SALUTI DA© L'AQUILA

Parte il nuovo progetto di Giuseppe Stampone

SALUTI DA© L'AQUILA

questi sono saluti da l'aquila ma leggeteli come inviti perché dovete venire

per capire non solo quello che la natura è in grado di fare

ma anche quello che si cerca di cancellare dalla coscienza di tutti noi

e quindi venite ad ascoltare il silenzio e a vedere il tempo rimasto immobile

in un belpaese che immobile lo è ormai dappertutto e verso ogni direzione

nonostante la forza dei singoli individui che più di una volta

nella storia si sono fatti popolo e che oggi hanno

perso quella visione di futuro che pure ci ha portato fin qui

o almeno così ci stanno spingendo a credere

e quindi saluti da l'aquila a tutti perché possiamo ancora scegliere

quello in cui credere nonostante qualcuno affermi il contrario

25.000 cartoline spedite da L'Aquila con le immagini della situazione attuale della città e dei paesi circostanti che arriveranno ai responsabili delle istituzioni politiche italiane e a quelle di tutto il mondo, in particolare quelle che erano presenti al famoso G8 del 2009, ma anche ai più importanti uomini di cultura, dello spettacolo e dei media internazionali.

Elenco nomi

Stephen Harper - Nicolas Sarkozy - Angela Merkel - Silvio Berlusconi - Naoto Kan - Dmitry Anatolyevich Medvedev - David Cameron - Barack Obama - José Manuel Barroso - Herman Van Rompuy - José Luis Rodriguez Zapatero - Philip Roth - Antonio Del Guercio - Alberto Abruzzese - Bono Vox - Marcel Maffesoli - Giusi Laurino - Dalai Lama (Tenzin Gyatso) - Steven Spielberg - Elio Grazioli - Mauro Menichetti - Rossana Bonadei - Duccio Canestrini - Jovanotti - Roberto Saviano - Marco Paolini - Moni Ovadia - Werner Herzog - Stefano Leoni - Ascanio Celestini - Nick Cave - Antony Hegarty - Bjork Giovanna Mascheroni - Arturo Schwartz - Lars Løkke Rasmussen - Jan Peter Balkenende - Antonio Di Pietro - Italo Bocchino - Gianfranco Fini - Pier Luigi Bersani - Pier Ferdinando Casini - Umberto Bossi - Marco Revelli - Giovanni Chiodi - Franco Frattini - Roberto Maroni - Angelino Alfano - Ignazio La Russa - Marco Travaglio - Giulio Tremonti - Paolo Romani -Giancarlo Galan - Stefania Prestigiacomo - Giovanni Floris - Julian Assange - Giuseppe Cruciani - Nicoletti Gianluca - Bruce Sterling - Furio Colombo - Altero Matteoli - Coca Cola - Vandana Shiva - Maurizio Sacconi - Ferruccio Fazio - Mariastella Gelmini - Carlo Ginzburg - Sandro Bondi - Raffaele Fitto - Gianfranco Rotondi - Renato Brunetta - Yongwoo Lee - Mara Carfagna - Elio Vito - Giorgia Meloni - Roberto Calderoli - Michela Vittoria Brambilla - Roberto Formigoni - Luca Zaia - Giuseppe Scopelliti - Vito Di Filippo - Raffaelle Lombardo - Enrico Rossi - Vasco Errani - Maurizio Belpietro - Catiuscia Marini - Renata Polverini - Roberto Cota - Steve Jobs - Renzo Tondo - Claudio Burlando - Alessandro Sallusti - Luis Durnwalder - Augusto Rollandin - Jeffrey Deitch - Glenn D. Lowry - Christian Rattemeyer - Alex Beard - Caroline Collier - Hans Uhlrich Obrist - RoseLee Goldberg - Esa Nickle - Defne Ayas - Tairone Bastien - Mark Beasley - Lana Wilson - Berta Sichel - Giovanni Ragone - Fausto Colombo - Giovanni Boccia Artieri - Roberto D'Agostino -Giuseppe Granieri - Riccardo Luna - Andrea Granelli - Oliviero Toscani - Gino Strada - Bill Gates - Gino Frezza - Sergio Brancato - Luca Toschi - Mario Ricciardi - Gianfranco Pecchinenda - Fiorenza Gamba - Laura Gemini - Valeria Giordano - Nicola Boccella - Ezio Marra - Giovanni Fiorentino - Marco Aime - Edmondo Pasquino - Giorgio Agamben - Giuseppe Appella - Alberto Boatto - Omar Calabrese - Massimo Carboni - Renato De Fusco - Mario Costa - Lorenzo Mango - Aldo Masullo - Ron Arad - Bernard Tschumi - Massimo Cacciari - Vittorio Sgarbi - Gillo Dorfles - Maurizio Ferraris - Umberto Eco - Angelo Trimarco - Bianca Pucciarelli Menna - Giovanni Vattimo - Lüscher Ingeborg - Flavio Caroli - Ester Coen - Lia De Venere - Antonello Tolve - Meschas Gaba - Shilpa Gupta - Pascal Marthine Tayou - Simone Wiechers - Tommaso Tozzi - Andrea Villani -Boris Debackere - Darko Fritz - Mélanie Boutelo - Renato Barilli - David Liber - Lorenzo Bruni - Lorenzo Fusi - Domenico Quaranta - Stefano Coletta - Derrick De Kerckhove - Adriana Polveroni - Demetrio Paparoni - Asher Remy Toledo - Alfredo Jaar - Ai Weiwei - Mario Cristiani - Dan Cameron - Nicolas Bourriaud - Patricia Garcia Velez - Patrizia Sandretto Re Rebaudengo - Manuel Borja-Villel - Chiara Bertola - Massimiliano Tonelli - Luca Massimo Barbero - Elena Forin - Michelangelo Pistoletto - Alessandro Rabottini - Giacinto Di