lettura della realtà avviene, nel lavoro di Ennio Calabria, per effetto di un’azione estetica che si svolge (sul piano dell’uso manuale della matita e del pennello e del trattamento e della manipolazione stilistica della forma e della figura) dal “dentro al fuori” e non, viceversa, dal “fuori al dentro”. Si tratta, insomma, di un’azione estetica che si fonda non tanto, e non soltanto, sull’uso dell’occhio fisico, e quindi della pupilla, per osservare, per analizzare e per scandagliare la realtà della vita, ma che si serve, al contrario, dell’iride immateriale dello spirito per produrre, di conseguenza, sulla tela – attraverso il disegno e il colore – una sorta di prolungamento fisico, di genere ideale, dell’anima dell’individuo…”

Ttozoi - L’estetica delle Muffe

2011-03-26T08:25:00.003+01:00

luce trame vita

Napoli - dal 25 marzo al 30 aprile 2011
Ttozoi - L’estetica delle Muffe

ART 1307
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Rampe Sant'Antonio A Posillipo 104 (80122)
+39 081665456 , +39 3687302035
segreteria@art1307.com
www.Art1307.com
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Eventi in corso nei dintorni
Il retaggio dai movimenti Gutai, Fluxus, Action painting, Spazialismo, porta ad essere il duo TTozoi il vero erede del movimento “informale” che ha dominato tutto il ‘900
orario: da Martedì a Sabato su appuntamento
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 25 marzo 2011. ore 18,30/22,00
catalogo: in galleria.
curatori: Emanuale Emblema, Cynthia Penna
autori: Ttozoi
genere: arte contemporanea, personale

Dopo l’esordio al Castel dell’Ovo di Napoli nel Marzo 2010, si è aperto e ormai strutturato un cammino denso di produzione e significato per il duo TTozoi. Un percorso professionale velocissimo che segue il corso della loro stessa arte; che si dipana in un istante; la stessa istantaneità e repentinità del gesto che getta materia sulla tela: tutto si risolve nello spazio di un gesto; il tempo di una mano che affronta, aggredisce, accarezza la tela. Il retaggio dai movimenti Gutai, Fluxus, Espressionismo astratto, Action painting, Spazialismo, porta ad essere il duo Ttozoi il vero erede del movimento “informale” che ha dominato tutto il ‘900. Ed è così che vogliamo presentare questa mostra che ci piace pensare in termini ”di eredità”.
Le opere dei nostri saranno affiancate da quelle dei grandi predecessori informali a cominciare da due importanti esponenti del movimento giapponese Gutai: Shimamoto e Sumi per passare all’informale francese con Mathieu e finire al movimento italiano con Turcato, Vedova e il nostro campano Emblema.
Una carrellata tra storia e attualità a suggellare un’eredità pesante che il duo TTozoi ha voluto cogliere e far rivivere attraverso un procedimento nuovissimo e mai realizzato nelle arti visive: la creazione di un ‘opera pittorica attraverso la formazione e lo sviluppo di “muffe” sulla tela. Non si tratta qui di prendere a prestito una terminologia come il grande Burri fece negli anni ’50 per la realizzazione di alcune sue tele, bensì trattasi di una vera produzione di muffa sulla tela attraverso un procedimento complesso che unisce la gestualità dell’informale, la padronanza della materia gettata sulla tela, un’incubazione della stessa in cassa di plexiglass, un tempo di attesa in cui la Natura interviene anch’essa ad espletare il suo ruolo sull’opera.
Le “muffe” di TTozoi sono un processo creativo dell’uomo cui si affianca un processo creativo autonomo della Natura che, come in tutti i processi creativi di Questa, scivola dalle mani e dalla volontà umana, non è più gestibile da essa.
A quel punto all’artista rimane solo una scelta risolutiva: una volta messo in moto il processo creativo della Natura, lo può solo “Arrestare” anche qui in maniera inesorabile e definitiva, “uccidendolo”. Il “salvataggio” che l’artista opera in questo caso, è un salvataggio estetico: il momento topico è determinato dall’estetica “in purezza”, vale a dire dal momento preciso e sincronico in cui il processo creativo della Natura si fonde col processo creativo della mente umana e conduce di nuovo quella stessa mano ad operare un nuovo gesto di interruzione, di uccisione del procedimento naturale. La creazione della “bellezza” diviene così un percorso di vita e di morte: non vi è estetica senza vita, non vi è estetica senza morte. L’opera d’arte nasce, insomma, da una magia alchemica che coinvolge uomo e Natura.
I TTozoi, come alchimisti del 21° secolo, scardinano il sistema tradizionale di pittura, così come avevano fatto nel 20° i loro predecessori del movimento Informale, al fine di inaugurarne un altro in cui si instaura un nuovo rapporto di forze, costituito dal procedimento “naturale” che incide direttamente sull’opera d’arte e all’interno di essa. Un alternarsi di fisicità e razionalità, intelletto e corporeità. Un alternarsi incessante e sistemico tra uomo e Natura in un nuovo rapporto esistenziale che determina l’estetica e produce Bellezza.

Marco Demis - Altari

2011-03-26T08:19:00.002+01:00

Marco Demis, "senza titolo", Olio su tela cm 80 X 100, 2011

Vitulano (BN) - dal 26 marzo al 25 maggio 2011
Marco Demis - Altari

GIAMAART STUDIO
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Via Iadonisi 14 (82038)
+39 3398628853 , +39 3389565828
info@giamaartstudio.it
www.giamaartstudio.it
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Eventi in corso nei dintorni
La galleria GiaMaArt studio presenta “altari” mostra personale di Marco Demis che raccoglie un ciclo di opere recenti, insistendo sul motivo delle sue aristocratiche vergini dalla pelle nivea e dagli eleganti abiti retrò.
orario: da Martedì a Sabato ore 17-20 e per appuntamento.
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 26 marzo 2011. ore 19.00
catalogo: in galleria. edizioni GiaMaArt studio, testo di Ivan Quaroni
curatori: Ivan Quaroni
autori: Marco Demis
genere: arte contemporanea, personale

Sabato 26 marzo, la galleria GiaMaArt studio presenta “altari” mostra personale di Marco Demis che raccoglie un ciclo di opere recenti, insistendo sul motivo delle sue aristocratiche vergini dalla pelle nivea e dagli eleganti abiti retrò.
Il suo non è un lavoro attorno all’identità - poiché le sue bambole ne sono prive – e nemmeno sulla serialità. Piuttosto, esse svolgono la funzione di simulacri, idoli che non rimandano ad alcun significato ulteriore.
Baudrillard definisce il simulacro (eidôlon) una “verità che nasconde il fatto che non ne ha alcuna", mentre a proposito delle sue bambole Marco Demis parla di una “intima fissità, priva di referente”.
Nella pittura di Marco Demis la propensione tonale si sposa con la tradizione del disegno, secondo una linea che da Botticelli approda fino a Modigliani. Le figure disegnate dall’artista sono, infatti, perfettamente contornate, con linee che impediscono al soggetto di sconfinare atmosfericamente nello spazio circostante. Si tratta di una sensibilità che risponde all’esigenza di mantenere i soggetti nel campo dell’idealità, in una dimensione impalpabile, epifanica.
Il meccanismo attorno al quale ruota il linguaggio di Demis è quello dell’evocazione, intesa come pratica che sottende un’impalpabile rete di connessione tra le cose, qualcosa che “chiama” l’invisibile nella struttura del visibile. Evocazione significa, infatti, “chiamare fuori” o meglio “chiamare da fuori” qualcosa che suscita un senso d’insopprimibile nostalgia. Come gli altari e le are sacrificali, le immagini dipinte dall’artista sono soglie dimensionali, ambiguamente sospese tra il mondo materiale e quello immateriale. In questo limen non vi è possibilità di narrazione, ma solo pura potenzialità. Guardando queste figure ci è impossibile immaginare un racconto, delineare un episodio. Demis sembra occultare ogni traccia biografica, ogni segno di vissuto, congelando la rappresentazione in una sfera perfetta quanto l’Empireo dantesco. E tuttavia, questo regno d’immobilità ieratica sembra subire ora una lieve increspatura. Qualcosa finalmente imprime un moto ai corpi. Una sottile vibrazione percorre le linee degli idoli e le posture divengono più plastiche, sinuose, le figure si ammorbidiscono e infine si avverte, come nel mito di Pigmaglione, un anelito a trasmutare il simulacro in carne viva.

I Tammaro - Tre Generazioni a Confronto

2011-03-18T09:50:00.002+01:00

Antonio Tammaro - Giallo Napoli

Napoli - dal 18 al 26 marzo 2011
I Tammaro - Tre Generazioni a Confronto

AISTETIKA'
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Via Domenico Cimarosa 23 (80127)
Vomero
aistetika@hotmail.com
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Eventi in corso nei dintorni
Aistetikà ospita nel suo spazio espositivo una mostra di pittura dedicata a tre artisti (nonno, figlia e nipote) che espongono i propri lavori mettendo a diretto confronto tre generazioni diverse, ma legate da un unico vincolo che le caratterizza e le segna nel tempo: l'arte.
orario: matt. 11-13 ; pom. 17-19 ; chiuso sab e dom
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 18 marzo 2011. ore 18
curatori: Sergio Valerio Garzia
autori: Antonella Giordano, Antonio Tammaro, Tamara Tammaro
note: Finissage party: sabato 26 marzo ore 18
genere: arte contemporanea, collettiva

I Protagonisti della Mostra.

Antonio Tammaro.
Lo scultore e pittore Antonio Tammaro vive e lavora a Grosseto, ma nasce a Napoli il 26 luglio 1915. Nel 1937 si classifica primo per la scultura alla mostra Nazionale dei Littoriali di Trieste, e nel 1938 è presente alla mostra del Bicentenario dell'Accademia di Napoli con un'opera, ora patrimonio del museo di Capodimonte.
Dal 1952 al 1956 insegna al liceo Artistico di Napoli che lascia per dedicarsi a tempo pieno alle sue ricerche artistiche. L'impegno e l'entusiasmo con cui si vota al suo lavoro lo portano ad acquistare in breve una fama nazionale. Partecipa alla Quadriennale romana del 1955 e alla Biennale veneziana del 1956. Da allora le sue opere di pittura e scultura sono esposte in mostre in tutta Italia. Nel 1992 viene premiato da Argan con il Premio Petroselli per la pittura.

Tamara Tammaro.
Tamara Tammaro, figlia di Antonio, nasce a Roma nel 1943, dove compie i suoi studi all’Istituto d’Arte e poi all’Accademia delle Belle Arti. Con i titoli conseguiti insegna disegno professionale all'Istituto d'Arte Boccioni di Napoli. Nella sua carriera artistica ha partecipato a numerose mostre collettive e personali, mentre molte delle sue opere sono acquisite presso importanti collezioni pubbliche e private.

Antonella Giordano.
La giovane artista è nipote di Antonio e figlia di Tamara. Oltre che pittrice, è animatrice e curatrice di eventi, aggregando intorno a sè numerosi artisti. Rosario Pinto la descrive come "personalità ricca e vibratile.. una pittura friabile e profondamente godibile, presieduta da una qual sorta di ispirazione astrattizzante... attraverso una nervosa e scattante fulmineità di certi bagliori luministici, che conferiscono intensità spirituale ad una linea intrigantemente saettante..."

