Edward Hopper

MILANO, PALAZZO REALE
15 OTTOBRE 2009 > 25 GENNAIO 2010
a cura di: Carter Foster
In collaborazione con il Whitney Museum of American Art, New York

Edward Hopper, Morning sun, 1952
Columbus, Columbus Museum of Art

NEROCUBO PER NON VEDERE TUTTO NERO

NEROCUBO PER NON VEDERE TUTTO NERO

Nella Valle dell’Adige svetta un nuovissimo quattro stelle: il Nerocubohotel di Rovereto, dimora temporanea per tutti gli ospiti curiosi. Casa sicura e permanente per otto artisti contemporanei. E soprattutto non il solito art hotel. “Exibart” ne ha parlato con Paolo Pedri, immobiliarista e collezionista. Che gli imprenditori ci stiano dicendo che si può veder nero in senso positivo?

Un hotel innovativo, forziere per opere d’arte. Com’è nato il progetto? Quali sfide avete affrontato?
Già da qualche anno si era manifestata la necessità di incrementare l’offerta ricettiva di Rovereto, specie dopo l’apertura del Mart che, ricordo, riesce ad attirare più di duecentomila visitatori all’anno.

Nerocubohotel non è solo una risposta efficiente all’esigenza di nuovi posti letto, ma ambisce a essere un elemento d’attrazione in quanto tale.
Ci siamo arrivati per gradi ed è stato un crescendo: la sensazione di sentire che hai tra le mani l’opportunità di fare qualcosa di diverso... La sfida è stata quella di riuscire a sviluppare e coniugare tre distinti filoni di ricerca: un progetto architettonico e di interior design; un progetto domotico e di energie rinnovabili; un progetto artistico e culturale.

Il nome dell'hotel è Nerocubo, il volume è un agile parallelepipedo con una “pelle” esterna costituita da singole lastre in fibrocemento color ardesia. Vi siete ispirati al Black cube di Gregor Schneider?
No, le forme e l’architettura sono state ispirate dal contesto e dal paesaggio. Mi piace citare le parole dell’architetto Enrico Ferreguti: “Di fatto, per le modalità di fruizione e visibilità, esso è un edificio senza prospetti, non ci sono infatti le condizioni per una percezione statica, accurata, del complesso, che invece appare come un volume studiato per essere percepito in modo dinamico, con ‘la coda dell’occhio’, in cui gli scorci e l’assemblaggio appaiono attraenti e cangianti in modo inaspettato e reso nel contempo attraente e misterioso dalle deformazioni delle facce e dalla apparente casualità delle finestrature; stretto tra la ferrovia e l’autostrada, esso appare come dinamicamente deformato dalle potenti linee di forza che solcano longitudinalmente il paesaggio, come una roccia plasmata dal vento tesa ad assecondare, e non a opporsi, questi potenti flussi di energia”. La ricerca del nome è invece durata mesi, insieme allo studio di grafica evoq.it, con cui collaboriamo per sviluppare la comunicazione. Non sapevamo cosa volevamo, ma solo cosa non volevamo: nessun riferimento preciso e nessun richiamo diretto a qualcosa che potesse essere tangibile o immaginabile.

Come si legano l'idea di business, la struttura architettonica e la scelta di proporre opere di artisti emergenti all’interno?
È una questione di coerenza di linguaggi. Ci siamo mossi in questa direzione spinti più dalla passione che dal business, anche se le soddisfazioni economiche non dovrebbero mancare. Tutti sono alla ricerca di emozioni, specie se solo per una notte... E confido negli otto artisti: se anche solo uno farà il grande salto, il progetto potrà diventare esso stesso un business.

Qual è stata l’entità dell’investimento?
È un investimento importante, realizzato con il contributo fondamentale degli istituti di credito che credono nel progetto. Le opere sono state tutte acquistate e costituiscono la collezione dell’hotel, diventando così l’investimento nell’investimento.

MIRÓILLUSTRATORE

MIRÓILLUSTRATORE

15 marzo-14 giugno

Mostra a cura di Michele Tavola

INAUGURAZIONE

Domenica 15 marzo ore 15.30

Dopo l'interesse suscitato dalla mostra Matisse illustratore, l'Assessorato alle Politiche culturali della Città di Carpi, con il contributo di Banca Mediolanum, propone un altro appuntamento di grande qualità all'interno dello spazio espositivo della Biblioteca Multimediale A. Loria, all'insegna della scoperta del libro d'artista. Protagonista della mostra sarà il celeberrimo esponente del surrealismo spagnolo Joan Miró.