Pietrantonio - Tiziana Fausti - Pino Calabresi - Roberto Ciocca - Oscar Damiani - Marcello Forin - Vittorio Gaddi - Maurizio Cattelan - Francesco Vezzoli - Elena Rossi - Eugenio Viola - Andrea Brucciati - Lorcan O'Neil - Hervé Chandès - Victoria Noothoorn - Francesco Nucci - Danilo Eccher - Marina Abramovic - Aaka Orlan - Lóránd Hegyi - Andrea Bellini - Beatrice Merz - Maurizio Bortolotti - Achille Bonito Oliva - Stefano Rodotà - Giacomo Marramao - Massimo Ilardi - Remo Bodei - Luigi Prestinenza Puglisi - Marco Filoni - Antonio Caronia - Jorge Lozano - Marina Sorbello - Dr. Elke Ritt - Yorgos Kelefis - Elena Lydia Scipioni - Dimitrios Charistos - Elena Giulia Rossi - Francesco Malacorda - Francesco Bonami -Francesco Parisi - Zaha Hadid - Franco La Cecla - Toyo Ito - Santiago Sierra - Marco Scottini - Julia Draganovic - Germano Celant - Davide Rampello - Gino Agnese - Matteo Garrone - Valter Veltroni - Tommaso Pincio - Slavoy Zizek - Giorgio Agamben - Jonathan Lethem - Ulrich Beck - Marco Belpoliti - Nicola Di Battista - Giuseppe Genna - Don De Lillo - Edgar Morin - Marc Augè - Haruki Murakami - Zadie Smith Writer - Pierre Levy - Paul Virilio - Carlo Ruiz Zafon -Sandro Bondi - Nichi Vendola - Eva Scharrer - Hedwig Fijen - Giusy Checola - Nicolaus Schafhausen - Elio D'archivio - Franco Speroni - Ida Pisani - Claudio Poleschi - Martijn Van Nieuwenhuyzen - Fabbrica del Lunedì - Jelle Bouwhuis - Ann Demeester - Guus Beumer - Sabine Folie - Rein Volfs -Stéphane Bauer - Iwona Blazwick - Olivier Wahler - Susanne Pfeffer - Artur Zmijewski - Alfredo Cramerotti - Jens Hoffmann - Bruno Socillo - Antonio Preziosi - Flavio Mucciante - Marino Sinibaldi - Flavio Mucciante - Aldo Papa - Kelli Dipple - Tate Gallery - Antoni Muntadas - Susan Ghez - Giovanni Floris - Milena Gabbanella - Rosanna Moretti - Angela Vettese - Germano Celant - Teresa Macri - Paolo Priolo - Cosmin Costinas - Vasif Kortun - Anca Iliescu - Franco Battiato - Denys Zacharopoulos - Luciana Rebecca Russo - Carlo Clerici - Viktor Misiano - Christian Dominguez - Aaron Betsky - Stefano Boeri - Richard Burdet - Bernardo Secchi - Vittorio Magnago Lampugnani - Giuliana Bruno - Jean Nouvel - Franco Purini - Christiane Paul - Jon Ippolito - Stefania Miscetti - Francisca Nori - Rachel Weiss - Eduardo Kac - Arabella Natalini - Costanza Paissan - Francesca Pola - Francesco Candeloro - Jànos Szoboslai - Carlos Basualdo - Nina Czegledy - Massimo Cialente - Mario Pireddu - Eugenio Carlo Magno - Sergio Marchionne - Beatrice Trussardi - Miuccia Prada - Patrizio Bertelli - Davide Rampello - Gino Agnese - Umberto Croppi - Giorgio Napolitano - Miltos Manetas - Barbara Gladstone - Paola Cooper - Anton Kern - Sean Kelly - Christine Va Assche - Gavin Brown - Larry Gagosian- James Cohan - Nicholas Longsdail - Simon de Pury - Maurizio Costanzo - Bruno Vespa - Michele Santoro - Manon Slome - Marino Melarangelo - Pio Monti - Annina Nosei - Dakis Ioannou - Binna Choi - Adriana Rosemberg - Marcelo Pacheco - Omar Lopez - Juan Puntes -Andrea Buddensieg - Enzo De Leonibus - Massimiliano Gioni - Carolyn Christov-Bakargiev -Klaus Biesenbach - Simone Battiato - Gabi Scardi - Regina Josè Galindo - Luis Silva - Lucrezia Cippitelli - Margherita Balzerani - Cristiana Perrella - Gloria Maria - Silvia Pegoraro - Paola Carimati - Daniel Libeskind - Greg Lynn - Alvaro Siza - Edoardo Souto de Moura - David Chipperfield - MVRDV - Renzo Piano - Lex ter Braak - Maria Tsantsanoglou - Charles Esche - Chiara Somajini - Kelly Crow - Roberta Bosco - Eugenio De Paoli - Fabrizio Del Noce - Antonio Bagnardi - Barbara Scaramucci - Germano Celant - Joseph Grima - Francesco Garofalo - Rem Koolhaas - Ecosistemaurbano - Massimiliano Fuksas - Edoardo Salzano - Alberto Maccari -Alessandro Casarin - Daniele Maria Renzoni - Daniela Tagliafico - Mauro Masi - Paolo Priolo -Mauro Mazza - Massimo Liofredi - Paolo Ruffini - Carlo Freccero - Pasquale D'Alessandro - Giovanni Minoli - Corradino Mineo - Augusto Minzolini - Mario Orfeo - Bianca Berlinguer - Julia Kent - Mark Zuckerberg - Sconci Enrico - Rita Levi Montalcini - Marco Bazzini - Alessandro Rabottini - Maurizio Coccia - Maria Crispal - Lucian Zayan - Claudia Gioia - Pierluigi Sacco

Una progetto che partirà il 28 gennaio 2011 a Bologna nella mostra "Non tutto è in vendita" (via Farini 33, Bologna - promosso dalla Galleria OltreDimore per il Circuito Off/Arte Fiera), dove il pubblico troverà le cartoline, che verranno distribuite anche all'ingresso di Arte Fiera, e che potrà compilare con un indirizzo a suo piacimento e consegnare perché vengano spedite.