Luigi De Micco

curatore SERGIO VALERIO GARZIA
pubbliche relazioni CARMEN PALMIERI
accoglienza MARTINA RUFFO
marketing FLAVIA GARZIA

Anna Boschi - Post Scriptum

2011-03-06T09:14:00.003+01:00

Anna Boschi, part. IL VOLO DEL POETA, 2005

Forlì () - dal 6 al 22 marzo 2011
Anna Boschi - Post Scriptum

ORATORIO DI SAN SEBASTIANO
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Piazza Guido Da Montefeltro 249 (47100)
+39 0543712317 , +39 054330892 (fax)
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Eventi in corso nei dintorni
Questa mostra, nell'edizione del Centenario dell'8 Marzo, consegna ad una grande artista come Anna Boschi, il testimone di una rappresentazione che vede nel femminile l'elemento di distinzione e valore anche in campo artistico.
orario: tutti i giorni dalle 15,30 alle 19 (lunedì chiuso)
sabato e domenica dalle 10,30 alle 12,30 e dalle 15,30 alle 19
Martedì 8 marzo: aperta dalle 15 alle 19.
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 6 marzo 2011. ore 11
curatori: Angelamaria Golfarelli
autori: Anna Boschi
patrocini: dell’Assessorato alle Pari Opportunità e dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Forlì
note: Voluta e promossa come ogni anno dall'UDI in occasione della Festa della Donna
genere: arte contemporanea, personale
email: anna.boschi@teletu.it

Voluta e promossa come ogni anno dall'UDI in occasione della Festa della Donna, questa mostra, nell'edizione del Centenario dell'8 Marzo, consegna ad una grande artista come Anna Boschi, il testimone di una rappresentazione che vede nel femminile l'elemento di distinzione e valore anche in campo artistico.
Il titolo della mostra trae il suo significato da una locuzione latina che sta per “dopo lo scritto” e che, per nulla casuale, sottolinea l'importanza che questa postilla ha, a conclusione di una lettera, di uno scritto. Come specifica la curatrice infatti, “ciò che colpisce di più, è che, quando lo si scrive, chi lo fa non vuole indicare in realtà una dimenticanza, ma piuttosto quel qualcosa che si vuole evidenziare, confidando che segnalato come ultima informazione, non venga ignorato. Quasi un sottolineare con garbo e discrezione che a quelle ultime parole sono consegnate tutte le speranze di quanto ci sta veramente a cuore”. Ed è in questo senso che questa mostra agisce la sua reale accezione, attraversando il percorso artistico di Anna Boschi, in un periodo che va dal 1990 al 2010. Passando dalle serie Uni-versi alle serie Scritture, con soste volute sul Volo del Poeta e sull'Omaggio al poeta, (dedicato a Guillermo Deisler) fino ai lavori che manifestano senza equivoci i NO alla violenza, ai soprusi, alle discriminazioni.

Ángel Serrano Aroca - Il sogno di Julia

2011-03-05T07:59:00.003+01:00

Il sogno di Julia, cm 40x40, acrilico su tela

Cosenza - dal 5 al 25 marzo 2011
Ángel Serrano Aroca - Il sogno di Julia

GALLERIA D'ARTE LE MUSE
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Piazza Santa Teresa 8 (87100)
+39 098471412 , +39 098422018 (fax)
info@gallerialemuse.it
www.gallerialemuse.it
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Eventi in corso nei dintorni
L’Artista tramite la pittura cerca di rappresentare l’infanzia come una tappa essenziale dello sviluppo delle persone.Il mare influenza notevolmente la sua pittura forse per la provenienza da Valencia,città Mediterranea.
orario: da lunedì a sabato 10–13 e 17–20
domenica: 11–13

(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 5 marzo 2011. ore 18
curatori: Myriam Peluso
autori: Ángel Serrano Aroca
genere: giovane arte, personale

Ángel Serrano Aroca, nato a Valencia (Spagna) nel 1975, pittore, incisore e dottore in Ingegneria Chimica. Serrano comincia a disegnare e dipingere molto giovane.
A soli 6 anni vince il primo premio del concorso di disegno del Comune di Valencia - El Corte Inglés.
Ha studiato musica presso il Centro Musicale di Benimaclet ed il Conservatorio José Iturbi di Valencia.
Parla spagnolo, italiano, inglese e francese.
Finora, ha esposto le sue opere in musei e fiere di Spagna, Italia e Svizzera, come: Istituto Valenciano di Arte Moderno (IVAM), Museo Gustavo Maeztu di Navarra, Fondazione Fran Daurel di Barcellona, Museo Ibercaja Carmon Aznar (MICAZ) di Zaragoza, Museo del Presente di Rende, etc.
Attualmente, vive e lavora tra Cosenza (Italia) e Valencia (Spagna).

Cinzia Pellin - Pittura e femminilità

2011-02-20T11:25:00.003+01:00

Latina - dal 20 febbraio al 19 marzo 2011
Cinzia Pellin - Pittura e femminilità

GALLERIA CIVICA D'ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA - PALAZZO DELLA CULTURA
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Viale Umberto I 1 (04100)
+39 0773652600
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Eventi in corso nei dintorni
sesto appuntamento della Rassegna con l’artista Cinzia Pellin
orario: da martedì a venerdì dalle 10.00 alle 13.00 Ingresso Via Umberto I
pomeriggio da martedì a sabato dalle 17.00 alle 19.30 Ingresso laterale Via Oreste Leonardi
(possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 20 febbraio 2011. ore 19,00 Presentazione Vincenzo Scozzarella
catalogo: a cura di Vecchiato Art Galleries
curatori: Fabio D’Achille
autori: Cinzia Pellin
note: Nell'ambito di: MAD - Rassegna d’Arte Contemporanea, in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura
genere: arte contemporanea, personale
email: annamaria.acquafredda@gmail.com

MADanza a cura di Fabio D’Achille, in collaborazione con il Comune di Latina e Vincenzo Scozzarella Direttore Scientifico Della Galleria Civica d'Arte Contemporanea di Latina, presenta il sesto appuntamento della Rassegna con l’artista Cinzia Pellin

personale
“pittura e femminilità”
20 febbraio2011

VERNISSAGE
ore 19.00
dopo lo spettacolo di danza
“LOVE MACHINE”

L’ arte di narrare attraverso le tele l’universo femminile è la specificità di Cinzia Pellin, che riesce a carpire l’attenzione dell’osservatore con il suo stile inconfondibile.
E come afferma Mino Rossi: “Non è possibile affrontare l’arte di Cinzia Pellin senza fare riferimento alla rilevanza della luce nei suoi lavori, che sono tutti diretti a comunicare emozioni, cioè a creare rapporti tra Opera e Pubblico. La luce, infatti, è il luogo privilegiato dove possono avvenire incontri perché è lo spazio della chiarezza, della trasparenza, della luminosità. […] Le opere di Cinzia si collocano nei variabili giochi di luce e di ombra: il significato dell’espressione del viso, del movimento del corpo è segnato dal contrasto luce-ombra, luce-piani. Le fisionomie dei ritratti di donne, che si allineano in una sequenza senza fine, sono calcolati in modo tale da stagliare i loro tratti da una mimica estrapolata da incontri in luoghi virtuali con donne, cioè, che non si sono mai incontrate, ma che portano sui loro volti espressioni, i cui segni sono presenti nell’intera specie umana e che le rendono vive nella completa crudezza delle loro emozioni. Ciascun ritratto apre un nuovo e diverso scenario, in relazione allo sciame di emozioni che l’Artista desidera comunicare, così che essa sia leggibile e chiara nella sua luminosità. “

Di recente una sua opera “Vampire” è stata utilizzata come copertina per il libro di Fabio Mundadori

Sede Palazzo della Cultura
Periodo 20 febbraio 2011- 19 marzo 2011

Curatore Fabio D’Achille

Vernissage 20 febbraio2011 ore 19,00
“pittura e femminilità”

Presentazione Vincenzo Scozzarella

Catalogo a cura di Vecchiato Art Galleries

Presentazione del libro di Mino Rossi “Cinzia Pellin-Pittura e femminilità”
nel corso del vernissage sarà possibile acquistarlo
Accompagnamento
musicale Crocodile Rock Duo
Claudio Olimpio e Arcangelo Spina

Degustazione a cura di SVILUPPO HORECA

Uff. stampa e relazioni esterne Anna Maria Acquafredda

per informazioni: tel. 348.6612537 339.8883014
e-mail annamaria.acquafredda@gmail.com

orario da martedì a venerdì dalle 10.00 alle 13.00 Ingresso Via Umberto I
pomeriggio da martedì a sabato dalle 17.00 alle 19.30 Ingresso laterale Via Oreste Leonardi

Ingresso libero

Pinacoteca Comunale Galleria Civica d'Arte Modena e Contemporanea
Palazzo della Cultura via Umberto I, 41/ 43 LATINA

Biografia di Cinzia Pellin

Cinzia Pellin e’ nata a Velletri (Roma) il 19/07/1973. Ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Roma, diplomandosi con il massimo dei voti al corso di scenografia con il Prof. Vendittelli. “Cinzia Pellin porta avanti gia’ da qualche tempo un percorso teso ad analizzare sempre piu’ da vicino l’universo femminile: un viaggio di carattere interiore, un caleidoscopio ricco di fascino e seduzione, un pianeta sezionato in una miriade di schegge, che si avvicinano e si allontanano, nel gioco senza fine dell’esistenza.” (L. Guarino)
Mostre:
- 2008
Reggio Calabria “Ultimi dettagli” Personale, Galleria Arte oggi
Padova “Arte fiera” Vecchiato art galleries
Roma “Contemporanea per il domani” teatro sala Umberto
Verona “Artverona” Vecchiato art galleries
Latina “Solidarte” Galleria Lydia Palombo Scalzi
Catania “Arte fiera” Centro fieristico Le Ciminiere
- 2007
Padova “Ultimi dettagli” Personale, Galleria Zerokarati (Gruppo Vecchiato)
Bolzano “Kunstart”
Verona “Artverona” Vecchiato art galleries
Milano “Miart”
Genova “Arte Genova” Vecchiato art galleries
Segnalazione tra i finalisti del “Premio Arte 2007”
- 2006
Verona “Arte fiera” Vecchiato art galleries
Verona “Luxury & yacht” fiera del lusso
Milano “Miart” Vecchiato art galleries
Padova “Artefiera” Vecchiato art galleries
- 2005
Vicenza “Arte fiera di Vicenza” Galleria Vecchiato
“Catania Arte Fiera” Centro fieristico le ciminiere
- 2004
Vicenza “Arte fiera di Vicenza” Galleria Vecchiato
Padova “Arte fiera” Galleria Vecchiato
Latina “….la favola di sempre” Galleria Lydia Palumbo Scalzi
- 2003
Latina “Contemporanea 1945-2003” esposizione su invito, Palazzo M
Segnalazione tra i finalisti del “Premio Arte 2003”
- 2002
Forte dei Marmi (Lucca) “Quello che vedo” Galleria Vecchiato
Padova “Arte fiera” Galleria Vecchiato
- 2001
Neckarsulm (Germania) “Frammenta” Personale, Neckarsuim Bank
Genzano (Roma) “Schegge di femminilità” Personale, Centro d’arte contemporanea Luigi Montanarini
Segnalazione tra i finalisti del “Premio Arte 2001”
- 2000
Sabaudia (Latina) “Tra realtà e fantasia” Personale, Sala mostre biblioteca di Sabaudia
- 1999
Sanremo (Imperia) “Metti una canzone in cornice” Bottega d’arte Sanremo
Priverno (Latina) “Tra realtà e fantasia” Personale, Palazzo Comunale
Latina “Piazza Cultura” Esposizione su invito per evento culturale