Dal 15 marzo al 14 giugno verranno presentate circa 90 opere grafiche originali di questo maestro del ventesimo secolo. Nella vasta e articolata produzione artistica di Miró, che esplorò tutte le tecniche della pittura, del disegno, della scultura e della grafica d'arte, i libri illustrati ricoprono un ruolo di fondamentale importanza, pur essendo, ancora oggi, l'aspetto della sua attività meno noto al grande pubblico. La mostra di Carpi, infatti, costituisce un evento inedito in Italia nell'ottica di fornire una visione ancor più approfondita dell'opera del maestro di Barcellona.

Le coloratissime litografie e le raffinate incisioni create per illustrare i suoi libri sono di straordinario impatto visivo. Uno dei punti di forza di questa mostra, ricca di esemplari rari e preziosi, è il Parler seul (1948-1959), in cui le poesie composte in manicomio da Tristan Tzara e le splendide forme di Miró si intrecciano e dialogano sulla pagina. Tra i numerosi libri da cui verranno tratte le opere presentate al pubblico, merita una menzione lo spettacolare Album 19, introdotto da un testo appositamente scritto da Raymond Queneau e pubblicato nel 1961 da Aimé Maeght, mercante ed editore di fiducia del nostro artista.

Parte integrante dell'esposizione è il catalogo edito da ETS (Pisa) e curato da Michele Tavola, che raccoglie originali contributi critici dello stesso Tavola e della studiosa Chiara Gatti, le schede descrittive di tutte le opere esposte (provenienti da collezioni italiane e francesi) oltre a un'intervista all'artista Valerio Adami.

Durante il periodo d'apertura è stato inoltre organizzato un ricco programma di eventi collaterali che consentiranno al pubblico di conoscere e sperimentare la ricchezza di stimoli culturali che Miró può trasmettere a chi si abbandona ai suoi stimoli. Visite guidate, laboratori e performance creative per famiglie e adulti accompagneranno il visitatore oltre la visione delle opere, per un'esperienza completa in grado di trascinare, pennelli alla mano, dentro la potenza espressiva di questo grande artista la cui poetica è moderna in ogni tempo ed oggi, forse, più attuale che mai.

Fino al 30.III.2009 Renato Mambor Napoli, Castel Sant’Elmo

Abbandonato il Parnaso con tutte le meravigliose fanciulle che lo abitano, l’artista contemporaneo ricerca le sue muse fra strade bagnate e asfalti maleodoranti; in questi casi può capitare che l’ispirazione assuma le forme non proprio aggraziate d’un camion. È quanto è accaduto a Renato Mambor (Roma, 1936), artista dell’avanguardia italiana anni ’60, al quale Napoli dedica una ricca antologica presso gli spazi di Castel Sant’ Elmo, a cura di Achille Bonito Oliva.
Mambor comincia la sua ricerca artistica nell’Italia sospesa tra sogno americano e disincanto derivato dal fallimento dei tentativi di conciliazione tra le diverse culture europee, dopo che il conflitto mondiale prima e la guerra fredda poi avevano diviso società e smembrato geografie. Come l’Europa, l’arte di Mambor non può più conciliare i diversi aspetti della vita, e la sua ragion d’essere finisce col risiedere unicamente nella forma.
È in un clima tale che il camion diventa musa (l’opera che segna questo sodalizio, Segnale Rosso su Giallo Blu, in mostra è accostata ad altre più tarde, esplicitando in tal modo il suo essere progenitrice di tutta la poetica del romano): l’artista, infatti, recupera, dalla segnaletica per il trasporto su quattro ruote l’idea di adottare segni impersonali, riconoscibili in quanto tali, in-identificativi e tuttavia capaci di veicolare una funzione informativa. Il loro esser simboli, dunque, non ha carattere funzionale, bensì sostanziale, perché è a partire dal semplice assunto formale che lo spettatore può vestire il segno di una valenza che arricchisce la sua oggettività.