25.000 cartoline del formato 15x24 cm, foto dell'attuale stato della città, tutte firmate da Giuseppe Stampone. 25.000 opere in viaggio, immagini singole che formano un puzzle di immagini, che l'artista abruzzese, la cui famiglia vive a circa trenta chilometri dall'epicentro del sisma, vuole donare al mondo.

"Saluti da L'Aquila" è un'opera neodimensionale, che è nata e agisce nella complessa articolazione di piani esistenziali e comunicativi in cui viviamo. Un progetto crossmediale - www.salutidalaquila.it - curato dall'architetto Paolo Valente (savb.eu | open zone), dove oltre vedere le immagini sfogliando le cartoline di un paese ferito, ingannato e dimenticato, potrete seguire anche il viaggio delle stesse dalla partenza al loro arrivo. Le cartoline sono infatti dotate di un chip che ne permette la tracciabilità. Potrete così anche aggiungere commenti creando una sorta di diario di viaggio della cartolina.

Giuseppe Stampone è un artista che da anni ormai lavora utilizzando tutte le sinergie possibili tra il piano della realtà/reale e quello della realtà/digitale, creando un piano neodimensionale in cui l'opera espande le proprie capacità relazionali infiltrandosi in modo capillare nel nostro quotidiano.
"Saluti da L'Aquila" è un'opera dal forte carattere etico, un impegno che Stampone ha già mostrato come fondamentale nel proprio lavoro realizzando progetti dalla chiara connotazione sociale come "Acquarelli per non sprecare la vita" e "Il perché dell'H2O", che hanno coinvolto organizzazioni non governative, numerosi paesi del mondo e più di diecimila bambini, in una dimostrazione di capacità di coinvolgimento collettivo in uno sviluppo delle sinergie oggi possibili davvero impressionante.

"Saluti da L'Aquila" è un progetto nato un pomeriggio degli ultimi giorni del dicembre del 2010, in cui Giuseppe Stampone e Raffaele Gavarro sono entrati nella zona rossa della città, attraversandone l'impressionante silenzio. La necessità di testimoniare e raccontare quello che era accaduto, e sta ancora accadendo, è stata un'urgenza non derogabile e ha visto da subito uno straordinario accumularsi di sostegni, contributi ed energie che come un'onda, ed insieme alle cartoline in viaggio, sta attraversando il mondo.

Giuseppe Stampone è nato a Cluses (Francia) nel 1972. Lavora fra Milano e New York. Stampone ha integrato l'uso dei nuovi media a progetti artistico-didattici rivolti a temi sociali e ambientali come è stato per Acquerelli per non sprecare la vita e Il perché dell'H2O, con la partecipazione di 10.000 bambini, in 30 Paesi del mondo in partenariato con ProgettoMondo MLAL. Con il Solstizio Project, di cui è uno degli ideatori, sta realizzando due progetti artistico-didattici, co-finanziati dall'Unione Europea, che si sviluppano nei territori di Italia, Polonia, Croazia, Spagna, Cipro, Slovenia e Burkina Faso, in cui saranno realizzate quattro installazioni permanenti in luoghi pubblici e tre installazioni di arte relazione con la partecipazione di 15.000 bambini. Ha appena avviato due opere di arte globale dal titolo "Global Education" e "Saluti da L'Aquila" che si trasfigureranno con la piattaforma di Solstizio project.
Collabora con lo IULM di Milano, l'Università degli Studi di Teramo, Federico II di Napoli, e il MCLuhan Program in Culture and Technology di Toronto. Progetta e realizza interventi di ricerca e sperimentazione su arte e new media con Alberto Abruzzese e Derrick De Kerchkove.
www.giuseppestampone.net
Segui l'evolversi del progetto sul blog di Giuseppe Stampone su KLAT magazine www.klatmagazine.com/stampone
www.solstizioproject.net

Breve curriculum selezionato
Premio "Maretti" - Group Show Center of Contemporary Art Luigi Pecci di Prato - March 2011; "Il bel paese" curated by di Giacinto di Pietrantonio, Museo Gamec Bergamo; "Liverpool Biennial", 16 sept. 2010; "Private Museum" a cura di Giacinto di Pietrantonio, Museum Gamec Bergamo; "The Flower of May" curated by Yongwoo Lee, Gwangiu and Kunsthalle City Museum 2010; "Gran Prix" di Linz 2009; "Giuseppe Stampone - The Rules of the Game" curated by Marco Scotini, Prometeogallery, Milano 2010; "Project VOLTA6" New York 2010; "Index Urbis" Macro Testaccio Roma 2010; "No Longer Empty" con la musicista Julia Kent, "Invisible Dog" New York 2009; "Through the looking glass", curated by Eugenio Viola, Belgrado 2009; "My Space", curated by Julia Draganovic, Laura Barreca PAN Napoli 2009; "XIV e XV Quadriennale" di Roma, Palazzo Reale Napoli (2006) e Palazzo delle Esposizioni Roma (2008); "CAOS" side event Biennale di Venezia, Isola di S. Servolo, 2009; "Acquerelli per non sprecare la vita", the intervention is a winner of the European Union project and includes three great istallation in Italy, Poland, Croatia settembre 2010; "Roots/Radici", Italian Institute of Culture Madrid 2009; "Junk Space", Triennale Bovisa Milano 2008; "Welcome" American Academy, Roma 2008; Tentoostelling Art Primeur Ontmoet Italie, Holland 2003.
Galleria di riferimento: Prometeogallery di Ida Pisani, Milano - Lucca (www.prometeogallery.com )