Elis Wilk - Reveils

2011-02-15T18:35:00.001+01:00

Napoli - dal 15 al 28 febbraio 2011
Elis Wilk - Reveils

GALLERIA GINO RAMAGLIA
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Via Broggia 9/10 (80135)
+39 0815640738
info@ginoramaglia.it
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Eventi in corso nei dintorni
“Artisti in Vetrina“ Performance-mostra

orario: da martedì a sabato ore 10-14 e 16-20
(possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 15 febbraio 2011. ore 19.30
autori: Elis Wilk
genere: performance - happening, personale

Elise in Wonderland. La consonanza del nome dell’artista con la piccola
Alice di Carroll lascia affiorare altre inattese contiguità.
Il giardino fantastico della nouvelle Alice è Napoli: un singolare paese delle meraviglie che popola tanto isogni, quanto le veglie della nostra squilibrata poetessa francese. Ecco perché
Reveils: una parola che, tagliata male (Reve-ils), può provocare nubilanti overdosi
di catene oniriche, ambiguamente sospese su quel filo arancio dell’aurora, che
da un capo è legato al cupo imbroglio metamorfico della fase R.E.M., dall’altro
capo si confonde invece nella traslucida biacca della veglia mattutina.
Napoli come giardino fantastico:
un topos che rimanda alla sospensione edenica della
brigata del Decameron, ad una joie di matrice angioina (Elise direbbe, piuttosto,
un’ «angioina joì») che si ostina ancora ad aleggiare, come la bruma dell’alba (il
bianco dei suoi lavori), tra i cumuli di munnezza scamazzata dalle auto (le caotiche
macchie d’inchiostro della monotipìa)
e la pacata pazienza dei morti uccisi (il suo rosso tenace).
La spiritale brigata dei suoi personaggi racconta storie di leggerezza
e di trasformazioni, accoppiamenti ibridi e associazioni fantastiche.
Ricorre nei suoi disegni l’assillo onirico del doppio, rappresentato con copule di
ispirazione ovidiana o con fusioni del due-in-uno che evocano, con una non
comune leggerezza, le associazioni dada.
Il supporto dei suoi fantasmi è la carta
da parati: monotona e retro come la città che ha alimentato i suoi sogni. La tecnica,
quella della monotipìa, contribuisce perfettamente a rendere visibile la grassa
e fertile materia onirica partenopea.
Con una breve dimostrazione, la sera del 15
febbraio (h 19.30) l’artista accompagnerà gli spettatori nel suo Wonderland.

Mariarosaria Stigliano

2011-02-15T18:32:00.003+01:00

Avellino - dal 15 febbraio al 30 marzo 2011
Mariarosaria Stigliano

BANCA SELLA SUD ARDITI GALATI
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Corso Europa 8g (83100)
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Eventi in corso nei dintorni
In equilibrio tra realtà e sogno le opere di Mariarosaria Stigliano ci portano in atmosfere sospese, evanescenti ma riconoscibili, vicine e nello stesso tempo sfuggenti, inafferrabili.
orario: Lunedì al venerdì 8:30/13:30; 14:45/15:30
(possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 15 febbraio 2011.
curatori: MonnaLisa Salvati
autori: Mariarosaria Stigliano
telefono evento: +39 3204571690
genere: arte contemporanea, personale
email: monnalisa.salvati@tiscali.it
web: www.associazionestudio7.it

In equilibrio tra realtà e sogno le opere di Mariarosaria Stigliano ci portano in atmosfere sospese, evanescenti ma riconoscibili, vicine e nello stesso tempo sfuggenti, inafferrabili.
“Short Tales”, sono i racconti brevi, le piccole storie dal sapore deciso, che lasciano il tempo per pensare, per continuare a modo proprio il filo degli eventi proprio come le immagini che ci propone l'artista.
Una stanza, una vecchia fabbrica, una stazione o una strada affollata diventano il teatro in cui si svolge una suggestione, il fascino di un attimo rubato al tempo che passa, un semplice ma straordinario prodotto del quotidiano che non ci fermiamo più a guardare o che forse non riusciamo più a vedere.
Ma lo abbiamo mai visto? O forse fa parte del nostro immaginario? E se lo abbiamo solo sognato perchè ci è così familiare?

Orari di apertura Lun/Ven. 8:30/13:30 – 14:30/15:30

Ingresso libero

Info evento cell.320.4571690

Ufficio Stampa Studio7.it www.associazionestudio7.it

Curatore MonnaLisa Salvati

Artista Mariarosaria Stigliano

Biografia
Mariarosaria Stigliano nasce a Taranto nel 1973. Si Laurea in Legge presso l’Università La Sapienza di Roma ed il seguito consegue le seconda Laurea in Pittura nell’Accademia di Belle Arti di Roma. Espone in diverse sedi in italia ed all'estero. Vince nel 2007 il Premio Internazionale MassenzioArte (Roma). Nel 2009 in occasione della personale Urban Passengers, presso la galleria The New Ars Italica (Milano), sue opere vengono scelte dalle Ferrovie Nord di Milano come alcune tra le proprie immagini più rappresentative. Nel 2010 è selezionata a prendere parte a tre importanti Premi: In Opera, a cura di Antonio Paolucci (Direttore dei musei Vaticani), il Premio Vasto, a cura di Daniela Madonna ed il Premio Sulmona, presieduto da Vittorio Sgarbi.
Inizia il 2011 partecipando al programma RAI Art News di Rai 3 dove viene intervistata sulla sua attività artistica e contemporaneamente realizza un'opera pittorica. Il making of dell'opera e la puntata sono visibili nei siti di Rai Art News.

PARCO VANVITELLIANO DEL FUSARO vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
(80070)
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Eventi in corso nei dintorni
Presso la Casina Vanvitelliana del Fusaro, la mostra inaugura Art Explosion

biglietti: free admittance
vernissage: 21 ottobre 2011. ore 18.30
curatori: Alessandro Mantovani
autori: Kayone, Borrelli, Flycat, Gattonero, Kase, Koso, Led,Leo, Maxgatto, Pogliaghi, Raffo, Slork, Tawa
genere: giovane arte, collettiva
email: comunicazione@artexplosion.it
web: www.artexplosion.it

STUDIO D'ARTE LE MUSE vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Toledo 272 (80134)
+39 0816583303 , +39 3408222584
studiolemuse@gmail.com
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Eventi in corso nei dintorni
Le opere di Stefania Salti sono frutto di un viaggio lungo una vita con passaggi temporali oltre che stilistici, attraverso una materia che da densa e corpulenta nei dipinti, si trasforma in elemento impalpabile e rarefatto negli acquerelli.
orario: da lunedì a venerdì dalle 17 alle 20 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 27 maggio 2011. ore 18.30
curatori: Maria Antonietta Roselli, Joanna Irena Wrobel
autori: Stefania Salti
note: presentazione: Lucia De Cristofaro
genere: arte contemporanea, personale La prima personale dell’ artista ravennate Stefania Salti presso lo Studio d’ Arte LE MUSE di Napoli, si inaugurerà venerdì 27 maggio, ore 18.30, con la presentazione di Lucia De Cristofaro, giornalista e direttore del mensile Albatros Magazine. La mostra sarà visitabile fino al 14 giugno 2011. Le opere di Stefania Salti, artista poliedrica e cittadina del mondo, sono frutto di un viaggio lungo una vita, alla continua ricerca di un’ arte incentrata sulle molteplici possibilità espressive dei mezzi adoperati, con passaggi temporali oltre che stilistici, attraverso una materia che da densa e corpulenta nei dipinti, si trasforma in elemento impalpabile e rarefatto negli acquerelli. La Salti, da sempre attratta dal mutare della natura, instaura un saldo contatto / dialogo con l’ ambiente circostante, traducendo le proprie emozioni in paesaggi interiori dove addentrarsi poco alla volta, assaporando lentamente le sfumature straordinarie, le superfici tridimensionali e scabrose, la materia densa ed elaborata. Le opere dall’atmosfera rarefatta e sospesa, invitano alla riflessione e alla lettura approfondita. Inestricabili grovigli di segni pittorici, fanno scorgere ed intuire un universo magico e sconosciuto. Un mondo misterioso, nel quale perdersi, per ritrovare le nuove realtà e le nuove sensazioni. Un percorso di ricerca orientato a cogliere dietro all’ aspetto abituale e reale la sostanza poetica con risultati di autentica originalità. Il critico Alessandro Sibilia scrive dell’artista: “Quella della Salti è una forma di semi-astrazione lirica, volendo sottolineare con questo la presenza nelle tele di ingredienti che pur nell’assenza della figura, riconducono inevitabilmente ad orizzonti e scenari a carattere naturale: sono paesaggi, frammenti di natura trattatati con una sostanza che a sua volta esalta ancora di più il carattere terroso od aereo delle immagini. La visione paesaggistica dell’artista si sta spingendo a rintracciare dentro di sé, piuttosto che fuori, quegli ingredienti che vanno infine a comporre la veduta. In un certo senso la sensibilità della Salti rintraccia nei propri dubbi ed emozioni lo scatenarsi di quegli elementi naturali da cui è sempre stata attratta, traducendoli così in paesaggi dell’animo o stati atmosferici interiori. L’opera è in questo modo il punto di incontro dell’osservazione sia fenomenica che psicologica della realtà.” ( CAJO )

CASTELLO CARLO V vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Viale Xxv Luglio (73100)
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Eventi in corso nei dintorni
L’Associazione “Architetti in Arte”, rivolta alla conoscenza del patrimonio individuale degli architetti che si applicano nelle arti visive, presenta all’attenzione del pubblico, per il secondo anno consecutivo dalla nascita, un nutrito gruppo di professionisti impegnato in pittura, fotografia e design
orario: mattina 9.00-13.00, pomeriggio 16,30-19,00 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 14 maggio 2011. h 19
catalogo: Editore Associazione Architetti in Arte, Direttore Antonio Pellegrino, Redazione “Architetti in Arte
autori: Romano Alcide Rizzo, Antonio Bramato, Nunzio Caricato, Paolo Casicci, Sergio Catalano, Pietro Centonze,Laura Cera, Luigi Chiriacò, Fabiana Cicirillo, Marcello Congedo, Salvatore Coroneo, Carpentieri e Architetti, Nicola Elia, Angelica Foscarini, Gianni Francia, Antonio Galati,Lorenzo Gemma, Fabrizio Ghio, Daniele Giordano, Antonio Giuppa, Paola Ianni, Silvana Inguscio, Stefano Leopizzi,Guido Lommi, Eugenia Minerva, Mauro Mogetti, Clorinda Pagano, Michele Pagano/Maria Forleo/Elena Rizzo, Antonio Pellegrino, Dario Russo, Gianluigi Russo, Alessio Sacquegna,Giovanni Scanderebech, Silvia Scoditti/Patrizia Marzo/Ada Mazzei, Luana Selmi, Gianna Spirito, Dedalo Studio, Piero Surdo, Toto Tommasi, Gianluca Vetrugno
telefono evento: +39 3477246249
note: Regione Puglia, Provincia di Lecce, Comune di Lecce, Ordine Architetti PP&C di Lecce, Accademia di BB AA di Lecce
genere: architettura, collettiva
email: anpelle@yahoo.it