Ne è un esempio Separé, installazione-scultura in cui sagome umane atteggiate in vario modo si aprono su pannelli retrostanti, su cui sono applicati materiali diversi. Ciascuna coppia appare come un microcosmo incompiuto: i vari elementi che la costituiscono sono in attesa di relazione: la possibilità per la sagoma e l’oggetto di interagire è data unicamente da tutte le loro possibili interpretazioni. “C’è sempre”, dice l’artista, “un qualcosa che lo spettatore deve completare. La mia opera comincia da me e finisce nell’occhio dello spettatore”.La volontà di chiamare quest’ultimo a completare il formalismo dell’opera, aggiungendo valori nuovi alla forma data dall’artista, la ritroviamo in Karma Immutabile e Ombra Immutabile - entrambe presentate in occasione della 52esima Biennale di Venezia -, dove accostare sagome di uomini-ombra bianche e nere, positive e negative, è funzionale alla possibilità dello spettatore di ricondurle alla sostanziale unità della matrice, “nella quale solo esiste la possibilità di un mutamento” che le riguardi.
Dal segno iconico, Mambor passa a delegare al linguaggio il compito d’impaginare nuovi rapporti tra le immagini. I Diari - quelli personali del 1967 e del 2007, passando per quelli del 1969 realizzati in collaborazione con gli amici artisti - sono opere imperniate su un attrito fra immagine immobile, costituita da un oggetto facilmente riconoscibile nonostante la sua sintesi formale, e azione rivelata dal titolo, solitamente un verbo coerente con la destinazione d’uso dell’oggetto stesso.

In questo caso il funzionamento razionale dell’opera si compie nell’atto stesso del suo essere percepito. Ancora una volta, il simbolo si demitizza, questa volta superato dal linguaggio, che ne suggerisce una complessità sempre e soltanto formale, imponendosi come necessario a completare il senso di un’arte che, altrimenti, rimarrebbe oggetto inerte, pigra superficie.
L’idea del movimento mentale come necessità per risalire al valore dalla forma del simbolo si concretizza in un atto fisico nella scultorea Circolare, una sorta di lanterna magica intorno alla quale l’uomo-bambino è chiamato a correre. Per ricevere l’impressione del movimento di un anonimo viandante disegnato sulle pareti interne dell’esagono.

"Cromofobie". Una mostra di pittura a Pescara per esaltare il bianco e il nero

All'ex Aurum di Pescara, struttura progettata da Giovanni Michelucci negli anni Trenta, ospita, dal 14 febbraio, la mostra "Cromofobie, percorsi del bianco e del nero nell'arte italiana contemporanea". La mostra, curata da Silvia Pegoraro, e' realizzata dalla Regione Abruzzo e dal Comune di Pescara nell'ambito di un progetto pilota della Parc - Direzione generale per la qualita' e la tutela del paesaggio, l'architettura e l'arte contemporanee del Ministero per i Beni e le Attivita' Culturali, intitolato "Sensi Contemporanei", con la collaborazione del Ministero per lo Sviluppo Economico e della Biennale di Venezia. L'idea della mostra dedicata ai "Percorsi del bianco e del nero nell'arte italiana contemporanea" e' nata dalla fascinazione esercitata sulla curatrice dal grande "Tunnel" optical di Getulio Alviani, presente all'interno dell'Ex Aurum di Pescara.

Si tratta di una grande opera-ambiente, fondata su una semplicissima e complessa interazione ottico-mentale tra il bianco e il nero. "Mi auguro - scrive Silvia Pegoraro - che questo grande lavoro di Alviani, racchiuso nel cuore dell'edificio di Michelucci, anzi, ormai parte di esso, possa essere universalmente e durevolmente interpretato come il segno e il simbolo della vocazione artistica di questo luogo: della sua splendida vocazione ad ospitare eventi d'arte e cultura di grande valore e di ampio respiro. Eventi che superino il corto raggio degli interessi e delle competenze di una sia pur vivacissima provincia. Perche' la forza di un territorio si misura dal suo sapersi idealmente allargare, fino ad abbracciare cio' che e' apparentemente lontano, cio' che sta oltre l'ambito locale (o localistico), catturandone, sapientemente, l'attenzione, l'energia, le risorse."