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Giuseppe Stampone - Saluti da© L'Aquila
a cura di Raffaele Gavarro

Espositori con le cartoline presenti:
entrata principale Arte Fiera Bologna, 27 gennaio 2011 dalle ore 12.00

mostra: "Non tutto è in vendita"
via Farini 33 - Bologna

28/30 gennaio 2011, ore 18.00 - 24.00

Progetto crossmediale a cura di Paolo Valente (savb.eu | open zone)
www.salutidalaquila.it
video demo

Valerie Breuleux - Eros e Thanatos

Brescia - dal 22 gennaio al 18 febbraio 2011
Valerie Breuleux - Eros e Thanatos

GALLERIA MARCHINA ARTE CONTEMPORANEA vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede

Via Violino Di Sopra 10 (25127)

+39 0303737087 , +39 0303737087 (fax), +39 3474524516

info@galleriamarchina.com

www.galleriamarchina.com

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Eventi in corso nei dintorni

L’acuta contemporaneità delle opere di Valerie Breuleux è talmente impetuosa d’essere in grado d’affrontare anche la mitologia ellenica, con deità rielaborate.

orario: Da Lunedì al Sabato h. 15.00 - 19.00 Mattina su appuntamento (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance

vernissage: 22 gennaio 2011. Ore 18.00

autori: Valerie Breuleux Pulsioni di vita e pulsioni di morte, recuperate dal più profondo e primordiale conflitto interiore dell’essere umano, sono impresse in un’avvenente successione di volti. Rappresentazioni d’estasi e d’ardenti passioni sono rese con tratti dualistici tali da racchiudere seduzione ed aggressività; questa esibita autenticità d’emozioni ad un tratto si cela in alcuni visi, fintanto da trasfigurarli in vere e proprie maschere, atte a ricordare la finzione che domina la vita. L’acuta contemporaneità delle opere di Valerie Breuleux è talmente impetuosa d’essere in grado d’affrontare anche la mitologia ellenica, con deità rielaborate. Percorrendo le presenti enfatizzazioni figurative d’impeti irrazionali, così vivi e palpabili, si incontrerà inesorabilmente la loro fine, poiché solo comprendendo la transitorietà che ci contraddistingue potremmo attribuire giusto valore all’esistenza.

genere: arte contemporanea, personale

Gatto Nero - Graffi

Milano - dal 21 gennaio al 13 febbraio 2011
Gatto Nero - Graffi

STRADEDARTS vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede

Largo Dei Gelsomini 6 (20146)

+39 0241299981 , +39 0241272703

info@stradedarts.it

www.stradedarts.it

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Eventi in corso nei dintorni

Nella ricerca di un equilibrio tra figura e astrazione, i Graffi di Gatto Nero sono scie di colore che solcano la tela, erodendo alcuni scenari per crearne nuovi.

vernissage: 21 gennaio 2011. ore 18.30

autori: Gatto Nero

genere: arte contemporanea, personale

email: caterina@stradedarts.it Nella ricerca di un equilibrio tra figura e astrazione, i Graffi di Gatto Nero sono scie di colore che solcano la tela, erodendo alcuni scenari per crearne nuovi. Come un viaggiatore che precipita dalla sua barca a remi, trascinando con sé il non più calmo riflesso del paesaggio nell’acqua, Gatto Nero deforma le linee, le unisce e le separa, le confonde, per restituire a quel riflesso nuove sembianze. Il movimento circolare dei remi che increspa le immagini è la pennellata che infonde matericità alle tele, traducendo la sua visione e la sua emozionalità in arte. E’ così che l’artista interpreta il contrasto tra la lezione dei grandi maestri italiani e quegli elementi di rottura che si possono ricercare invece nell’arte urbana, figlia eversiva della grigia periferia. I filoni su cui Gatto Nero si sofferma sono principalmente tre: i paesaggi, l’informale e le bandiere. Quando la forza della natura incontra il progresso e la tecnologia e si scontra con essi, nascono paesaggi, rivisitati in chiave espressionista, che raccontano grandi cambiamenti dove non c’è spazio per l’uomo, schiacciato e annichilito dalla risposta della natura alla sua provocazione. Da qui si arriva alla globalizzazione che erode le bandiere, simboli non più eterni di unità e divisione, identità e diseguaglianza, che una volta avevano regalato agli Stati l’illusione di un futuro, per poi essere proprio da questo estromesse. Le bandiere di Gatto Nero sono, infatti, sgualcite, lacerate, graffiate da pennellate bianche come il colore della resa. Infine, vediamo i soggetti che rappresentano immagini informali, elementi liminari della realtà, che possono essere ricondotti alla traduzione delle sue emozioni su tela. Nascono così mondi immaginari, fatti di simboli, colori evocativi, materia che prende il sopravvento sullo spazio, rompendo i margini, straripando, debordando, per ricordarci che ci troviamo di fronte a opere in cui il confine tra scultura, pittura e oggetto è nullo.