GALLERIA SPAZIOSEI vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Sant'Anna 6 (70043)
+39 080802903 , +39 3396162515
spaziosei@alice.it
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Eventi in corso nei dintorni
Opere ricche di narrazione e sorprese metaforiche, che consentono la lettura del rapporto fra la soggettività, la storia, il tempo.
orario: da martedì a sabato ore 17.30- 21.00 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 14 maggio 2011. ore 19.30
catalogo: in galleria.
curatori: Mina Tarantino
autori: Nicola Liberatore
patrocini: Regione Puglia Città di Monopoli
genere: arte contemporanea, personale Sabato 14 maggio 2011, alle ore 19.30, negli spazi espositivi della Galleria SPAZIOSEI di Monopoli, sarà inaugurata la mostra personale “narrazioni” del Maestro Nicola LIBERATORE, a cura di Mina TARANTINO. Nicola LIBERATORE, nato a S. Marco in Lamis, sul Gargano, vive e lavora a Foggia. Negli anni ’70 frequenta l’Accademia di Belle Arti e si abilita all’insegnamento in Disegno e Storia dell’Arte; dal 1984 è tra gli artisti del Laboratorio Artivisive di Foggia e collabora alle iniziative di Spazio55 -arte contemporanea- di Foggia. La sua attività espositiva, iniziata nel 1979 e sviluppatasi attraverso itinerari svolti da Nord a Sud, ha fatto sì che la sua arte fosse conosciuta in tutto il territorio nazionale, riscuotendo un costante e crescente apprezzamento da parte della critica più raffinata. Numerose sono le sue opere che figurano in musei e collezioni pubbliche e private. La mostra “narrazioni” presenta opere che, come racconta lo stesso Liberatore, sono «ottenute per interazione, per stratificazione, per strappi di fragili reperti estratti dalla memoria che si articolano intorno alla riflessione sul tempo e sulla “ricerca di una spiritualità più ampia per il nostro lacerato presente”. Reperti che restituiscono altri significati al mio percorso espressivo come “arte della crisi/crisi dell’uomo”. “Confeziono” opere ricche di narrazione e sorprese metaforiche, che consentono la lettura del rapporto fra la soggettività, la storia, il tempo. Dalla stratificazione di stoffe, merletti, carte, dalla materia slabbrata e tra pastosità cromatiche di pigmenti, emergono segni, reperti, scritture, sindoni, “ sembianze di donne e madonne, sante e regine”, icone minimali avvolte da garze e veli, che rendono le opere enigmatiche, impalpabili e introspettive e che solo la memoria può custodire ben oltre lo scorrere del tempo». Santa FIZZAROTTI SELVAGGI, critico d’arte, scrive di lui in catalogo: «Nicola Liberatore ritrova l’antica dignità della parola pittorica ponendo in scena il senso del mistero che accompagna la storia dell’umanità. La questione delle origini ritrova le sue radici nel percorso di questo sentiero. Nella notte dei tempi forse l'emozione divenne gesto, il gesto si tramutò in suono, il suono si trasformò in parola e musica. Nacque il segno che generò la scrittura. I graffiti sulle pareti delle grotte di Altamira o Porto Badisco, come in altri luoghi del nostro pianeta, sono la rappresentazione del desiderio di lasciare traccia di sé nel mondo. Noi pensiamo per immagini che volta per volta si fanno linguaggio condivisibile delle arti. Ritrovare la memoria, in questo caso, significa riscoprire quella terra lontana, tutto ciò che è stato, le prime sensazioni, le prime percezioni di una realtà Altra i cui confini sono sfuggenti e indefinibili. Non a caso Nicola Liberatore afferma che ci restituisce attraverso le sue Opere: “fragili reperti estratti dalla memoria che si articolano intorno alla riflessione sul tempo e sulla “ricerca di una spiritualità più ampia per il nostro lacerato presente”.

CHANGING ROLE - HOME GALLERY vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Foria 106 (80137)
+39 08119575958
infogallery@changingrole.com
www.changingrole.com
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Eventi in corso nei dintorni
L’artista presenta una nuova serie di immagini espressamente prodotte e pensate per gli spazi di Changing Role. Attraverso un ingegno manuale, ossia una superficie riflettente di fogli di alluminio, Padovani ritrae le figure, prevalentemente femminili.
orario: Martedì-Venerdì 12.00/18.00 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 29 aprile 2011. ore 18.30
catalogo: in galleria.
autori: Francesco Padovani
genere: fotografia, arte contemporanea, personale Venerdì 29 Aprile 2011, dalle ore 18.30, presso la galleria CHANGING ROLE/Napoli, inaugura la mostra “The soul of my soul”, personale di Francesco Padovani, a cura di Guido Cabib. L’artista presenta una nuova serie di immagini espressamente prodotte e pensate per gli spazi di Changing Role. Attraverso un ingegno manuale, ossia una superficie riflettente di fogli di alluminio, Padovani ritrae le figure, prevalentemente femminili. Gli scatti di Francesco Padovani, con grande raffinatezza, scavano e mostrano le pulsioni dell’inconscio dell’essere femminile con occhio maschile, ma con una sensibilità del tutto femminile, e questo è già inusuale. Egli mostra l’anima femminile nel suo profondo, nella parte più amata dall’uomo, quella a cui da sempre esso anela, quel misto di grazia, erotismo e protezione. Nella storia dell’arte è quasi impossibile trovare -nella ritrattistica- donne, nobili o popolane, che occultano la loro essenza, il loro spirito. Oggi,dopo l’emancipazione e nella realtà quotidiana, la loro anima è forzatamente occultata, come se la loro identità femminile fosse di fatto celata agli occhi dei più. Nell’era contemporanea le donne soffrono ancora delle privazioni; in tantissimi luoghi esse sono ancora schiave oppresse che hanno rinunciato alla propria essenza, al “daimon” femminile. Francesco, con la sua maturità di uomo adulto, le ritrae alla ricerca della via di risoluzione: la conciliazione tra i ruoli che la società civile in qualche modo gli impone e il loro spirito essenziale ed unico. L’essenza femminile, negli scatti di Padovani, accetta quest’occultamento, ma, allo stesso modo, lo allontana per mostrare e mostrarsi, lo accetta per difendersi. Noi percepiamo i sospiri e le pene che quest’occultamento procura alla loro meravigliosa spiritualità e grandezza. L’occhio dell‘artista ci restituisce un sentimento che si ribella alla bellezza moderna, artificiosa e decadente, riconquistando alla vista ed al cuore il diritto di immergersi nella bellezza originaria ed incorrotta della natura, con un senso di nostalgia melanconica del “buon selvaggio” per la fanciulla spontanea, che è propria della donna. Francesco Padovani (1952) vive e lavora a Lugano (CH). SELEZIONE MOSTRE PERSONALI: 2011 Napoli, The soul of my soul, a cura di/curated by Guido Cabib Changing Role; Napoli, Le parenti di San Gennaro, Museo del Tesoro di San Gennaro; Milano, Women’s Virtues, Spazio Guicciardini; New York, Dancing Angels, Broadway Ballroom Gallery; 2009 Lugano, 1.0 Project, a cura di/curated by Igor Zanti, Galleria Barbara Mahler.

BIBLIOTECA COMUNALE - BIBLIOTECA DI CULTURA VESUVIANA vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Cavalli Di Bronzo 20 (80046)
+39 0815654354
bibliotecasangiorgio@live.it
www.bibliotecasangiorgio.it
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Eventi in corso nei dintorni
icone affiorano appena sotto la superficie delle paste; quasi indistinte nella forma, sotto il ductus intricato delle spatole, che complica la struttura dei dipinti (dal testo critico di L. Gaeta e M. Guastella)
orario: dal martedì al venerdì dalle 9.30 alle13.30 e dalle 14.30 alle 18.00 il sabato dalle 9.30 alle 13.30 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 30 aprile 2011. ore 17.00
curatori: Oriana Russo
autori: Giancarlo Brugnano
patrocini: Città di San Giorgio a Cremano
genere: arte contemporanea, personale “come la gallina nella stoppa” in mostra le opere di Giancarlo Brugnano presso la Biblioteca Comunale della Città di San Giorgio a Cremano San Giorgio a Cremano, sabato 30 aprile 2011, ore 17.30 - presso la Biblioteca Comunale in Villa Bruno sarà inaugurata la mostra “come la gallina nella stoppa”, un percorso pittorico di Giancarlo Brugnano, in mostra fino al 14 maggio. L'evento rientra nell’ambito del programma di animazione bibliotecaria promosso dall’Amministrazione Comunale di San Giorgio a Cremano attraverso l'Assessorato alla Biblioteca guidato da Luigi Velotta con l'ausilio dell’Ass. Lineadarco che ne supporta l’organizzazione dei servizi bibliotecari. “icone affiorano appena sotto la superficie delle paste; quasi indistinte nella forma, sotto il ductus intricato delle spatole, che complica la struttura dei dipinti. Rappresentazioni ridotte all'essenziale, scarne, ai limiti dell'astrazione. Una atmosfera inclemente asfissia corpi, volti, maschere, oggetti immagini nei viraggi delle tonalità più cupe e tenebrose” (dal testo critico di L. Gaeta e M. Guastella)

GALLERIA ORIZZONTI ARTE vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Largo Giovanni Lanza 24 (72017)
+39 3488032506
info@orizzontiarte.it
www.orizzontiarte.it
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Eventi in corso nei dintorni
La mostra sottende un lungimirante e significativo excursus attraverso una selezione di opere di arte LATINO AMERICANA circoscritta ad una generazione di nuovi pittori in simbiosi con ARTISTI ITALIANI ED EUROPEI, fino alle tendenze più innovative di sviluppo pittorico e concettuale.
orario: Palazzo Beltrani - Trani giorni feriali 11-13 / 18-20 giorni festivi e prefestivi chiusura 20.30 chiuso il lunedì Ingresso gratuito (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 30 aprile 2011. ore 18.00
curatori: Gabriella Damiani, Antonino Di Carlo
autori: Aguedo Alonso, Luca Bellandi, Lara Bobbio, Corrado Bove, Renato Buttazzo, Alejandro Casanova, Barbara Di Domizio, Humberto Diaz, Reynier Ferrer, Gianmaria Giannetti, Eduardo Gonzales, Tommaso Lacalamita, Julio Larramendi, Carlos Llanes, Alessandro Loglisci, Roberto Martinez, Noel Morera, Cosme Proenza, Ximo Sanchez,Kender Santiago, Jorge Santos, Max Solinas, Armando Tejuca, Julia Valdes, Antonio Vidal, Alberto Zamboni
genere: arte contemporanea, collettiva CONTAMINAZIONI A LEVANTE La prima rassegna itinerante “OLTRE IL MEDITERRANEO 2011”, vive una straordinaria fase di apertura stagionale nel Palazzo delle Arti Beltrani di Trani, segnando un creativo e originale itinerario, costruito da esperienze ed evoluzioni dinamiche con i linguaggi della pittura, scultura, video ed installazioni. La mostra tesa a richiamare l’attualità dei contenuti, parallelamente nel confronto culturale, sottende un lungimirante e significativo excursus attraverso una selezione di opere di arte LATINO AMERICANA circoscritta ad una generazione di nuovi pittori in simbiosi con ARTISTI ITALIANI ED EUROPEI, fino alle tendenze più innovative di sviluppo pittorico e concettuale. Dunque un percorso parallelo a quelle Tendenze che dagli anni ottanta propongono opere volte a rappresentare con un chiaro interesse al recupero della figurazione , la creatività astratto-informale e concettuale insieme. Si scorgono così tratti di espressionismo, astrattismo e materismo informale, fino a raggiungere la pop-art, la video-art, ma anche aspetti di originalità circoscritta al lavoro di una generazione di giovani artisti, svincolati da logiche accademiche nella pertinenza occidentale, naturalmente sulla scia della tradizione/innovazione, aperta alla globalizzazione/integrazione.