La mostra vuole essere una panoramica significativa della presenza del bianco e del nero nell'arte italiana contemporanea, dal dopoguerra ad oggi, a partire cioe' da espressioni storicizzate del bianco e del nero nell'arte, sia iconica che aniconica, sino ad arrivare agli sviluppi piu' attuali delle ricerche sul bianco e il nero, nelle giovani generazioni. Saranno presenti 76 artisti, ed esposte circa 130 opere, per costruire un percorso storico-tematico che vada, appunto, da lavori gia' "storicizzati" ai lavori di artisti delle ultime generazioni. Solo per citarne alcuni: Enrico Baj, Alberto Burri, Enrico Castellani, Giuseppe Caporossi, Gino De Dominicis, Lucio Fontana, Ezio Gribaudo, Piero Manzoni, Gastone Novelli, Giuseppe Santomaso, Angelo Savelli, Mario Schifano, Antonio Sanfilippo, Giulio Turcato e Emilio Vedova. Non dimenticando Carla Accardi, Domenico Bianchi, Luigi Boille, Nicola De Maria, Omar Galliani, Jannis Kounellis, Fabio Mauri, Gianfranco Notargiacomo, Nunzio, Oliviero Rainaldi, Giuseppe Spagnulo, Marco Tirelli e Gilberto Zorio, e fra i giovani Andrea Chiesi, Paolo Grassino, Luca Pancrazzi e Gino Sabatini Odoardi.

Il bianco e il nero possono significare l'assenza o la somma di tutti i colori, e nel Novecento assurgono a simbolo della tautologia, categoria fondamentale e fondante di tanta arte del XX secolo, tutta piu' o meno legata a una radice "concettuale" in senso lato, dal Quadrato bianco su fondo bianco di Malevi? al bianco "assoluto" di Ryman, ai neri di Burri e di Reinhardt. Molti artisti contemporanei usano il bianco e il nero con una forte consapevolezza della tensione che questi non-colori determinano, perche' di fronte al vuoto o al silenzio lo spettatore e' preso da una sorta di vertigine che puo' sgomentare oppure puo' innescare uno stimolante meccanismo di ricerca, inconscia o consapevole, tale da mettere in moto tutte le sensibilita' emotive e logiche, evocative e mnemoniche, come in una sorta di percorso iniziatico.

Fonte: adnkronos

Milano celebra il Futurismo. Mostre, spettacoli e musica per i cento anni del movimento

Inaugurata oggi a Milano la mostra "Futurismo 1909-2009", asse portante del programma di mostre, spettacoli, eventi intitolata "FuturisMi" e dedicata al centenario della pubblicazione del Manifesto del movimento, firmato da Filippo Tommaso Marinetti.

Fino al 16 aprile Milano ospitera' numerose iniziative a tema. Oltre alla grande mostra a Palazzo Reale, che conta circa 400 opere, e l'esposizione al Palazzo delle Stelline "F.T. Marinetti=Futurismo", incentrata sulla figura del poeta, sono previste altri 'eventi futuristi'. Dallo spettacolo di suoni e luci in Piazzetta Reale, alle 10 serate a tema sul Teatro Futurista. In centro citta' lo spettacolo 'La citta' che sale', una coreografia metropolitana a cura della compagnia di danza parigina Retouramont.

Nelle biblioteche 'Revolverate!', letture teatrali su testi di Gian Pietro Lucini, mentre Torre Branca, Terrazza Martini e il Palazzo della Ragioneria del Comune di Milano si trasformeranno in palcoscenici aerei.

Un FuturTram sara' a disposizione dei bambini e delle loro famiglie per vedere Milano da una prospettiva insolita e a Palazzo Mezzanotte, sede della Borsa di Milano, tutti potranno partecipare allo spettacolo-gioco interattivo 'Cruciverbo teatrale'. Infine 'Cut the jam' sara' l'occasione di partecipare ad un happening musicale di 21 pianoforti che suoneranno contemporaneamente.

"Il nostro e' un Paese vecchio e polveroso -dichiara Massimiliano Finazzer Flory, assessore alla Cultura del Comune di Milano- ci siamo rotti le scatole. Come i Futuristi anch'io sono contro i professori, gli archeologi, gli antiquari, contro una visione accademica che ha allontanato l'arte dagli artisti e gli artisti dalle persone''.

''La gente vuole divertirsi con l'arte -continua- e FuturisMi sara' l'occasione di vivere lo spirito del movimento, portando energia, adrenalina e ormoni nelle strade di questa citta' che sembra aver fatto finire tutto nell'economia e nell'impresa. Futurismo significa certamente guardare al futuro ma soprattutto significa capire quale passato non vogliamo piu'. Mi piacerebbe -conclude l'Assessore- che questa citta' potesse recuperare l'idea di orgoglio; ebbene noi vogliamo che tutto il mondo sappia che Milano e' la citta' del Futurismo".