Raffaele Rossi - Opere scelte

Castelfranco Veneto (TV) - dal 23 gennaio al 12 febbraio 2011
Raffaele Rossi - Opere scelte

GALLERIA FLAVIOSTOCCO vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede

Borgo Pieve 21 (31033)

+39 0423495661 , +39 0423495661 (fax)

flaviostocco@tiscali.it

www.flaviostocco.it

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Eventi in corso nei dintorni

La scoperta del mondo di Rossi attraverso temi come gli Argonauti, I Dogi, Cavalieri e le sacre coppe,entrando nell'esoterismo attraverso l'Alchimia, la "trasmutazione dei metalli" e l'antroposofia.

orario: da Lunedì a Sabato ore 10-12.30 e 15.30-19.30 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance

vernissage: 23 gennaio 2011. ore 18.30

autori: Raffaele Rossi

genere: arte contemporanea, personale La Galleria Flaviostocco presenta una personale di Raffaele Rossi(Alba 1956). Domenica 22 Gennaio alle 18.30 sarà aperta la mostra.L'artista riunisce un gruppo di opere sceltissime che permetterà al visitatore la scoperta del mondo di Rossi attraverso temi come gli Argonauti, I Dogi, Cavalieri e le sacre coppe,entrando nell'esoterismo attraverso l'Alchimia, la "trasmutazione dei metalli" e l'antroposofia. Le opere sono affresci, affascinanti e di grande tecnica, infatti Rossi ha un particolare amore per la calce e gli intonaci e il suo lavoro è caratterizzato dall’uso della polvere di marmo, del cocciopesto, delle sabbie naturali e alcune colorazioni ottenuta dall'ossidazione dei metalli

Eduard Habicher / Paolo Iacchetti - Note astratte tra pittura e scultura

Paolo Iacchetti, Distanze, 2010, olio su tela, cm 47x53
Paolo Iacchetti, Ombra, 2010, olio su tela, cm 150x45

Bologna - dal 22 gennaio al 12 marzo 2011
Eduard Habicher / Paolo Iacchetti - Note astratte tra pittura e scultura

GALLERIA STUDIO G7 vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede

Via Val D'Aposa 4a (40123)

+39 0512960371

info@galleriastudiog7.it

www.galleriastudiog7.it

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Eventi in corso nei dintorni

Sia nel lavoro di Habicher che in quello di Iacchetti dominano assenza di riferimenti visibili alla realtà unitamente ad un aspetto rigoroso ed essenziale, l’attaccamento al materiale utilizzato e al suo effetto sul piano percettivo.

orario: da martedì a sabato 15.30-19.30 mattina, lunedì e festivi per appuntamento (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance - libero

vernissage: 22 gennaio 2011. ore 18

ufficio stampa: STUDIO PESCI

autori: Eduard Habicher, Paolo Iacchetti

genere: arte contemporanea, doppia personale Paolo Iacchetti si concentra fin dai suoi esordi sull’indagine pittorica, Eduard Habicher è invece uno scultore. Entrambi sono profondamente legati al mezzo espressivo con cui operano che costituisce lo strumento fondamentale della loro ricerca. La mostra "Note Astratte" vede esposte le opere più recenti dei due artisti e il suo titolo vuole porre l’accento sulla componente astratta che, seppur in modo differente, caratterizza il lavoro di entrambi. Sul piano formale sia nel lavoro di Habicher che in quello di Iacchetti, infatti, dominano assenza di riferimenti visibili alla realtà unitamente ad un aspetto rigoroso ed essenziale. E’ caratteristica di entrambi inoltre l’attaccamento al materiale utilizzato e al suo effetto sul piano percettivo. A tutto ciò si affianca, come tratto di segno opposto, una componente poetica riscontrabile sia nelle forme sinuose di Habicher che nella vibrante verietà dei monocromi di Iacchetti, ma anche nei titoli che i due artisti scelgono per le proprie opere, capaci di trascinare queste in un universo reale, quotidiano, a volte intimo. L’ultimo aspetto che accomuna entrambi è il rapporto con lo spazio che include anche suo significato di “vuoto”. Questo entrando all’interno dell’opera muta il proprio valore e ne diventa parte costituente. Iacchetti inizia la sua attività durante i primi anni ‘80 e fin dal primo momento la sua ricerca si lega ai principi della linea pittorica astratta cominciata dai maestri delle avanguardie e proseguita con le successive esperienze analitiche. Una linea di tendenza che sostiene la funzione autonoma della pittura liberandola da ogni legame con la rappresentazione. Il metodo e l’analisi alla base dell’opera di questo artista danno, infatti, risalto a un concetto di pittura intesa come entità concreta, priva di rimandi o giustificazioni esterne. Influenzato in modo determinante dalle esperienze minimaliste e dalla fascinazione per Robert Rymann e Sol Lewitt, Iacchetti riconosce, tuttavia, la vicinanza di di artisti come Pollock e Newman in relazione ai suoi studi sul rapporto tra spazio e distribuzione del colore. In linea con la rinnovata esperienza pittorica di matrice neoespressionista, inoltre, nel lavoro dell’artista si fa spazio una componente soggettiva basata sul coinvolgimento personale nella ricerca sul colore. Questo si configura come l’oggetto principale della sua analisi ed è preso in considerazione sia sul piano strettamente cromatico, sia nella sua matericità che tiene conto degli effetti sul supporto utilizzato. Il rapporto con il colore diventa spesso quasi fisico, tale da spingere l’artista d utilizzare le mani direttamente sulla tela o sulla tavola per stenderlo. Gradualmente dalla fine degli anni ’90 dalle opere di Iacchetti scompare ogni riferimento formale che possa in qualche modo definire e diversificare le aree cromatiche. La superficie così liberata lascia spazio a quel “vuoto” in cui la materialità del colore può trovare adeguato risalto. Le tele di Iacchetti monocrome ad una prima occhiata rivelano allo sguardo successivo una miriade di tonalità e gradazioni espandersi su tutta la superficie pittorica e necessariamente coinvolgono il tempo, il tempo libero di osservazione. La variazione cromatica nei suoi lavori è il risultato di una pittura stesa strato dopo strato le cui note di colore danno luogo ad uno lavoro formalmente essenziale ma ricco di melodia. Tra gli eventi a cui ha preso parte Paolo Iacchetti nei suoi anni di attività ricordiamo brevemente la mostra personale, Galleria Baumgarten, Friburgo, 2007, al Museo della Permanente a Milano, 2006, Un secolo di di arte italiana, Mart; Rovereto, 2006, Il paesaggio italiano contemporaneo, Palazzo Ducale, Gubbio, 2005, mostra personale, Galleria Carzaniga, Basilea, 2004, Kunstsammlungen, Wuppertal Von der Heydt Museum, Weimar, 2004, Bella Pittura, Stadtgalerie, Klangefurt, 2003, Le figura mancanti, Fondazione Palazzo Bricherasio, Torino. La scultura di Eduard Habicher, come nota il critico Valerio Dehò, è da collegare alle esperienze di artisti come Julio Gonzales e David Smith nelle cui opere i sottili corpi scultorei si muovono inserendosi liberamente nell’aria. Il lavoro Habicher si compone per l’appunto di forme che disegnano lo spazio, dove i volumi si spogliano di materia lasciando che siano i vuoti a determinare la caratteristica tridimensionalità. Tra i materiali utilizzati spicca sopra tutti l’acciaio, i cui freddi bagliori richiamano segmenti luminosi e il cui peso sembra attenuarsi nelle forme lineari che allungandosi si librano nell’aria. La durezza del metallo è sopraffatta dalla forza creativa dell’artista che ne piega gli elementi, li attorciglia su se stessi, li curva, li annoda, dando luogo a forme astratte ora chiuse ora aperte, dove il materiale riveste in prevalenza funzione segnica e coinvolge lo spazio circostante nella sua totalità. Gli acciai usati da Habicher sono spesso ricavati da elementi di diverso utilizzo, come la putrella, che modificati nella forma e nel colore perdono all’interno dell’opera il loro valore iniziale per acquisire la qualità astratta dell’insieme. Il rapporto di scambio tra vuoto e materia, in questo lavoro, si accompagna spesso ad un ulteriore gioco di valori tra di loro in antitesi come caldo e freddo, duro e fragile, trasparente e opaco e sono evocati dagli altri materiali utilizzati di volta in volta associati al metallo. L’artista si serve infatti di vetro, pietra e di un materiale “caldo” e di natura organica come il legno combusto per realizzare le sue sculture dall’aspetto misurato ma allo stesso tempo suggestivo caratterizzato da essenzialità e pulizia. Per la leggerezza e l’evanescenza della struttura, le sculture di Habicher dialogano in modo armonico con le architetture e sono pensate sia per spazi interni che per luoghi all’aperto. Le opere, dalle dimensioni molto variabili sono state installate nelle varie occasioni in siti diversi tra di loro come ad esempio lo spazio urbano che costeggia l’argine del fiume Spree a Berlino o le mura di Castel Tirolo a Merano Tra le numerose mostre in spazi pubblici e privati a cui l’artista ha preso parte nel corso degli anni ricordiamo brevemente: mostra personale, Galerie Son, Berlino, interventi urbani, 2010, Drawing Space, a cura di Valerio Dehò, Kunst Merano, Merano, 2009, The rose in the still dust, Castel Tirolo, Merano, 2009, Profili Due, a cura di Giovanna Nicoletti, Galleria Civica, Arco, 2008, Meccaniche della meraviglia, a cura di Walter Guadagnini, Lonato, Brescia, 2006, Idee nello spazio, Castel Pergine, Pergine Valsugana, 2003.