MADRE - MUSEO D'ARTE DONNA REGINA vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Luigi Settembrini 79 (80139)
+39 08119313016
www.museomadre.it
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Eventi in corso nei dintorni
E' questa idea di illimitato che l'artista cerca di indurre nello spettatore: la credenza che la sofferenza umana non avrà mai fine. Da qui, il titolo del lavoro: Repetition is Truth (la ripetizione è verità).

vernissage: 16 aprile 2011.
catalogo: in galleria.
ufficio stampa: pressroom@museomadre.it
curatori: Mario Codognato
autori: Rachel Howard
note: La mostra è stata realizzata interamente grazie alla generosità e al supporto di Blain\|Southern.
genere: arte contemporanea, personale Via Dolorosa, dal latino “via crucis”, è il nome di una strada all'interno della Città Vecchia di Gerusalemme che si crede sia stata percorsa da Gesù, caricato della croce, lungo il tragitto verso il Golgota. E' altresì il nome delle 14 stazioni della Via Crucis che ricostruiscono le sue ultime ore di vita. Se il referimento dei 14 dipinti della Howard a La Passione è chiaro, la creazione della serie è stata originariamente influenzata da una delle fotografie più scioccanti scattate nel campo di prigionia a Abu Ghraib in Irak, dove i prigionieri subuivano regolamente torture e umiliazioni da parte dell'esercito Americano, così come riportato dai media. L'immagine in questione riproduce un prigioniero in piedi in una cassa, col capo coperto, legato con elettrodi. Pertanto, la cassa diviene l'equivalente moderno della Croce – strumento di umiliazione e tortura. I dipinti di Rachel Howard si presentano come fluidi, dando vita a un viaggio metafisico tra astrazione e figurazione; si offrono come strumento di riflessione dei reati contro l'universalità dei diritti umani e la capacità insita negli essere umani di infliggere crudeltà gli uni agli altri. Il critico e curatore Joachim Pissarro ha definito la serie “sublime”, in linea con la Critica del Giudizio kantiana: “Sublime è ciò in cui l'immaginazione viene dall'oggetto a tal punto estesa, che la misura usuale non è più sufficiente a comprenderlo”, eppure, come tale - è parte di una totalità . E' questa idea di illimitato che l'artista cerca di indurre nello spettatore: la credenza che la sofferenza umana non avrà mai fine. Da qui, il titolo del lavoro: Repetition is Truth (la ripetizione è verità). La mostra è stata realizzata interamente grazie alla generosità e al supporto di Blain\|Southern. Note: Rachel Howard è nata nella Contea di Durham nel 1969 e si è diplomata al Goldsmiths College di Londra nel 1992. Mostre Personali: Still Life / Still Here, Rachel Howard, New Paintings, Sala Pelaires, Palma de Mallorca, Spagna, 2011; Human Shrapnel – oil drawings on paper, Other Criteria, Londra, 2010; Der Wald, Haunch of Venison, Zurigo, 2009; Portraits, Museum van Loon, Amsterdam; How to Disappear Completely, Haunch of Venison, Londra, 2008; Rachel Howard, New Paintings, Gagosian Gallery, Los Angeles; Fiction/Fear/Fact, Bohen Foundation, New York, 2007. I lavori di Rachel Howard sono stati acquisiti da numerosi collezioni publiche e private. Tra queste: Ackland Art Museum, Carolina del Nord; Museum van Loon, Amsterdam; Goss-Michael Foundation, Dallas; CCA Andratx, Spagna, La Collezione Murderme e la Collezione Hiscox.

EIDOSTUDIO vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Giuseppe Ferrigni 20 (80121)
+39 0817641370
eidostudio.aef@gmail.com
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Eventi in corso nei dintorni
Alessandro Narciso mette su tela quelli che ritiene essere i particolari che caratterizzano la sua città, Napoli: sono segni che nei secoli sono stati prodotti dagli uomini o dalla natura e che da sempre identificano nel mondo e nella memoria della gente la città di Napoli.

vernissage: 15 aprile 2011. ore 19-21
ufficio stampa: MFL COMUNICAZIONE
autori: Alessandro Narciso
genere: arte contemporanea, personale
web: www.arteritivo.it NAPOLI…SEGNI PARTICOLARI di ALESSANDRO NARCISO per l’appuntamento di aprile con L’ARTERITIVO di Francesca Maione negli spazi dell’EIDOSTUDIO di Napoli “Visioni, colori e nuove forme per raccontare la cultura dei napoletani…” NAPOLI…SEGNI PARTICOLARI è il titolo della nuova mostra protagonista de L’ARTERITIVO di Francesca Maione! Torna puntuale l’appuntamento curato dall’architetto e designer di interni Francesca Maione, ospitato negli spazi del suo EIDOSTUDIO di Napoli. Come ogni terzo venerdì del mese, lo space della Maione [in Via Ferrigni, nel quartiere Chiaja] ospita una mostra personale e una degustazione di aperitivi d’autore. Il nuovo appuntamento è per VENERDÌ 15 APRILE 2011 (DALLE ORE 19.00 ALLE ORE 21.00) con il vernissage di apertura della mostra NAPOLI…SEGNI PARTICOLARI di ALESSANDRO NARCISO. Alessandro Narciso nasce a Napoli nel 1966: esperto di comunicazione digitale, Narciso realizza la rivista nP Magazine, un magazine che racconta di moda, lifestyle, arte e design e che gli ha permesso – nel corso degli anni – di incontrare diversi artisti e designer italiani e stranieri, di conoscerli e farsi conoscere. La sua passione per l’arte contemporanea e per il design lo ha spinto ad avvicinarsi da autodidatta al mondo della pittura, realtà in cui sperimenta un gusto personale del tutto originale. Con NAPOLI…SEGNI PARTICOLARI, Alessandro Narciso mette su tela quelli che ritiene essere i particolari che caratterizzano la sua città, Napoli: sono segni che nei secoli sono stati prodotti dagli uomini o dalla natura e che da sempre identificano nel mondo e nella memoria della gente la città di Napoli. Il risultato sulla tela è una visione astratta – sia nei colori che nelle forme – di un percorso fatto di particolari del folklore e della superstizione popolare, e di punti-chiave della città. Il vernissage di venerdì 15 aprile 2011 sarà accompagnato dalle note del cantautore Marco Francini (chitarra e voce) e Edo Puccini (chitarra e mandolino): un live-set interamente dedicato alle canzoni che sono entrate nella leggenda della musica napoletana, dal XIX secolo ad oggi.

BANCA SELLA SUD ARDITI GALATI vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Corso Europa 8g (83100)
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Eventi in corso nei dintorni
Le opere di tre illustratori, con provenienza geografica, età e percorso artistico differente, saranno protagoniste della edizione campana “In Fabula”, la collettiva di pittura che propone come fil rouge la favola.
orario: Lunedì al venerdì 8:30/13:30; 14:45/15:30 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 15 aprile 2011.
curatori: MonnaLisa Salvati
autori: Enrica Pizzicori, Marinella Sorge, Luca Vannozzi
telefono evento: +39 3204571690
genere: arte contemporanea, collettiva
email: monnalisa.salvati@tiscali.it
web: www.associazionestudio7.it Le opere di tre illustratori, con provenienza geografica, età e percorso artistico differente, saranno protagoniste della edizione campana “In Fabula”, la collettiva di pittura che propone come fil rouge la favola. Enrica Pizzicori, illustratrice toscana, già conosciuta nel territorio campano, presenta per questo progetto una nuova produzione fatta di personaggi inventati e creati dalla sua fantasia. Le opere, tecnica mista su tela, sono il risultato della contaminazione con la narrazione, sono immagini che attingono dal ricordo delle letture infantili, e sprigionano la magia tipica dei libri dell’infanzia in quanto per l’Artista l’immagine è subordinata al racconto. Prima esposizione in Campania per Marinella Sorge le cui opere si caratterizzano per la schiettezza e la nitidezza dello stile e per la capacità descrittiva dei personaggi raccontati. Protagonisti delle sue tele sono quasi sempre personaggi femminili dall’aria dolce e malinconica con un caratterizzante lato oscuro. Prendendo spunto e ispirazione dall'immaginario iconografico delle fiabe e della letteratura, dalla corrente pop-surrealista degli anni '90, dalla passione per la cultura Rock'n'Roll dagli anni '60 ad oggi, Marinella Sorge crea immagini ricche di simbolismi, di delicatezza estrema e ugualmente di forte impatto, in cui malinconia, contrasto e sogno si scontrano e si fondano, metafore di emozioni, paure e sentimenti che si agitano nel nostro animo. L’inconfondibile stile di Luca Vannozzi, geniale illustratore reatino, continua a destare stupore e meraviglia nello spettatore che si avvicina con curiosità per addentrarsi nel ginepraio dei suoi racconti, dipinti su carta con la tecnica dell’acquerello. Ci si tuffa in un mondo popoloso e popolato da buffi personaggi in continuo movimento, dal volto sorridente e/o invitante al sorriso, in un turbinio di comuni azioni quotidiane vissute come una grande avventura perché in fondo il messaggio che vuole infondere Vannozzi è proprio quello di vivere la vita con la giusta leggerezza e recuperare nella profondità del cuore il disincanto.