A Ferrara il romanticismo di William Turner

La città di Ferrara ospita in questi giorni, presso le sale del prestigioso “Palazzo dei Diamanti”, una vasta mostra di opere del pittore inglese Joseph Mallord William Turner. Questo straordinario artista, fra i più rappresentativi della corrente “romantica”, già noto nella sua nazione ad iniziare dai primi anni dell’800, come avvenuto per tantissimi suoi connazionali, pittori anch’essi, ma anche scrittori e poeti, vennero attratti dalle atmosfere mediterranee ed in particolar modo dall’Italia, ricca di monumenti, paesaggi illuminati da una splendida luce, quella luminosità assente in Inghilterra, particolare che si riscontra facilmente nei dipinti di Turner, belli, ma come chiusi in un intimismo triste, come peraltro insito diffuso nella prosa e nella poesia.

Come lui, numerosi artisti inglesi e tedeschi, affrontarono un viaggio disagevole per godere delle bellezze monumentali, naturali e paesaggistiche del “Bel Paese”, dando vita ad un vero e proprio pellegrinaggio “laico”. La loro “fede” fu premiata perché dal loro peregrinare nacquero delle opere, pittoriche e letterarie sublimi; nell’osservare quei dipinti e nel leggere i componimenti letterari, si ha la straordinaria sensazione di assistere ad un fenomeno di trasmigrazione, in anime commosse, ma spente sentimentalmente, dell’atmosfera vivificante di una natura quella italiana, varia nelle forme e nei colori e che emanava un fluido di commovente liricità che andava a rinvigorire la vita a dei talenti già in itinere, avidi di assorbire atmosfere o luminosità quale indispensabile completamento al dischiudersi a nuova vita.

Indubbiamente la formazione artistica di Turner risente in modo determinante dall’osservazione dei “Grandi” della nostra pittura quali Tiziano e Veronese, solo per citarne alcuni.

Il suo primo “contatto” con l’atmosfera italiana avvenne contemplando i paesaggi alpini, forse quelli più vicini al suo sentire il colore, il candore delle nevi rende tutto come ammantato da luce viva, ma prossima ad un caldo tramonto.

Nei suoi viaggi successivi Turner scoprì una realtà forse immaginata, intuita, ma resa realmente godibile da una immersione totale nell’abbagliante e vivificante lucore del sole mediterraneo.

Visitò Venezia e ne rimase stregato, nella città lagunare creò le sue opere più importanti; quindi Roma e Napoli e tornato a Londra espose un’opera di grande formato dal titolo “Roma vista dal Vaticano” (1820) che oggi può essere ammirata alla “Tate” di Londra, in questa opera la Città Eterna appare in tutta la sua grandiosità non solo architettonica, immersa in una luminosità solare che la rende dorata, una caratteristica che è commovente ed osservabile nei dipinti della “Scuola Romana”.

In questo periodo e nei viaggi successivi e sempre più frequente che Turner effettuerà nel nostro Paese, avverrà la definitiva maturazione stilistica che culminerà in opere di stile profondamente lontano dalle atmosfere delle sue iniziali realizzazioni, sempre a Roma dipingerà degli acquerelli di bellezza e liricità commoventi, e dipinti come “Roma Moderna” e “Campo Vaccina”.

La mostra ferrarese è completata da due sezioni dedicate agli ultimi anni dell’attività del pittore, allorché Turner, ormai artisticamente ed emotivamente pronto ad una visione del tutto personale del dipingere, abbandonò gli antichi dettami dell’arte come consolidata tendenza in più di quattro secoli e diede vita a delle creazioni assolutamente originali nel cromatismo e nella visione architettonica e naturalistica.

Determinante per Turner fu comunque il soggiorno veneziano che lo convertì definitivamente alla luminosità ed all’armonia delle forme, influenza che non si esaurì al suo ritorno in Inghilterra dove i suoi quadri risentirono e con evidenza dei colori e delle atmosfere mediterranee e lagunari.

Questa esauriente e prestigiosa mostra è stata curata da James Hamilton realizzata grazie a “Ferrara Arte” e alla “National Gallery of Scotland di Edimburgo, in collaborazione con lo Szépmùvészeti Mùzeum, di Budapest.

Orario: aperto tutti i giorni, feriali e festivi dalle ore 9,00 alle 19,00.

La mostra si concluderà il 22.02.2009.