Janpea - Grafia dell’Oceano

Ferrara - dal 20 gennaio al 23 febbraio 2011

Janpea - Grafia dell’Oceano

GALLERIA 9 COLONNE SPE vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede

Via Degli Armari 24 (44100)

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Eventi in corso nei dintorni

Gianpaolo Pea (in arte Janpea) dipinge guardando l’oceano di Fuerteventura. Onde lunghe e larghe, potenti, che sanno di forza e decisione. Ha così la possibilità di scorgere ogni minimo movimento, ogni diversa sfumatura di colore.

orario: 9.00-12.30 / 15.00-18.30, sabato e festivi chiuso (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: free admittance

vernissage: 20 gennaio 2011. ore 15.00

curatori: vera agosti

autori: Gianpaolo Pea

note: Organizzazione e promozione arte contemporanea: Club D’Ars

genere: arte contemporanea, personale

email: info@fondazionedars.it

web: www.fondazionedars.it Janpea: grafia dell’oceano di Valter Fabbri Sulle pareti avvolgenti, le acque dell’oceano di Fuerteventura: è l’immediata sensazione visiva della personale di Gianpaolo Pea, in arte Janpea, alla Galleria 9 Colonne di Bologna, inauguratasi il 16 dicembre 2010. Gli occhi scorrono sulle opere invitando ad approfondire questo straordinario gioco di linee. In taluni casi si raggiunge l'astrazione dell'immagine, ma come sintesi di approfondimento della visione oltre la superficialità, per entrare nell’astrazione della vita. Janpea è un sognatore concreto che contempla il mare dell’oceano sotto casa. Fotografa e osserva la luce del sole che gioca col vento buono. Le onde lunghe o larghe, brevi o sfrangiate, sono sempre espressione di forza e inarrestabile volontà. Il colore delle opere è come quello del mare, che rimbalza il colore/calore del cielo (blu, azzurro, arancio, grigio...) ad effetto "guazzo" nella superficie trasparente ed increspata, evidenziando vuoto e pieno come un ricamo elegante. Janpea, nell’unicità del tema, l'acqua dell'oceano, denuncia ed esalta la propria solitudine. Il mare, interpretato, replicato, ripetuto, diventa un lezionario e un antifonario, quasi di richiamo liturgico. La pennellata, precisa e delicata, trasmette l’idea del movimento, la trasparenza della liquidità e rende riconoscibile la bellezza dell’esclusiva natura. Così scrive l'artista: "Il mare, giocando con il sole, dipinge arabeschi magici. L'osservazione di questo fenomeno naturale e fantastico che, attimo dopo attimo, in creazione infinita, prende sempre forme diverse, mi ha permesso di dar vita alle mie opere". (Il Corriere dell’Arte, 21 Gennaio 2010) Gianpaolo Pea nasce a Milano nel 1939. Giovanissimo, si distingue per l’abilità nel disegno e il senso del colore. Viene invitato a diventare allievo di Sironi, ma la famiglia gli impedisce di seguire la carriera artistica. Solo quando raggiunge l’indipendenza personale, frequentala Scuola del Castello Sforzesco, e la sua attività principale diviene la grafica. La pittura resta una passione, fino a quando, raggiunta la piena consapevolezza del proprio sentire artistico, non decide di esporre per farsi conoscere e apprezzare.