ACCADEMIA DI BELLE ARTI vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Leonardo Da Vinci (67100)
+36 0862317360-80 , +39 0862317360 (fax)
info@accademiabellearti.laquila.it
www.accademiabellearti.laquila.it
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Eventi in corso nei dintorni
Questo progetto espositivo, cui partecipano studenti e professori dell’Università CES Felipe II di Aranjuez è ispirato dalla logica di montaggio dei Cadavres Exquis surrealisti.
orario: Tutti i mercoledì dalle 12 alle 18 oppure su appuntamento (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 5 aprile 2011. ore 12,30
catalogo: in galleria. a cura di Maria Jesús Abad, Anna Maiorano , Cristina Reggio
curatori: Maria Jesús Abad, Anna Maiorano, Cristina Reggio
patrocini: Ministero dell’Istruzione, dell’Università e della Ricerca Alta Formazione Artistica e Musicale, CEE, progetto Erasmus
genere: arte contemporanea, collettiva Questo progetto espositivo, cui partecipano studenti e professori dell’Università CES Felipe II di Aranjuez è ispirato dalla logica di montaggio dei Cadavres Exquis surrealisti. Si vuole sperimentare una modalità produttiva in cui il risultato del lavoro di un gruppo superi le singole attribuzioni di ruolo, di gerarchia e di genere dei diversi autori, privilegiando piuttosto la connessione e la proliferazione delle forme e dei segni nella creazione di un pensiero e di un desiderio collettivo.

PAN - PALAZZO DELLE ARTI NAPOLI - PALAZZO ROCCELLA vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Dei Mille 60 (80121)
+39 0817958605 , +39 0817958608 (fax)
info@palazzoartinapoli.net
www.palazzoartinapoli.net
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Eventi in corso nei dintorni
L’idea di questa mostra nasce proprio mentre l’artista si trovava in Indonesia, nei giorni in cui il vulcano Merapi esplodeva, liberando in cielo una nube densa. Ed è stato in quel momento che lui ha legato idealmente l’immagine dell’energia del Merapi a quella del Vesuvio, foriero di morte ed al contempo di tensione vitale.
orario: feriali: 9.30 - 19.30 \| festivi: 9.30 - 14.00 \|chiuso il martedì (possono variare, verificare sempre via telefono)

vernissage: 2 aprile 2011. ore 18
catalogo: in galleria.
editore: PAPARO
ufficio stampa: DELOS
curatori: Claudio Composti, Maria Savarese, Igor Zanti
autori: Roberto Coda Zabetta
note: in collaborazione con: Galleria Poggiali e Forconi e mc2gallery
genere: arte contemporanea, personale
email: adelaide.auriemma@palazzoartinapoli.com Dopo lo straordinario successo di Nuvole Sacre nello scorso luglio al Palazzo Reale di Milano, Roberto Coda Zabetta espone al PAN \| Palazzo delle Arti Napoli Lavori Recenti, mostra a cura di Maria Savarese, Igor Zanti e Claudio Composti. Pittore e scultore, l’artista biellese, sin dal suo esordio sulla scena espositiva nazionale con un ciclo di lavori sui bambini morti nel genocidio in Ruanda, e con un altro sulla discriminazione razziale subita dagli albini africani, ha come oggetto della sua riflessione artistica il tema della sofferenza umana. Nei primi anni del Duemila inizia a produrre opere pittoriche di grandi dimensioni, in cui il volto umano diviene protagonista della sua ricerca, attraverso pennellate dense e materiche. Nei lavori esposti lo scorso luglio a Milano, Coda Zabetta si confronta, invece, con la tremenda catastrofe provocata dall’esplosione della bomba atomica di Hiroshima: una riflessione sul destino degli uomini quando, attraverso l’uso ed abuso della scienza e della tecnica, tentano di valicare i limiti della propria coscienza, generando tragedie. I Lavori Recenti di Coda Zabetta presentati al PAN sono la naturale evoluzione creativa del progetto milanese. L’artista, infatti, andando oltre la riflessione sulla tragicità dell’esplosione portatrice di morte, ora si sofferma su ciò che avviene immediatamente dopo, racconta l’ immagine che resta in seguito alla scomparsa di ogni segno vitale, concentrandosi sulla visione ultima di qualsiasi racconto esistito prima della completa sparizione. Il fumo, così, si trasforma in un intenso momento meditativo, traccia visiva dell’assenza: tra il fisico e l’incorporeo, ponte energetico tra cielo e terra, ciò che è visibile dell’intangibile, immagine del trascendente. L’idea di questa mostra nasce proprio mentre l’artista si trovava in Indonesia, nei giorni in cui il vulcano Merapi esplodeva, liberando in cielo una nube densa. Ed è stato in quel momento che lui ha legato idealmente l’immagine dell’energia del Merapi a quella del Vesuvio, foriero di morte ed al contempo di tensione vitale. Al Palazzo delle Arti di Napoli saranno esposti quindici dipinti, smalti su tela e per la prima volta la scultura, sia di medie che di grandi dimensioni, realizzata mischiando materiali poveri, ad altri tecnologicamente più evoluti: dalla gommapiuma, all’acciaio, fino alla resina. Completerà il percorso espositivo un video inedito girato da Ferdinando Vicentini Orgnani e Alessandra Minini sulla vita dell’ artista. In occasione dell’anteprima stampa sarà presentato il catalogo pubblicato da PAPARO Edizioni, con testi critici di Claudio Composti, Maria Savarese, Igor Zanti. Nota Biografica: Roberto Coda Zabetta nasce a Biella nel 1975. Dopo aver frequentato per diversi anni lo studio dell’artista Aldo Mondino, inizia a partecipare a mostre e ad alcuni concorsi per giovani artisti sia in Italia che all’estero. IDENTITÀ ANONIME (2000) è il suo primo catalogo, dedicato ai bambini morti nel genocidio in Ruanda. Nello stesso anno vince il Premio Passaggi a Nord-Ovest organizzato dalla Fondazione Pistoletto e dal Comune di Biella. Nel 2001 si stabilisce a Milano e inizia una serie di lavori: fondamentale sarà la sua amicizia con Alberto Fiz, Marina Mojana e Luca Beatrice. Vengono pubblicati: IN CODA (2003), PPP e COLORS (entrambi 2004). Segnalato dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo per la pubblicazione biografica sul dizionario Zanichelli, Roberto Coda Zabetta e' stato insignito, inoltre, di prestigiosi premi italiani: premio Arte-Fiera di Bologna, premio Giovani Artisti Miart 2003 e 2004, finalista del Premio Cairo Communications; selezionato, inoltre, per la Dena Foundation al Centre International d'Accueil et d'Echanges des Récollets di Parigi e per il BP Portrait Award 2006 di Londra. Tra il 2005 e il 2006 due importanti mostre: Palazzo Venezia e Teatro India, entrambe a Roma ed invitato alla Quadriennale a Palazzo Reale; viene pubblicato il catalogo curato da Robert C.Morgan, PSICHIC PERSONA edito da Charta. Nell'aprile 2008 la Indonesian National Gallery gli dedica una personale, che verrà seguita da esposizioni a Singapore, Honk Kong e Beijing. Nel 2009 inaugura a Palazzo Racani Arroni durante il Festival dei Due Mondi di Spoleto; è del luglio 2010 la mostra Nuvole Sacre ospitata a Palazzo Reale di Milano con il catalogo edito dal Sole 24 Ore Cultura. Vive e lavora tra Milano, Palazzo d’Arcevia (Ancona), Singapore, Bali.

MEDIATECA PROVINCIALE - PALAZZO DELL’ANNUNZIATA vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Piazza Vittorio Veneto (75100)
+39 0835240481 , +39 0835240481 (fax)
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Eventi in corso nei dintorni
La mostra è composta da un’ articolata selezione di oltre 40 opere tra tele, disegni e pastelli, degli ultimi anni.
orario: Dal lunedì al giovedì dalle 9.00 alle 18.30 – Venerdì e sabato dalle 9.00 alle 13.30 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 2 aprile 2011. ore 19.30. Alla presenza del maestro
autori: Ennio Calabria
patrocini: della Regione Basilicata, della Provincia e del Comune di Matera
genere: arte contemporanea, personale
email: ritapedonesi@alice.it Sabato 2 aprile 2011 alle ore 19.30 sarà inaugurata presso la Mediateca Provinciale, Palazzo dell’Annunziata a Matera, la mostra Nel farsi del presente del Maestro Ennio Calabria. L’esposizione, con il patrocinio della Regione Basilicata, della Provincia e del Comune di Matera è composta da un’ articolata selezione di oltre 40 opere tra tele, disegni e pastelli, degli ultimi anni. Fra queste tele, alcune di grande formato, spiccano Il sogno del pescatore, la lava devia, Cade la spiaggia, il famoso ritratto “cristologico” di Pantani e alcuni ritratti appartenenti ad un ciclo più ampio dal titolo Un volto e il tempo. Ultimo fra questi, quello dedicato ad Elton John. L’opera dell’Artista è da sempre caratterizzata da una ricerca fondata sulla necessità del rinnovamento del linguaggio pittorico in rapporto alle problematiche che riguardano la condizione mentale ed esistenziale dell’uomo contemporaneo. Calabria, ritenuto ormai uno dei più significativi artisti della pittura d’immagine europea compresa fra gli anni Sessanta e oggi, si distingue nel panorama artistico anche per la sua inscindibile relazione tra pensiero e pittura. È questo un aspetto centrale del suo processo creativo, che lo rende continuamente un attento e singolare testimone del suo tempo. In riferimento alla sua attuale ricerca indicata dal titolo della mostra, l’artista dice: “Mi faccio carico della fase in cui la forma sta accadendo, considerando tale processo come il contenuto visivo di un immanente presente dell’intuizione.” In catalogo, Pino Nicoletti scrive: “Fascinose stratificazioni di storia interiore con variazioni sempre nuove, genio inventivo, trasporto per il meraviglioso e le metamorfosi più imprevedibili, infaticabile lavoro di meditazione e selezione, di concentrazione e continuità. Profonda inquietudine, misterioso sentimento negli abissi dell’ignoto, romanticismo onirico e metafisico, confronto con la psicanalisi, ebbrezza cosmica, grande talento pittorici, infinita malinconia in un bisogno di raccontare e di comunicare. Sono questi gli aspetti più rilevanti di Ennio Calabria, uno dei più originali e seducenti artisti degli ultimi trent’anni.” Rino Cardone aggiunge: “ In breve, possiamo dire che la lettura della realtà avviene, nel lavoro di Ennio Calabria, per effetto di un’azione estetica che si svolge (sul piano dell’uso manuale della matita e del pennello e del trattamento e della manipolazione stilistica della forma e della figura) dal “dentro al fuori” e non, viceversa, dal “fuori al dentro”. Si tratta, insomma, di un’azione estetica che si fonda non tanto, e non soltanto, sull’uso dell’occhio fisico, e quindi della pupilla, per osservare, per analizzare e per scandagliare la realtà della vita, ma che si serve, al contrario, dell’iride immateriale dello spirito per produrre, di conseguenza, sulla tela – attraverso il disegno e il colore – una sorta di prolungamento fisico, di genere ideale, dell’anima dell’individuo…”

ART 1307 vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Rampe Sant'Antonio A Posillipo 104 (80122)
+39 081665456 , +39 3687302035
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Eventi in corso nei dintorni
Il retaggio dai movimenti Gutai, Fluxus, Action painting, Spazialismo, porta ad essere il duo TTozoi il vero erede del movimento “informale” che ha dominato tutto il ‘900
orario: da Martedì a Sabato su appuntamento (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 25 marzo 2011. ore 18,30/22,00
catalogo: in galleria.
curatori: Emanuale Emblema, Cynthia Penna
autori: Ttozoi
genere: arte contemporanea, personale Dopo l’esordio al Castel dell’Ovo di Napoli nel Marzo 2010, si è aperto e ormai strutturato un cammino denso di produzione e significato per il duo TTozoi. Un percorso professionale velocissimo che segue il corso della loro stessa arte; che si dipana in un istante; la stessa istantaneità e repentinità del gesto che getta materia sulla tela: tutto si risolve nello spazio di un gesto; il tempo di una mano che affronta, aggredisce, accarezza la tela. Il retaggio dai movimenti Gutai, Fluxus, Espressionismo astratto, Action painting, Spazialismo, porta ad essere il duo Ttozoi il vero erede del movimento “informale” che ha dominato tutto il ‘900. Ed è così che vogliamo presentare questa mostra che ci piace pensare in termini ”di eredità”. Le opere dei nostri saranno affiancate da quelle dei grandi predecessori informali a cominciare da due importanti esponenti del movimento giapponese Gutai: Shimamoto e Sumi per passare all’informale francese con Mathieu e finire al movimento italiano con Turcato, Vedova e il nostro campano Emblema. Una carrellata tra storia e attualità a suggellare un’eredità pesante che il duo TTozoi ha voluto cogliere e far rivivere attraverso un procedimento nuovissimo e mai realizzato nelle arti visive: la creazione di un ‘opera pittorica attraverso la formazione e lo sviluppo di “muffe” sulla tela. Non si tratta qui di prendere a prestito una terminologia come il grande Burri fece negli anni ’50 per la realizzazione di alcune sue tele, bensì trattasi di una vera produzione di muffa sulla tela attraverso un procedimento complesso che unisce la gestualità dell’informale, la padronanza della materia gettata sulla tela, un’incubazione della stessa in cassa di plexiglass, un tempo di attesa in cui la Natura interviene anch’essa ad espletare il suo ruolo sull’opera. Le “muffe” di TTozoi sono un processo creativo dell’uomo cui si affianca un processo creativo autonomo della Natura che, come in tutti i processi creativi di Questa, scivola dalle mani e dalla volontà umana, non è più gestibile da essa. A quel punto all’artista rimane solo una scelta risolutiva: una volta messo in moto il processo creativo della Natura, lo può solo “Arrestare” anche qui in maniera inesorabile e definitiva, “uccidendolo”. Il “salvataggio” che l’artista opera in questo caso, è un salvataggio estetico: il momento topico è determinato dall’estetica “in purezza”, vale a dire dal momento preciso e sincronico in cui il processo creativo della Natura si fonde col processo creativo della mente umana e conduce di nuovo quella stessa mano ad operare un nuovo gesto di interruzione, di uccisione del procedimento naturale. La creazione della “bellezza” diviene così un percorso di vita e di morte: non vi è estetica senza vita, non vi è estetica senza morte. L’opera d’arte nasce, insomma, da una magia alchemica che coinvolge uomo e Natura. I TTozoi, come alchimisti del 21° secolo, scardinano il sistema tradizionale di pittura, così come avevano fatto nel 20° i loro predecessori del movimento Informale, al fine di inaugurarne un altro in cui si instaura un nuovo rapporto di forze, costituito dal procedimento “naturale” che incide direttamente sull’opera d’arte e all’interno di essa. Un alternarsi di fisicità e razionalità, intelletto e corporeità. Un alternarsi incessante e sistemico tra uomo e Natura in un nuovo rapporto esistenziale che determina l’estetica e produce Bellezza.

GIAMAART STUDIO vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Iadonisi 14 (82038)
+39 3398628853 , +39 3389565828
info@giamaartstudio.it
www.giamaartstudio.it
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Eventi in corso nei dintorni
La galleria GiaMaArt studio presenta “altari” mostra personale di Marco Demis che raccoglie un ciclo di opere recenti, insistendo sul motivo delle sue aristocratiche vergini dalla pelle nivea e dagli eleganti abiti retrò.
orario: da Martedì a Sabato ore 17-20 e per appuntamento. (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 26 marzo 2011. ore 19.00
catalogo: in galleria. edizioni GiaMaArt studio, testo di Ivan Quaroni
curatori: Ivan Quaroni
autori: Marco Demis
genere: arte contemporanea, personale Sabato 26 marzo, la galleria GiaMaArt studio presenta “altari” mostra personale di Marco Demis che raccoglie un ciclo di opere recenti, insistendo sul motivo delle sue aristocratiche vergini dalla pelle nivea e dagli eleganti abiti retrò. Il suo non è un lavoro attorno all’identità - poiché le sue bambole ne sono prive – e nemmeno sulla serialità. Piuttosto, esse svolgono la funzione di simulacri, idoli che non rimandano ad alcun significato ulteriore. Baudrillard definisce il simulacro (eidôlon) una “verità che nasconde il fatto che non ne ha alcuna", mentre a proposito delle sue bambole Marco Demis parla di una “intima fissità, priva di referente”. Nella pittura di Marco Demis la propensione tonale si sposa con la tradizione del disegno, secondo una linea che da Botticelli approda fino a Modigliani. Le figure disegnate dall’artista sono, infatti, perfettamente contornate, con linee che impediscono al soggetto di sconfinare atmosfericamente nello spazio circostante. Si tratta di una sensibilità che risponde all’esigenza di mantenere i soggetti nel campo dell’idealità, in una dimensione impalpabile, epifanica. Il meccanismo attorno al quale ruota il linguaggio di Demis è quello dell’evocazione, intesa come pratica che sottende un’impalpabile rete di connessione tra le cose, qualcosa che “chiama” l’invisibile nella struttura del visibile. Evocazione significa, infatti, “chiamare fuori” o meglio “chiamare da fuori” qualcosa che suscita un senso d’insopprimibile nostalgia. Come gli altari e le are sacrificali, le immagini dipinte dall’artista sono soglie dimensionali, ambiguamente sospese tra il mondo materiale e quello immateriale. In questo limen non vi è possibilità di narrazione, ma solo pura potenzialità. Guardando queste figure ci è impossibile immaginare un racconto, delineare un episodio. Demis sembra occultare ogni traccia biografica, ogni segno di vissuto, congelando la rappresentazione in una sfera perfetta quanto l’Empireo dantesco. E tuttavia, questo regno d’immobilità ieratica sembra subire ora una lieve increspatura. Qualcosa finalmente imprime un moto ai corpi. Una sottile vibrazione percorre le linee degli idoli e le posture divengono più plastiche, sinuose, le figure si ammorbidiscono e infine si avverte, come nel mito di Pigmaglione, un anelito a trasmutare il simulacro in carne viva.

AISTETIKA' vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Domenico Cimarosa 23 (80127)
Vomero
aistetika@hotmail.com
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Eventi in corso nei dintorni
Aistetikà ospita nel suo spazio espositivo una mostra di pittura dedicata a tre artisti (nonno, figlia e nipote) che espongono i propri lavori mettendo a diretto confronto tre generazioni diverse, ma legate da un unico vincolo che le caratterizza e le segna nel tempo: l'arte.
orario: matt. 11-13 ; pom. 17-19 ; chiuso sab e dom (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 18 marzo 2011. ore 18
curatori: Sergio Valerio Garzia
autori: Antonella Giordano, Antonio Tammaro, Tamara Tammaro
note: Finissage party: sabato 26 marzo ore 18
genere: arte contemporanea, collettiva I Protagonisti della Mostra. Antonio Tammaro. Lo scultore e pittore Antonio Tammaro vive e lavora a Grosseto, ma nasce a Napoli il 26 luglio 1915. Nel 1937 si classifica primo per la scultura alla mostra Nazionale dei Littoriali di Trieste, e nel 1938 è presente alla mostra del Bicentenario dell'Accademia di Napoli con un'opera, ora patrimonio del museo di Capodimonte. Dal 1952 al 1956 insegna al liceo Artistico di Napoli che lascia per dedicarsi a tempo pieno alle sue ricerche artistiche. L'impegno e l'entusiasmo con cui si vota al suo lavoro lo portano ad acquistare in breve una fama nazionale. Partecipa alla Quadriennale romana del 1955 e alla Biennale veneziana del 1956. Da allora le sue opere di pittura e scultura sono esposte in mostre in tutta Italia. Nel 1992 viene premiato da Argan con il Premio Petroselli per la pittura. Tamara Tammaro. Tamara Tammaro, figlia di Antonio, nasce a Roma nel 1943, dove compie i suoi studi all’Istituto d’Arte e poi all’Accademia delle Belle Arti. Con i titoli conseguiti insegna disegno professionale all'Istituto d'Arte Boccioni di Napoli. Nella sua carriera artistica ha partecipato a numerose mostre collettive e personali, mentre molte delle sue opere sono acquisite presso importanti collezioni pubbliche e private. Antonella Giordano. La giovane artista è nipote di Antonio e figlia di Tamara. Oltre che pittrice, è animatrice e curatrice di eventi, aggregando intorno a sè numerosi artisti. Rosario Pinto la descrive come "personalità ricca e vibratile.. una pittura friabile e profondamente godibile, presieduta da una qual sorta di ispirazione astrattizzante... attraverso una nervosa e scattante fulmineità di certi bagliori luministici, che conferiscono intensità spirituale ad una linea intrigantemente saettante..." Luigi De Micco curatore SERGIO VALERIO GARZIA pubbliche relazioni CARMEN PALMIERI accoglienza MARTINA RUFFO marketing FLAVIA GARZIA

ORATORIO DI SAN SEBASTIANO vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Piazza Guido Da Montefeltro 249 (47100)
+39 0543712317 , +39 054330892 (fax)
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Eventi in corso nei dintorni
Questa mostra, nell'edizione del Centenario dell'8 Marzo, consegna ad una grande artista come Anna Boschi, il testimone di una rappresentazione che vede nel femminile l'elemento di distinzione e valore anche in campo artistico.
orario: tutti i giorni dalle 15,30 alle 19 (lunedì chiuso) sabato e domenica dalle 10,30 alle 12,30 e dalle 15,30 alle 19 Martedì 8 marzo: aperta dalle 15 alle 19. (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 6 marzo 2011. ore 11
curatori: Angelamaria Golfarelli
autori: Anna Boschi
patrocini: dell’Assessorato alle Pari Opportunità e dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Forlì
note: Voluta e promossa come ogni anno dall'UDI in occasione della Festa della Donna
genere: arte contemporanea, personale
email: anna.boschi@teletu.it Voluta e promossa come ogni anno dall'UDI in occasione della Festa della Donna, questa mostra, nell'edizione del Centenario dell'8 Marzo, consegna ad una grande artista come Anna Boschi, il testimone di una rappresentazione che vede nel femminile l'elemento di distinzione e valore anche in campo artistico. Il titolo della mostra trae il suo significato da una locuzione latina che sta per “dopo lo scritto” e che, per nulla casuale, sottolinea l'importanza che questa postilla ha, a conclusione di una lettera, di uno scritto. Come specifica la curatrice infatti, “ciò che colpisce di più, è che, quando lo si scrive, chi lo fa non vuole indicare in realtà una dimenticanza, ma piuttosto quel qualcosa che si vuole evidenziare, confidando che segnalato come ultima informazione, non venga ignorato. Quasi un sottolineare con garbo e discrezione che a quelle ultime parole sono consegnate tutte le speranze di quanto ci sta veramente a cuore”. Ed è in questo senso che questa mostra agisce la sua reale accezione, attraversando il percorso artistico di Anna Boschi, in un periodo che va dal 1990 al 2010. Passando dalle serie Uni-versi alle serie Scritture, con soste volute sul Volo del Poeta e sull'Omaggio al poeta, (dedicato a Guillermo Deisler) fino ai lavori che manifestano senza equivoci i NO alla violenza, ai soprusi, alle discriminazioni.