Nazareno Rocchetti e l'energia creatrice. Il fuoco, la dissoluzione del mondo, la sacralità dei sensi.

PAESAGGIO - 2006 - Tecnica mista su tavola 140x85 cm.

"People who follow Rocchetti's paintings want everithing. They want the beauty, the action, tha drama, the excitment, the sadness; just everything." (Victor De Circasia)

"Nazareno è energia pura. La sprigiona dalla testa, prima che dalle mani, e per dipingere non a caso ha scelto un alleato che gli assomiglia: il fuoco. Che può essere docile, benevolo, capriccioso, lento, improvviso, in ogni caso imprevedibile, come lui e insieme a lui dà forma a opere univche, irripetibili.

E' impossibile per quanto mi riguarda, restare indifferente davanti ai suoi dipinti: evocano scenari ancestrali, ineffabili costringono a farsi domande, a scavare nell'inconscio, ad abbandonarsi alla curiosità di decodificare sensazioni, impressioni. Che poi le riposte si trovino, che siano giuste o sbagliate - secondo chi poi? - non importa: l'arte ha svolto il suo compito, e cosìRocchetti egregiamnete per il suo piacere e per il nostro." (Neri Marcorè)

Colori impressi a fuoco sulla tavola, come reminiscenze di un passato onirco universale, figure inquiete e tormentate, dilaniate dal dolore della nascita ma che al tempo stesso sprigionano l' incontenibile energia posi tiva della materia primordiale.

Tutto questo è nelle opere di Nazareno Rocchetti, pittore e scultore marchigiano comemporaneo che trae la propria ispirazione dai grandi artisti dell 'esperienza informale gestuale (Pollock, Kline), segnica (Mathieu, Hartung, Tobey), ma soprattutto materica (Fautrier, Tapies, Burri). I suoi fiori, le sue donne, i suoi paesaggi rappresentano le tre anime dell'artista: romantica, curiosa e inquieta, passionale e travolgente.

Rocchetti nasce a Filottrano, in provincia di Ancona, il 6 Gennaio 1947. Fisioterapista della Nazionale Italiana di Atletica Leggera, tra i suoi atleti più noti si ricordano Pietro Mennea, Sara Simeoni, Gabriella Dorio, Giovanna Trillini, Gelindo Bordin, Valentina Vezzali. Fondamentale nel suo percorso artistico è l'incontro con l'artista spagnolo Josè Guevara, dal quale apprende la tecnica del fuoco, facendola propria fino al punto di renderla parte essenziale di sé e della propria vita. Guevara nasce in Spagna, a Pueblo de Guzman nel 1926. Nel 1953, a Montevideo, scopre una tecnica che segnerà definitivamente la sua personalità di artista, rendendo lo uno dei più originali sponenti dell 'informalismo materico mondiale: "oleo por combustion del pigmento" che consiste nella bruciatura della materia pittorica preventivamente trattata.

Il fuoco diventa così genio creatore, plasma colore e materia, generando distese esotiche, porti notturni, in una incessante metamorfosi di identità e forme.
Suo allievo prediletto, l'unico accettato e riconosciuto come tale, è proprio Nazareno Rocchetti, che, come il maestro, comincia ben presto a servirsi del fuoco per materializzare sulla tela la propria visione del mondo. Il fuoco, la pietra, il legno.

Per lui, pittore e scultore, il contatto con gli elementi naturali è assolutamente vitale. Artista, pioniere, sperimentato re, le sfide non lo spaventano, anzi. Semmai lo spingono a raggiungere traguardi sempre più arditi e ambiziosi. Le tappe del suo rapporto tattile e passionale con la materia lo vedono scegliere prima l'argilla, poi la pietra e il marmo.
Corpi tendenti all'infinito in un gemito di tacita consapevolezza del dolore, volti birichini, astrazioni, ricordi onirici. Rocchetti è surrealista, visionario, materico, divora concetti e tecniche in un'insaziabile brama di conoscenza e sperimentazione.

Paesaggi indefiniti, lontani, quasi evanescenti nel ricordo e nella consistenza si allernano con dirompenli emanazioni di energia allo stato puro, scaturita dalla deflagrazione della materia quasi in un novello Big Bang e a fiori, i fiori di Rocchetti, meravigliosi, inquietanti, romantici, provocatori: quello che all'apparenza sembra un fiore può celare altro, serbare pericoli, porci di fronte a enigmi come una sfinge che si materializza al bivio, lasciandoci liberi di scegli ere in quale direzionc andare.

Una delle opere più emblematiche di Rocchetti scultore: l'uomo-mela (l'uomo che diventa mela o la mela, frutto proibito, che divora l'uomo?). L'uomo-mela di Rocchetti lotta senza usare violenza per liberarsi del simbolo del peccato originale, per riponare il lutto allo stato iniziale, al giardino dell'Eden. Ma la sofferenza è palpabile, il peso del male è in procinto di schiacciarlo, in ogni istante la trasmutazione potrebbe arrivare a compimento; l'uomo resiste alla tentazione di cadere, di subire la metamorfosi, di lasciare che la sua natura divina venga annientata del tutto.

Un duello senza vincitori né vinti, che si cristallizza nella figura eterna e duplice, solo per metà umana. Rocchetti non dà mai soluzioni, non svela il finale, non indica una strada ma molteplici strade. I suoi mille volti non finiscono mai di stupire. E come lui, le sue opere.

Dolce, irruento, provocatore e sempre pronto alla burla, Rocchelli è eclettico, onnivoro, vulcanico, ma anche incline alla riflessione e a indagare, indugiando, su se stesso e sull'umanità che lo circonda. Lungi dall' emettere giudizi, si limita a porre l'osservatore di fronte a mille possibili soluzioni interpretative, a mille mondi possibili che derivano dalla negazione del mondo e dalla sua continua dissoluzione.

Dalle sue mani affiorano opere spettacolari e sculture imponenti come "La mano" Installata nel "Parco delle Pietre vive" di Cingoli: 13 tonnellate raffiguranti la mano sinistra con la palma rivolta verso l'alto, mentre dal basso dita di altre mani cercano di trascinarla nella bocca del vulcano. Ed ecco di nuovo l'allegoria: il bene che si scontra con le forze negative del male. Ma se in scultura per Rocchetti le regole hanno ancora un valore, in pittura contano solo intuizione, sensibilità, immaginazione. Lo svanire, la dissoluzione, è l'essenza dell'opera di Rocchetti: un veicolo d' irrazionalità, un mezzo affinché il materiale stesso susciti l'opera, il simbolo dell'intervento del caso e delle qualità della materia nella stessa configurazione dcllo spazio plastico.

La poderosa presenza del mondo naturale, in un sistema di flussi e riflussi di vasi comunicanti, presiede la regione più inquietante dell'opera di Rocchetti.
E' il paese dei boschi notturni, dei mondi sommersi, delle eruzioni vulcaniche, delle città sacre. Casualità e automatismo rappresentano per Rocchetti la possibilità di sovvertire gli assiomi universalmente accettati.

Denunciare che il mondo e la nostra identità sono illusori o suscettibili di svanire, denunciare che non sappiamo che cosa siamo nè chi siamo, presuppone aprire le porte della paura innanzi allo sconosciuto mentale, che fìnisce con l'essere anche lo sconosciuto fisico, la negazione della realtà normalmente percepita.
La liturgia dell'universo del fuoco e al tempo stesso del mondo sottomarino è così necessaria: è insieme un esorcismo liberatore e una ricerca della propria identità in un ambito dove non esistono identità riconoscibili.

Le opere di Rocchetti diventano così uno scenario visionario e surreale, un'esperienza in cui si rivivono la creazione, il dolore, la meraviglia.

Nazareno Rocchetti è positivo, dinamico, infonde fiducia. La sua stretta di mano ed il suo sguardo, che vanno diritti al cuore, inducono naturalmente ad approcciarsi in maniera confidenziale con l'uomo e l'artista, aprendogli cuore ed anima; cuore e anima rimandano al fuoco.

"Il mio è un percorso strano - ha detto più volte Rocchetti - ma non casuale. Sono un chiropratico che ha girato il mondo raddrizzando le schiene degli atleti e cercando con la sapienza della manualità di portare benessere e salute all'uomo.
Ho sempre avuto in questa manualità una fase creativa, per esempio dilettandomi di scultura, mio primo amore artistico. Poi, folgorato dalla tecnica di Guevara ho scoperto la potenza espressiva del fuoco".

Rocchetti rifiuta qualsiasi idea, qualsiasi immagine offra spazio ad interpretazioni razionali, psicologiche o culturali: con le sue opere apre ogni porta all'irrazionale, attraverso scene e scenari che sconvolgono senza che l'osservatore ne conosca la vera ragione. Il suo Iinguaggio va i nteso come strumento di transizione nomadica, teso a travalicare i confini della rappresentazione: le sue forme, immagini prive di punti di riferimento, affogate come sono nelle grandi campiture del fuoco, che annullano ogni possibile rapporto col tempo, sono apparizioni che affiorano lentamente alla superficie per oltrepassarla, rimanere sospese al di là dello spazio, essere catturate da uno sguardo, un'emozione, un pensiero, per poi dissolversi nell'eterno divenire dell'universo e nuovamente plasmate dall'elemento che le ha generate.

Le opere di Nazareno sono esposte ovunque: nel museo dell'Etichetta Cupramontana (AN), nel museo della Modernità di Filottrano (AN), nel museo Beato Sante Mombararoccio (PU), nella Pinacoteca d'Arte dei Frati Minori Falconara (AN), nella Pinacoteca Pieve Torina (MC), nel museo di Arte Sacra di Serrapretona (MC), nel Parco pubblico Fontescodella di Macerata, in Piazza Cerasa a Mondolfo (PU), Parco delle Pietre Vive Cingoli (MC), la sede del Centro Sportivo Universitario di Torino.
Lavori che colpiscono per la capacità di evocare, trascinando l'osservatore in una dimensione fatta di oblio e di incantato stupore, ogni volta come fosse la prima, le atmosfere telluriche e primordiali delle origini del tutto.

Critico d 'Arte
Dott.ssa Lucia Mosca

"Se in scultura Rocchetti rispetta le regole, in pittura le stravolge, affidandosi all'automatismo linguistico che appare guidato da una sorta di sesto senso, fatto di intuizione, sensibilità, immaginazione." (Alvaro Valentini)

"Nazareno Rocchetti pensa, agisce, scolpisce e dipinge con una vitalità che assomiglia a quella di un ciclone". (Armando Ginesi)