GALLERIA D'ARTE LE MUSE vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Piazza Santa Teresa 8 (87100)
+39 098471412 , +39 098422018 (fax)
info@gallerialemuse.it
www.gallerialemuse.it
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Eventi in corso nei dintorni
L’Artista tramite la pittura cerca di rappresentare l’infanzia come una tappa essenziale dello sviluppo delle persone.Il mare influenza notevolmente la sua pittura forse per la provenienza da Valencia,città Mediterranea.
orario: da lunedì a sabato 10–13 e 17–20 domenica: 11–13 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 5 marzo 2011. ore 18
curatori: Myriam Peluso
autori: Ángel Serrano Aroca
genere: giovane arte, personale Ángel Serrano Aroca, nato a Valencia (Spagna) nel 1975, pittore, incisore e dottore in Ingegneria Chimica. Serrano comincia a disegnare e dipingere molto giovane. A soli 6 anni vince il primo premio del concorso di disegno del Comune di Valencia - El Corte Inglés. Ha studiato musica presso il Centro Musicale di Benimaclet ed il Conservatorio José Iturbi di Valencia. Parla spagnolo, italiano, inglese e francese. Finora, ha esposto le sue opere in musei e fiere di Spagna, Italia e Svizzera, come: Istituto Valenciano di Arte Moderno (IVAM), Museo Gustavo Maeztu di Navarra, Fondazione Fran Daurel di Barcellona, Museo Ibercaja Carmon Aznar (MICAZ) di Zaragoza, Museo del Presente di Rende, etc. Attualmente, vive e lavora tra Cosenza (Italia) e Valencia (Spagna).

GALLERIA CIVICA D'ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA - PALAZZO DELLA CULTURA vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Viale Umberto I 1 (04100)
+39 0773652600
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Eventi in corso nei dintorni
sesto appuntamento della Rassegna con l’artista Cinzia Pellin
orario: da martedì a venerdì dalle 10.00 alle 13.00 Ingresso Via Umberto I pomeriggio da martedì a sabato dalle 17.00 alle 19.30 Ingresso laterale Via Oreste Leonardi (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 20 febbraio 2011. ore 19,00 Presentazione Vincenzo Scozzarella
catalogo: a cura di Vecchiato Art Galleries
curatori: Fabio D’Achille
autori: Cinzia Pellin
note: Nell'ambito di: MAD - Rassegna d’Arte Contemporanea, in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura
genere: arte contemporanea, personale
email: annamaria.acquafredda@gmail.com MADanza a cura di Fabio D’Achille, in collaborazione con il Comune di Latina e Vincenzo Scozzarella Direttore Scientifico Della Galleria Civica d'Arte Contemporanea di Latina, presenta il sesto appuntamento della Rassegna con l’artista Cinzia Pellin personale “pittura e femminilità” 20 febbraio2011 VERNISSAGE ore 19.00 dopo lo spettacolo di danza “LOVE MACHINE” L’ arte di narrare attraverso le tele l’universo femminile è la specificità di Cinzia Pellin, che riesce a carpire l’attenzione dell’osservatore con il suo stile inconfondibile. E come afferma Mino Rossi: “Non è possibile affrontare l’arte di Cinzia Pellin senza fare riferimento alla rilevanza della luce nei suoi lavori, che sono tutti diretti a comunicare emozioni, cioè a creare rapporti tra Opera e Pubblico. La luce, infatti, è il luogo privilegiato dove possono avvenire incontri perché è lo spazio della chiarezza, della trasparenza, della luminosità. […] Le opere di Cinzia si collocano nei variabili giochi di luce e di ombra: il significato dell’espressione del viso, del movimento del corpo è segnato dal contrasto luce-ombra, luce-piani. Le fisionomie dei ritratti di donne, che si allineano in una sequenza senza fine, sono calcolati in modo tale da stagliare i loro tratti da una mimica estrapolata da incontri in luoghi virtuali con donne, cioè, che non si sono mai incontrate, ma che portano sui loro volti espressioni, i cui segni sono presenti nell’intera specie umana e che le rendono vive nella completa crudezza delle loro emozioni. Ciascun ritratto apre un nuovo e diverso scenario, in relazione allo sciame di emozioni che l’Artista desidera comunicare, così che essa sia leggibile e chiara nella sua luminosità. “ Di recente una sua opera “Vampire” è stata utilizzata come copertina per il libro di Fabio Mundadori Sede Palazzo della Cultura Periodo 20 febbraio 2011- 19 marzo 2011 Curatore Fabio D’Achille Vernissage 20 febbraio2011 ore 19,00 “pittura e femminilità” Presentazione Vincenzo Scozzarella Catalogo a cura di Vecchiato Art Galleries Presentazione del libro di Mino Rossi “Cinzia Pellin-Pittura e femminilità” nel corso del vernissage sarà possibile acquistarlo Accompagnamento musicale Crocodile Rock Duo Claudio Olimpio e Arcangelo Spina Degustazione a cura di SVILUPPO HORECA Uff. stampa e relazioni esterne Anna Maria Acquafredda per informazioni: tel. 348.6612537 339.8883014 e-mail annamaria.acquafredda@gmail.com orario da martedì a venerdì dalle 10.00 alle 13.00 Ingresso Via Umberto I pomeriggio da martedì a sabato dalle 17.00 alle 19.30 Ingresso laterale Via Oreste Leonardi Ingresso libero Pinacoteca Comunale Galleria Civica d'Arte Modena e Contemporanea Palazzo della Cultura via Umberto I, 41/ 43 LATINA Biografia di Cinzia Pellin Cinzia Pellin e’ nata a Velletri (Roma) il 19/07/1973. Ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Roma, diplomandosi con il massimo dei voti al corso di scenografia con il Prof. Vendittelli. “Cinzia Pellin porta avanti gia’ da qualche tempo un percorso teso ad analizzare sempre piu’ da vicino l’universo femminile: un viaggio di carattere interiore, un caleidoscopio ricco di fascino e seduzione, un pianeta sezionato in una miriade di schegge, che si avvicinano e si allontanano, nel gioco senza fine dell’esistenza.” (L. Guarino) Mostre: - 2008 Reggio Calabria “Ultimi dettagli” Personale, Galleria Arte oggi Padova “Arte fiera” Vecchiato art galleries Roma “Contemporanea per il domani” teatro sala Umberto Verona “Artverona” Vecchiato art galleries Latina “Solidarte” Galleria Lydia Palombo Scalzi Catania “Arte fiera” Centro fieristico Le Ciminiere - 2007 Padova “Ultimi dettagli” Personale, Galleria Zerokarati (Gruppo Vecchiato) Bolzano “Kunstart” Verona “Artverona” Vecchiato art galleries Milano “Miart” Genova “Arte Genova” Vecchiato art galleries Segnalazione tra i finalisti del “Premio Arte 2007” - 2006 Verona “Arte fiera” Vecchiato art galleries Verona “Luxury & yacht” fiera del lusso Milano “Miart” Vecchiato art galleries Padova “Artefiera” Vecchiato art galleries - 2005 Vicenza “Arte fiera di Vicenza” Galleria Vecchiato “Catania Arte Fiera” Centro fieristico le ciminiere - 2004 Vicenza “Arte fiera di Vicenza” Galleria Vecchiato Padova “Arte fiera” Galleria Vecchiato Latina “….la favola di sempre” Galleria Lydia Palumbo Scalzi - 2003 Latina “Contemporanea 1945-2003” esposizione su invito, Palazzo M Segnalazione tra i finalisti del “Premio Arte 2003” - 2002 Forte dei Marmi (Lucca) “Quello che vedo” Galleria Vecchiato Padova “Arte fiera” Galleria Vecchiato - 2001 Neckarsulm (Germania) “Frammenta” Personale, Neckarsuim Bank Genzano (Roma) “Schegge di femminilità” Personale, Centro d’arte contemporanea Luigi Montanarini Segnalazione tra i finalisti del “Premio Arte 2001” - 2000 Sabaudia (Latina) “Tra realtà e fantasia” Personale, Sala mostre biblioteca di Sabaudia - 1999 Sanremo (Imperia) “Metti una canzone in cornice” Bottega d’arte Sanremo Priverno (Latina) “Tra realtà e fantasia” Personale, Palazzo Comunale Latina “Piazza Cultura” Esposizione su invito per evento culturale

GALLERIA GINO RAMAGLIA vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Broggia 9/10 (80135)
+39 0815640738
info@ginoramaglia.it
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“Artisti in Vetrina“ Performance-mostra
orario: da martedì a sabato ore 10-14 e 16-20 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance
vernissage: 15 febbraio 2011. ore 19.30
autori: Elis Wilk
genere: performance - happening, personale Elise in Wonderland. La consonanza del nome dell’artista con la piccola Alice di Carroll lascia affiorare altre inattese contiguità. Il giardino fantastico della nouvelle Alice è Napoli: un singolare paese delle meraviglie che popola tanto isogni, quanto le veglie della nostra squilibrata poetessa francese. Ecco perché Reveils: una parola che, tagliata male (Reve-ils), può provocare nubilanti overdosi di catene oniriche, ambiguamente sospese su quel filo arancio dell’aurora, che da un capo è legato al cupo imbroglio metamorfico della fase R.E.M., dall’altro capo si confonde invece nella traslucida biacca della veglia mattutina. Napoli come giardino fantastico: un topos che rimanda alla sospensione edenica della brigata del Decameron, ad una joie di matrice angioina (Elise direbbe, piuttosto, un’ «angioina joì») che si ostina ancora ad aleggiare, come la bruma dell’alba (il bianco dei suoi lavori), tra i cumuli di munnezza scamazzata dalle auto (le caotiche macchie d’inchiostro della monotipìa) e la pacata pazienza dei morti uccisi (il suo rosso tenace). La spiritale brigata dei suoi personaggi racconta storie di leggerezza e di trasformazioni, accoppiamenti ibridi e associazioni fantastiche. Ricorre nei suoi disegni l’assillo onirico del doppio, rappresentato con copule di ispirazione ovidiana o con fusioni del due-in-uno che evocano, con una non comune leggerezza, le associazioni dada. Il supporto dei suoi fantasmi è la carta da parati: monotona e retro come la città che ha alimentato i suoi sogni. La tecnica, quella della monotipìa, contribuisce perfettamente a rendere visibile la grassa e fertile materia onirica partenopea. Con una breve dimostrazione, la sera del 15 febbraio (h 19.30) l’artista accompagnerà gli spettatori nel suo Wonderland.